vad är ”barock” och när var barocken?
härledd från den portugisiska barroco, eller ”märkligt formad pärla,” termen ”barock” har använts i stor utsträckning sedan artonhundratalet för att beskriva perioden i västeuropeisk konstmusik från omkring 1600 till 1750. Att jämföra några av musikhistoriens största mästerverk med en misshapen pärla kan tyckas konstigt för oss idag, men till 1800-talets kritiker som tillämpade termen lät musiken i Bach och Händels era alltför ornamenterad och överdriven., Efter att sedan länge ha utgjutit sina nedsättande konnotationer är ”barock” nu helt enkelt en bekväm fångst-allt för en av de rikaste och mest olika perioderna i musikhistorien.
förutom att producera den tidigaste Europeiska musiken som är bekant för de flesta av oss, inklusive Pachelbels Canon och Vivaldis The Four Seasons, utvidgade barocken också kraftigt våra horisonter. Antagandet av Copernicus 1500-talsteori att planeterna inte kretsade runt jorden gjorde universum till en mycket större plats, medan Galileos arbete hjälpte oss att lära känna kosmos bättre., Framsteg inom teknik, såsom uppfinningen av teleskopet, gjorde vad som tros vara ändlig verkar oändlig. Stora tänkare som Descartes, Hobbes, Spinoza och Locke tacklade de stora frågorna om existens. Genier som Rubens, Rembrandt och Shakespeare erbjöd unika perspektiv genom sin konst. Europeiska nationer växte allt mer med utrikeshandel och kolonisering, vilket ledde oss i direkt kontakt med delar av världen som tidigare var okända., Och tillväxten av en ny medelklass andades liv i en konstnärlig kultur som länge var beroende av kyrkans och domstolens lustar.
tillbaka till toppen
vilka var de stora barockkompositörerna, och var kom de ifrån?
många av de välkända personligheterna från den första delen av barocken kommer från Italien, inklusive Monteverdi, Corelli och Vivaldi. (I mitten av artonhundratalet skiftar vårt fokus till de tyska kompositörerna Bach och Handel.) Många av de former som identifierats med barockmusik har sitt ursprung i Italien, inklusive cantata, concerto, sonata, oratorio och opera., Även om Italien spelade en viktig roll i utvecklingen av dessa genrer, ökade nya begrepp om vad det innebar att vara en nation nödvändigheten av en ” nationell stil.”Skillnader mellan nationer hörs ofta i musik från perioden, inte bara på det sätt som musiken komponerades, men också i konventioner av prestanda; särskilt uppenbart var kontrasten mellan Italien och Frankrike. Medan vissa länder kan tyckas hävda en större del av vår erfarenhet av barockmusik idag, dock, varje nation spelade en roll., Som musiker och kompositörer reste över hela Europa och hörde varandras musik, gjorde de nya konventionerna de mötte subtila intryck på dem. Några av de mest kända kompositörerna från perioden inkluderar följande:
Italien: Monteverdi, Frescobaldi, Corelli, Vivaldi, Domenico och Alessandro Scarlatti
Frankrike: Couperin, Lully, Charpentier och Rameau
Tyskland: Praetorius, Schein, Scheidt, Schutz, Telemann, Handel och Bach
England: Purcell
tillbaka till Top
vad är filosofin för barockmusik?,
även om en enda filosofi inte kan beskriva 150 års musik från hela Europa, är flera begrepp viktiga under barocken.
en tro på musik som ett kraftfullt verktyg för kommunikation
En av de stora filosofiska strömmarna i barockmusik kommer från renässansen intresse för idéer från antikens Grekland och Rom. Grekerna och romarna trodde att musik var ett kraftfullt verktyg för kommunikation och kunde väcka känslor i sina lyssnare., Som ett resultat av återupplivandet av dessa idéer blev Kompositörer alltmer medvetna om musikens potentiella kraft och odlade tron att deras egna kompositioner kan ha liknande effekter om de korrekt emulerade gammal musik.,ance i slutet av 1500-talet,
Jag har ofta hört det sagt om Sieur Claudin Le Jeune (som utan att vilja lätta någon, långt överträffade musikerna i åldrar tidigare i sin förståelse av dessa frågor) att han hade sjungit en luft (som han hade komponerat i delar)…och att när denna luft repeterades på en privat konsert orsakade det en gentleman där att lägga hand till vapen och börja svära högt, så att det verkade omöjligt att hindra honom från att attackera någon: varpå claudin började sjunga en annan luft…vilket gjorde HERREN så lugn som tidigare., Detta har bekräftats för mig sedan av flera som var där. Sådan är kraften och kraften i melodi, rytm och harmoni över sinnet.
