Wat is “barok” en wanneer was de Barok periode?
afgeleid van de Portugese barroco, of “vreemd gevormde parel”, wordt de term “barok” sinds de negentiende eeuw veel gebruikt om de periode in West-Europese kunstmuziek te beschrijven van ongeveer 1600 tot 1750. Het vergelijken van enkele van de grootste meesterwerken uit de muziekgeschiedenis met een misvormde parel lijkt ons vandaag de dag misschien vreemd, maar voor de negentiende-eeuwse critici die de term toepasten, klonk de muziek van Bach en Händel ‘ s tijd overdreven versierd en overdreven., “Barok” heeft al lang zijn denigrerende connotaties verloren en is nu gewoon een handige vangst-alles voor een van de rijkste en meest uiteenlopende periodes in de muziekgeschiedenis.naast het produceren van de vroegste Europese muziek die de meesten van ons kennen, waaronder Pachelbel ‘S Canon en Vivaldi’ s The Four Seasons, breidde de barok ook onze horizon enorm uit. De acceptatie van Copernicus ’16e-eeuwse theorie dat de planeten niet rond de aarde draaiden maakte het heelal een veel grotere plaats, terwijl Galileo’ s werk hielp ons beter kennis te maken met de kosmos., Vooruitgang in de technologie, zoals de uitvinding van de telescoop, maakte wat werd verondersteld te zijn eindig lijken oneindig. Grote denkers als Descartes, Hobbes, Spinoza en Locke gingen in op de grote vragen van het bestaan. Genieën als Rubens, Rembrandt en Shakespeare boden unieke perspectieven door hun kunst. De Europese naties werden steeds meer betrokken bij buitenlandse handel en kolonisatie, waardoor we in direct contact kwamen met delen van de wereld die voorheen onbekend waren., En de groei van een nieuwe middenklasse blies leven in een artistieke cultuur lang afhankelijk van de grillen van Kerk en Hof.
Back to Top
wie waren de belangrijkste barokcomponisten, en waar kwamen ze vandaan?veel van de bekende persoonlijkheden uit het eerste deel van de barok zijn afkomstig uit Italië, waaronder Monteverdi, Corelli en Vivaldi. (Halverwege de achttiende eeuw verschuift onze focus naar de Duitse componisten Bach en Händel. Veel van de vormen geïdentificeerd met barokmuziek zijn afkomstig uit Italië, waaronder de cantate, concerto, sonata, oratorio en opera., Hoewel Italië een vitale rol speelde in de ontwikkeling van deze genres, hebben nieuwe concepten van wat het betekende om een natie te zijn de imperatief van een “nationale stijl.”Verschillen tussen naties zijn vaak hoorbaar in muziek uit die periode, niet alleen in de manier waarop muziek werd gecomponeerd, maar ook in conventies van uitvoering; vooral duidelijk was het contrast tussen Italië en Frankrijk. Hoewel sommige landen een groter stuk van onze ervaring met barokmuziek van vandaag lijken te claimen, speelde elk land echter een rol., Toen muzikanten en componisten door heel Europa reisden en elkaars muziek hoorden, maakten de nieuwe conventies die ze tegenkwamen subtiele indrukken op hen. Enkele van de bekendste componisten uit deze periode zijn: Italië: Monteverdi, Frescobaldi, Corelli, Vivaldi, Domenico en Alessandro Scarlatti
Frankrijk: Couperin, Lully, Charpentier en Rameau
Duitsland: Praetorius, Schein, Scheidt, Schutz, Telemann, Handel en Bach
Engeland: Purcell
Wat is de filosofie van barokmuziek?,
hoewel een enkele filosofie geen 150 jaar muziek uit Heel Europa kan beschrijven, zijn verschillende concepten belangrijk in de barokperiode.een geloof in muziek als een krachtig communicatiemiddel een van de belangrijkste filosofische stromingen in de barokmuziek komt voort uit de interesse van de Renaissance in ideeën uit het oude Griekenland en Rome. De Grieken en Romeinen geloofden dat muziek een krachtig communicatiemiddel was en elke emotie bij de luisteraars kon opwekken., Als gevolg van de opleving van deze ideeën werden componisten zich steeds meer bewust van de potentiële kracht van muziek, en cultiveren ze het geloof dat hun eigen composities vergelijkbare effecten kunnen hebben als ze oude muziek correct navolgen.,ance in de late zestiende eeuw,
ik heb vaak gehoord van Sieur Claudin Le Jeune (die, zonder te willen lichte iedereen, ver overtroffen de muzikanten van het verleden in zijn begrip van deze materie) dat hij had gezongen, een lucht (die hij had samengesteld delen)…en dat wanneer deze lucht werd gerepeteerd in een privé-concert van het veroorzaakt een gentleman er om de hand aan de armen en beginnen te schelden hardop, zodat het onmogelijk leek om te voorkomen dat hij het aanvallen van door iemand: waarna Claudin begon te zingen andere air…en dat maakte de man zo rustig als voorheen., Dit is mij sindsdien bevestigd door een aantal die er waren. Dat is de kracht en kracht van melodie, ritme en harmonie over de geest.