i 1605 definierade den italienska kompositören Claudio Monteverdi faktiskt en ”första” och ”andra” övning: i den första tog harmoni och motpunkt företräde framför texten; i det andra var behovet av att uttrycka betydelsen av orden överträffat någon annan oro. I barocken är det andan i den andra övningen-med hjälp av musikens kraft att kommunicera-som kom att dominera eran.,
verkligheten i beskydd
varje diskussion om en barock kompositörens konstnärliga filosofi bör tempereras, åtminstone något, av verkligheten i deras liv. I modern tid, konstnärer tjänar ofta en levande producerar exakt den typ av konst de flyttas för att skapa. Följaktligen tänker vi ofta på konstnären-och graden av hans eller hennes konstnärliga inspiration—som utgångspunkt för ett konstverk. Under en stor del av barocken tjänade dock Kompositörer bara en levande skrivmusik om de hade turen att vara på lönelistan för en politisk eller religiös institution., De musikaliska behoven hos den institutionen dikterade därför den musik som kompositören producerade. Bach skrev antalet kantater han gjorde, till exempel, inte nödvändigtvis för att han fann formen inspirerande, men på grund av de liturgiska kraven från Leipzigkyrkan som anställde honom. När den ses i detta ljus kan barockmusik ge ett fascinerande fönster i historien.
tillbaka till toppen
vad är egenskaperna hos barockmusik?
det nya intresset för musikens dramatiska och retoriska möjligheter gav upphov till en mängd nya ljud idealer under barocken.,
kontrast som ett dramatiskt element
kontrast är en viktig ingrediens i dramat i en Barockkomposition. Skillnaderna mellan högt och mjukt, solo och ensemble (som i konserten), olika instrument och timbres spelar alla en viktig roll i många barockkompositioner. Kompositörer började också vara mer exakta om instrumentering, som ofta specificerar de instrument som en bit ska spelas på istället för att låta utövaren välja. Briljanta instrument som trumpet och violin växte också i popularitet.,
Monody och tillkomsten av basso continuo
i tidigare musikaliska epoker tenderade ett musikstycke att bestå av en enda melodi, kanske med ett improviserat ackompanjemang, eller flera melodier spelade samtidigt. Inte förrän barocken började begreppet ”melodi” och ”harmoni” verkligen artikuleras. Som en del av ansträngningen att imitera gammal musik började Kompositörer fokusera mindre på den komplicerade polyfonin som dominerade femtonde och sextonde århundradena och mer på en enda röst med ett förenklat ackompanjemang eller monody., Om musik var en form av retorik, som grekernas och romarnas skrifter indikerar, är en kraftfull orator nödvändig—och vem är bättre för jobbet än en vokal solist? Den nya sammanslagningen mellan uttrycket av känsla och solosångaren kommer genom högt och tydligt i Monteverdis förord till Combattimento di Tancredi e Clorinda från sin åttonde bok av Madrigals (1638), där han skriver: ”det har tyckt mig att de främsta passionerna eller känslorna i vårt sinne är tre i antal, nämligen ilska, jämlikhet och ödmjukhet., De bästa filosoferna är överens, och vår rösts natur, med sina höga, låga och mellersta intervall, skulle indikera lika mycket.”De tidigaste operorna är en utmärkt illustration av denna nya estetiska.
tillsammans med betoningen på en enda melodi och baslinje kom bruket av basso continuo, en metod för musikalisk notation där melodin och baslinjen skrivs ut och det harmoniska fyllmedlet anges i en typ av stenografi., Som den italienska musikern Agostino Agazzari förklarade i 1607:
eftersom den sanna stilen att uttrycka orden äntligen har hittats, nämligen genom att reproducera sin känsla på bästa möjliga sätt, vilket lyckas bäst med en enda röst (eller inte mer än ett fåtal), som i de moderna flygningarna av olika skickliga män, och som är den ständiga praktiken i Rom i samordnad musik, säger jag att det inte är nödvändigt att göra en poäng… en bas, med sina tecken på för harmonierna är det tillräckligt., Men om någon skulle berätta för mig att för att spela de gamla verken, fulla av FUGA och motpoäng, är en bas inte tillräckligt, mitt svar är att vokala verk av detta slag inte längre används.