In 1605 definieerde de Italiaanse componist Claudio Monteverdi een “eerste” en “tweede” praktijk: in de eerste hadden harmonie en contrapunt voorrang op de tekst; in de tweede overtrof de noodzaak om de Betekenis van de woorden uit te drukken elke andere zorg. In de barok is het de geest van de tweede praktijk—met behulp van de kracht van muziek om te communiceren—die het tijdperk kwam domineren.,elke discussie over de artistieke filosofie van een barokcomponist moet enigszins getemperd worden door de realiteit van zijn leven. In de moderne tijd verdienen kunstenaars vaak hun brood met het produceren van precies het soort kunst dat ze willen maken. Daarom denken we vaak aan de kunstenaar—en de mate van zijn of haar artistieke inspiratie—als uitgangspunt voor een kunstwerk. Gedurende een groot deel van de baroktijd verdienden componisten echter alleen hun brood met het schrijven van muziek als ze het geluk hadden op de loonlijst van een politieke of religieuze instelling te staan., De muzikale behoeften van dat instituut dicteerden daarom de muziek die de componist produceerde. Zo schreef Bach het aantal cantates dat hij deed, niet noodzakelijkerwijs omdat hij de vorm inspirerend vond, maar vanwege de liturgische eisen van de Leipzigse kerk die hem in dienst stelde. In dit licht bezien, kan barokmuziek een fascinerend venster in de geschiedenis bieden.
Back to Top
Wat zijn de kenmerken van barokmuziek?
de nieuwe interesse in de dramatische en retorische mogelijkheden van de muziek gaf aanleiding tot een schat aan nieuwe geluidsidealen in de Barok.,
Contrast als dramatisch element
Contrast is een belangrijk ingrediënt in het drama van een barokke compositie. De verschillen tussen luid en zacht, solo en ensemble (zoals in het concerto), verschillende instrumenten en timbres spelen allemaal een belangrijke rol in veel barokke composities. Componisten begonnen ook nauwkeuriger te zijn over instrumentatie, waarbij ze vaak de instrumenten specificeren waarop een stuk moet worden gespeeld in plaats van de uitvoerder te laten kiezen. Briljante instrumenten als de trompet en viool groeide ook in populariteit.,monodie en de komst van de basso continuo in eerdere muzikale tijdperken bestond een muziekstuk meestal uit één enkele melodie, misschien met een geïmproviseerde begeleiding, of meerdere melodieën gelijktijdig gespeeld. Pas in de barokperiode begon het concept van “melodie” en “harmonie” echt te worden verwoord. Als onderdeel van de poging om oude muziek te imiteren, begonnen componisten zich minder te richten op de ingewikkelde polyfonie die de vijftiende en zestiende eeuw domineerde en meer op een enkele stem met een vereenvoudigde begeleiding, of monodie., Als muziek een vorm van retoriek was, zoals de geschriften van de Grieken en Romeinen aangeven, is een krachtige redenaar nodig—en wie is er beter voor het werk dan een vocale solist? De nieuwe samensmelting tussen de uitdrukking van het gevoel en de solozangeres komt luid en duidelijk tot uiting in Monteverdi ‘ s voorwoord bij het Combattimento di Tancredi e Clorinda uit zijn achtste boek van madrigalen (1638), waarin hij schrijft: “het heeft me ingezien dat de belangrijkste passies of genegenheid van onze geest drie in aantal zijn, namelijk woede, gelijkmoedigheid en nederigheid., De beste filosofen zijn het erover eens, en de aard van onze stem, met zijn hoge, lage en middelste bereiken, zou dat aangeven.”De vroegste opera’ s zijn een uitstekende illustratie van deze nieuwe esthetiek.