eftersom basso continuo, eller grundlig bas, förblev standardpraxis fram till slutet av barocken, är eran ibland känd som ”den grundliga basens ålder.”
olika instrumentala ljud
efter att ha ignorerats i årtionden har barockmusik blivit alltmer populär under de senaste femtio åren., Som en del av detta nya intresse har forskare och musiker spenderat otaliga timmar på att försöka lista ut hur musiken kan ha låtit till 17th och 18th century publik. Samtidigt som vi aldrig kommer att kunna återskapa en föreställning just deras arbete har grävt flera stora skillnader mellan Barock och modern ensembler:
breddsteg: 1939, moderna orkestrar kommit överens om att ställa om till en’=440hz (not A lägrade sig på 440 svängningar per sekund), som ersatte en tidigare lägre tonhöjd (a’=435hz), som antogs år 1859. Före 1859 fanns det dock ingen pitch standard., Anteckningen till vilken barock ensembler stämde varierade därför mycket vid olika tidpunkter och på olika ställen. Som ett resultat kan musiken som noterats på en poäng ha låtit så mycket som en halv ton lägre än hur det traditionellt skulle utföras idag. I ett försök att möjliggöra denna skillnad, många barock ensembler anpassa sin inställning till repertoaren som utförs: a ’= 415hz för sen barockmusik, a ’=392hz för fransk musik, A ’=440hz för tidig italiensk musik och A ’ =430hz för klassisk repertoar.,
timbre: medan de flesta av instrumenten i en Barockensemble är bekanta, finns det flera framstående medlemmar som inte längre finns med i moderna ensembler. Cembalo var det primära klaviaturinstrumentet (och en viktig medlem av continuo-gruppen), och instrument som var viktiga under 1500-och 1600-talen, som lute och viol, fortsatte fortfarande att användas. Variationer i instrument som fortfarande är populära idag gav också Barockensemble ett annat ljud., Stränginstrument som violin, viola och cello använde gut strängar snarare än strängarna insvept i metall som de är uppträdda idag, till exempel, vilket ger dem en mjukare, sötare ton.
prestanda teknik: en barock poäng innehåller lite (om någon) information om element som artikulation, ornament eller dynamik, och så moderna ensembler måste göra sina egna informerade val före varje prestation., Mekaniska skillnader mellan barock och moderna instrument tyder också på att de äldre instrumenten skulle ha låtit annorlunda, så ensembler som barockmusik anpassar ofta sin teknik för att möjliggöra detta. Eftersom barock och moderna bågar är strukturellt olika, till exempel, strängspelare som använder moderna bågar använder ofta en mildare attack på strängen och crescendos och diminuendos på längre anteckningar., 17th och 18th century prestanda avhandlingar innebär också att finger vibrato (en teknik där en sträng spelare stenar hans eller hennes fingertopp på strängen för att berika tonen) användes sparsamt för uttrycksfulla stunder, medan bow vibrato (en bögrörelse) i allmänhet föredrog.
tillbaka till toppen
vilka musikaliska former kom för att definiera barocktiden?
medan former från tidigare epoker fortsatte att användas, såsom motet eller särskilda danser, väckte intresset för musik som en form av retorik utvecklingen av nya genrer, särskilt inom vokalmusik., Många av de former som är förknippade med barocktiden kommer direkt ut ur denna nya dramatiska impuls, särskilt opera, oratorio och cantata. I instrumentalmusikens rike gav begreppet kontrast och lusten att skapa storskaliga former upphov till konserten, sonaten och sviten.
vokalmusik
Opera: ett drama som främst sjungs, åtföljt av instrument och presenteras på scenen. Operor växlar vanligtvis mellan recitativ, talliknande sång som avancerar tomten och arior, låtar där tecken uttrycker känslor vid särskilda punkter i åtgärden., Körer och danser ingår också ofta. Tillkomsten av genren vid sekelskiftet sjuttonhundratalet är ofta förknippad med verksamheten i en grupp poeter, musiker och forskare i Florens som idag kallas Florentine Camerata. Den första överlevande operan var Jacopo Peris Dafne, baserad på en libretto av Ottavio Rinuccini och framförd i Florens 1598; den tidigaste opera som fortfarande utförs idag är Claudio Monteverdis Orfeo (1607)., Ämnena i de första operorna är alla hämtade från grekisk myt, vilket återspeglar genrens nära allianser med försök att återskapa musik och drama av antika kulturer och utfördes enbart i aristokratiska cirklar för inbjudna gäster.
när de första offentliga operahusen öppnades i Venedig 1637 ändrades genren för att passa publikens preferenser. Solo sångare tog på sig en slags kändisstatus, och större tonvikt lades på aria som ett resultat. Recitativ växte mindre viktigt, och körer och danser försvann nästan från italiensk opera., De finansiella realiteterna med att iscensätta frekventa operaproduktioner hade också en effekt. De spektakulära sceneffekterna i samband med opera vid domstolen var kraftigt nedspelade, och librettos konstruerades för att dra nytta av lager natursköna enheter. I början av 1700-talet (särskilt i Neapel) blev två subgenrer av opera uppenbara: opera seria, där fokus låg på seriöst ämne och Da capo aria, och opera buffa, som hade en lättare, jämn komisk ton och ibland använde duetter, trios och större ensembler. Den italienska traditionen av opera dominerade gradvis de flesta europeiska länder., I slutet av 1600-talet Frankrike, men den italienskfödda Jean-Baptiste Lully och librettisten Philippe Quinault skapade en unikt fransk version av opera kallas tragédie-lyrique.
Oratorio: ett utökat musikdrama med en text baserad på religiöst ämne, avsedd för prestanda utan landskap, kostym eller handling. Oratorio menade ursprungligen bönsal, en byggnad som ligger intill en kyrka som var utformad som en plats för religiösa upplevelser som skiljer sig från liturgin., Även om det finns prejudikat för oratorio i motet och madrigal repertoar, oratorio som en distinkt musikgenre uppstod mitt i den utmärkta akustiken i dessa utrymmen i början av 1600-talet. vid mitten av 1700-talet, oratorios utfördes i palats och offentliga teatrar och växte allt mer liknar operor, även om ämnet, uppdelning i två delar (snarare än tre akter) och avsaknad av iscensatt åtgärder fortfarande skiljer den., Några av kompositörerna i samband med genren i Italien inkluderar Giocomo Carissimi, Alessandro Scarlatti och Antonio Vivaldi. Oratoriet växte också i popularitet i andra delar av Europa. I protestantiska Tyskland blev dramatisk musik komponerad för användning i den lutherska kyrkan gradvis smält med element i oratoriet, särskilt i införandet av icke-bibliska texter. Oratorio passion, som det kom att kallas, kulminerade i J. S. Bachs stora verk., Andra välkända exempel utanför Italien är de Engelska oratorierna av George Frideric Handel, som populariserade genren i London som ett resultat av den engelska distaste för italiensk opera. Verk som Messias, Israel i Egypten och Judas Maccabeus förblir publikfavoriter till denna dag.
Cantata: en utökad Bit bestående av en rad recitativ och fasta bitar som arior, duetter och Koror., Med ursprung i början av 1600-talet Italien började kantaten som ett sekulärt arbete som komponerades för solo voice och basso continuo, troligen avsedd för prestanda vid privata sociala sammankomster. Många av dessa verk publicerades, vilket tyder på att de utfördes av professionella musiker och amatörer. I mitten av seklet publicerades kantater mindre ofta, vilket tyder på att Föreställningar alltmer gjordes av proffs. I slutet av 1700-talet började cantatas införliva Da capo aria och hade ofta orkesterkomplementeringar., Stora kompositörer i den italienska kantat genre inkluderar Luigi Rossi, Antonio Cesti, Alessandro Stradella, och under första hälften av 18th century Alessandro Scarlatti, Händel, Benedetto Marcello och Johann Adolf Hasse. Utanför Italien, den expanderande genren av den lutherska motet började införliva många delar av den italienska kantaten, särskilt tekniker för dramatiska uttryck som recitativ och aria. Bachs många kantater visar det omfattande inflytandet av sina italienska motsvarigheter.,Sonata: används för att beskriva flera typer av bitar under barocken, termen sonata betecknade oftast ett verk i flera rörelser för ett eller flera instrument (oftast violiner) och bassocontinuo; en sonata för två violiner eller andra diskantinstrument plus bas kallades vanligtvis en trio sonata., Vid 1650-talet klassificerades sonatas ofta som sonatas da chiesa (”kyrkans sonatas”), vanligtvis bestående av fyra rörelser som växlade mellan långsamma och snabba tempos och utfördes i kyrkan, eller sonatas da camera (”kammarsonata”), som bestod av en serie danser som liknar sviten. Exempel på båda typerna finns i slutet av 1700-talet av Corelli. På 1700-talet skrev Telemann, Bach andHandel många sonater modellerade på Corellis sonater da chiesa., Ökningen till framträdande av solo sonater för tangentbordsinstrument börjar sent i barocken, inklusive de för organ (Bach) och cembalo (Handel, Domenico Scarlatti). Andra kända exempel på solo sonater inkluderar Bachs verk för ensamkommande fiol och cello.
Concerto: härledd från den italienska konsertaren (att gå samman, förena) tog konserten flera former under barocken. Fram till början av 1700-talet var en konsert helt enkelt en komposition som förenade ett varierat ensemble bestående av röster, instrument eller båda., Heliga verk för röster och instrument kallades ofta concertos, medan liknande sekulära verk i allmänhet kallades arie (airs), cantatas eller musiche. Medan storskaliga heliga konserter finns i Claudio Monteverdis verk, var mer intima kompositioner för en till fyra röster, kontinuo och ytterligare soloinstrument mycket vanligare. I Tyskland, underbara exempel på den heliga konsert återfinns i verk av Johann Hermann Schein, Michael Praetorius, Samuel Scheidt och Heinrich Schütz (särskilt hans Kleine geistliche Concerte, eller ”Små Heliga Verk,” av 1636-39).,
senare på sjuttonhundratalet började konserten anta sin moderna definition: ett multimovementarbete för instrumental solist (eller grupp solister) och orkester. Med sin cue från canzonas och sonatas i slutet av sextonde och sjuttonde århundradet, som använde kontrasterande grupper av instrument till stor effekt, alternerar konserten grosso en liten grupp solister med ett större ensemble. Verk av Corelli, särskilt hans op. 6 samling, ger kanske de mest kända exemplen på slutet av 17th century concerto grosso., Medan Corellis verk emulerades på 1700-talet, framför allt i handels op.6 samling, många 18th century exempel på konserten grosso visar det ökande inflytandet av solokonserten (till exempel Brandenburg Concertos av J. S. Bach).
den mest dominerande typen av konsert på 1700-talet var solokonserten, som innehöll ett enda instrument i motsats till en ensemble., Den mest produktiva kompositören av solokonserten var Antonio Vivaldi, som skrev cirka 350 och etablerade konsertens vanliga trerörelseform (två snabba yttre rörelser, en mittrörelse i ett långsammare tempo). Medan de flesta solokonserter skrevs för violin var trumpet concertos också populära, och concertos komponerades också för cello, oboe, flöjt och fagott. På 1730-talet skrev Handel 16 orgelkonserter, och Bach komponerade också flera konserter för cembalo ungefär samtidigt (de flesta av dessa är Arrangemang av existerande verk).,
Svit: baserat på den traditionella parningen av danser i renässansen var sviten det första flerrörelsearbetet för instrument. Sviten var i huvudsak en serie danser i samma nyckel, de flesta eller alla av dem i tvådelad form. Runt mitten av 17-talet i Tyskland blev sekvensen av allemande, courante, sarabande och gigue relativt standard, även om andra dansrörelser, såsom ytterligare allemandes eller courantes,bourreés, gavottes och minuets, ofta infördes. De flesta sviter började också med en inledande rörelse som en förspel, ouverture eller fantasia., För många barockkompositörer förkroppsligade de olika danserna specifika tecken. I hans Der volkommene Capellmeister (Komplett Music Director), 1739, tyska teoretiker Johann Mattheson gav en lista över alla dansens karaktär: menuett var ”måttlig glädje,” det gavotte ”jublande glädje,” det bourreé ”contentedness,” den courante ”hopp”, den sarabande ”ambition” och gigue kan innebära en rad av känslor, allt från ilska till flightiness., Barock sviter gjordes för soloinstrument samt orkester; de skrivna för en eller två melodi instrument och continuo är ibland titeln sonata da camera. Franska sviter för tangentbord kallas ibland ordres (som i verk av François Couperin, som införde många icke-dansrörelser inklusive suggestiva karaktärsskisser av domstolspersonal.
tillbaka till toppen
hur var det att delta i en konsert i barocktiden?
i modern tid är det en händelse att gå på konsert., Vi hör en annons på radion eller ser en notering i tidningen; Vi köper biljetter; vi går till en konsertsal och sitter tyst tills det är dags att applådera. Under barocken var denna typ av offentlig konsert sällsynt. Många av de mest kända barockkompositionerna utfördes i kyrkor för en tjänst, eller som en del av en privat konsert eller fest i hemmet av en rik beskyddare. Under barocken blev dock offentliga framträdanden vanligare, särskilt i opera-och oratoriets genrer, och vår moderna konserttradition började sammanfalla i många europeiska städer., Som Roger North beskrev en föreställning i en av de tidigaste konsertserien, organiserad i London på 1670-talet:
det första försöket var lågt: ett projekt av old Banister, som var en bra violin och en teaterkompositör. Han öppnade ett dunkelt rum i ett offentligt hus i Vita friars; fyllde det med bord och platser och gjorde en sidolåda med gardiner för musiken. Ibland konsort, ibland solos, av fiolen, flageolet, bas viol, lute och song all ’ italiana, och sådana sorter avledde företaget, som betalade för att komma in., En shilling per styck, ring efter vad ni vill, betala räkningen och välkomna mina herrar.
tillkomsten av den offentliga konserten gjorde den växande medelklassen till en viktig inkomstkälla för musiker. I slutet av barocken hade denna sociala delmängd blivit en musikalisk beskyddare nästan lika kraftfull som kyrkan eller domstolen.
tillbaka till toppen
vad kom efter barocken?
i mitten av artonhundratalet var barockens idé om musik som en form av retorik Under attack., Musik hade en fantastiskt stark kraft att uttrycka även de svåraste begreppen – men bara i sin mest ”naturliga” form,som barocktiden uppenbarligen hade muddled. Som Johann Adolph Scheibe sa om J. S. Bach 1737,
denna stora man skulle vara beundran av hela nationer om han gjorde mer bekvämlighet, om han inte tog bort det naturliga elementet i sina bitar genom att ge dem en turgid och förvirrad stil, och om han inte mörkade sin skönhet genom ett överskott av konst., Eftersom han bedömer enligt sina egna fingrar är hans pjäser extremt svåra att spela; för han kräver att sångare och instrumentalister ska kunna göra med sina halsar och instrument vad han än kan spela på nyckelbenet, men det är omöjligt… Turgidity har lett från det naturliga till det artificiella och från det höga till det dystra; och…man beundrar det tunga arbetet och ovanliga ansträngningarna—som dock är förgäves anställda, eftersom de strider mot naturen.,
Scheibes insisterande på tydlighet och enkel prestanda antyder en stor förändring i musikalisk estetik: under hela sin diatribe är den slutliga skiljedomaren av smak inte Platon eller Aristoteles, men i slutändan lyssnarna och artisterna själva. Denna nya betoning på direkt melodiskt uttryck och tydlig musikalisk arkitektur pekar vägen till den klassiska perioden, Mozarts och Haydns ålder.
tillbaka till toppen
barocken i modern tid
även om barocken slutade över 250 år sedan, kan vestiges av eran höras överallt., Några av de mest inflytelserika och älskade kompositionerna utförs regelbundet i konsertsalar, och en mängd inspelningar gör barocken tillgänglig på efterfrågan. Många av de musikaliska genrer som fortfarande används idag, som oratoriet, konserten och operan, har sitt ursprung i perioden. Nittonhundratalet kompositörer som Ralph Vaughn Williams, Igor Stravinsky och Benjamin Britten hedrade barock i sina verk., Dess inflytande kan till och med höras utanför konstmusikens rike: den fria rörligheten mellan solo och grupp i jazz jämförs ibland med barockmusik, och utdrag av Bach och Vivaldi förekommer ofta i solister av heavy metal-gitarrister. Och barockens anda—en orubblig tro på musikens kraft att röra människors liv-förändrade musikhistorien för alltid.
tillbaka till toppen