samen met de nadruk op een enkele melodie en baslijn kwam de praktijk van basso continuo, een methode van muzikale notatie waarin de melodie en baslijn worden uitgeschreven en de harmonische vuller wordt aangegeven in een soort steno., Als de italiaanse muzikant Agostino Agazzari uitgelegd in 1607:
Aangezien de werkelijke stijl van het uiten van de woorden heeft eindelijk gevonden, namelijk door te reproduceren hun zin in de beste manier mogelijk, dat lukt het beste met een enkele stem (of niet meer dan een paar), als in de moderne uitgezonden door verschillende kloeke mannen, en zo is de constante praktijk in Rome in onderling afgestemde muziek, Ik zeg dat het niet nodig is om een score… Een Bas, met zijn tekens voor de harmonieën, is genoeg., Maar als iemand mij zou vertellen dat Voor het spelen van de oude werken, vol fuga en contrapunten, een bas niet genoeg is, dan is mijn antwoord dat dit soort vocale werken niet meer in gebruik zijn.
omdat basso continuo, of thorough bass, tot het einde van de barokperiode de standaardpraktijk bleef, wordt het tijdperk ook wel het “age of the thorough bass” genoemd.”
verschillende instrumentale klanken
na tientallen jaren genegeerd te zijn, is barokmuziek de laatste vijftig jaar steeds populairder geworden., Als onderdeel van deze nieuwe interesse, hebben geleerden en muzikanten talloze uren besteed aan het uitzoeken hoe de muziek zou kunnen hebben geklonken aan 17e en 18e eeuw publiek. Hoewel we nooit in staat zullen zijn om een performance precies na te bootsen, heeft hun werk verschillende grote verschillen tussen barokke ensembles en moderne ensembles blootgelegd:
toonhoogte: in 1939 stemden moderne orkesten af op a’=440hz (de noot A met 440 cycli per seconde), die een eerder lagere toonhoogte (a’=435hz) verving die in 1859 werd aangenomen. Voor 1859 was er echter geen standaard., De noot waarop barokensembles afgestemd werden, varieerde dus op verschillende tijdstippen en op verschillende plaatsen. Als gevolg daarvan zou de muziek die op een partituur staat wel eens een halve toon lager hebben geklonken dan hoe het nu traditioneel zou worden uitgevoerd. Om deze discrepantie te vermijden passen veel barokensembles hun stemming aan op het repertoire dat wordt uitgevoerd: a’= 415hz voor late barokmuziek, a’=392hz voor Franse muziek, a’=440hz voor vroege Italiaanse muziek en a’=430hz voor klassiek repertoire.,
timbre: hoewel de meeste instrumenten in een barokensemble bekend zijn, zijn er verschillende prominente leden die niet langer in moderne ensembles voorkomen. Het klavecimbel was het belangrijkste klavierinstrument (en een belangrijk lid van de continuo groep), en instrumenten die in de 16e en 17e eeuw belangrijk waren, zoals de luit en viol, werden nog steeds gebruikt. Variaties in instrumenten die vandaag de dag nog steeds populair zijn, gaven het barokensemble ook een andere klank., Strijkinstrumenten zoals de viool, altviool en cello gebruikten gut snaren in plaats van de snaren verpakt in metaal waarmee ze vandaag de dag worden geregen, bijvoorbeeld, waardoor ze een zachtere, zoetere toon.
uitvoeringstechniek: een barokpartituur bevat weinig (of geen) informatie over elementen als articulatie, ornamentatie of dynamiek, en daarom moeten moderne ensembles hun eigen geïnformeerde keuzes maken voor elke uitvoering., Mechanische verschillen tussen barok en moderne instrumenten suggereren ook dat de oudere instrumenten anders zouden hebben geklonken, zodat ensembles als barokmuziek vaak hun techniek aanpassen om dit mogelijk te maken. Omdat barok en moderne bogen structureel verschillend zijn, bijvoorbeeld, gebruiken snaarspelers die moderne bogen gebruiken vaak een zachtere aanval op de snaar en crescendos en diminuendos op langere noten., 17de-en 18de-eeuwse performanceverhandelingen impliceren ook dat finger vibrato (een techniek waarbij een stringspeler zijn of haar vingertop op de snaar rockt om de toon te verrijken) spaarzaam werd gebruikt voor expressieve momenten, terwijl bow vibrato (een golvende beweging van de boog) over het algemeen de voorkeur kreeg.
Back to Top
welke muzikale vormen bepaalden het baroktijdperk?
hoewel vormen uit eerdere tijdperken nog steeds werden gebruikt, zoals het motet of bepaalde dansen, leidde de interesse in muziek als een vorm van retoriek tot de ontwikkeling van nieuwe genres, met name op het gebied van vocale muziek., Veel van de vormen in verband met de barok komen rechtstreeks uit deze nieuwe dramatische impuls, met name opera, het oratorium en de cantate. Op het gebied van de instrumentale muziek hebben de notie van contrast en de wens om grootschalige vormen te creëren aanleiding gegeven tot het concerto, de sonate en de suite.
vocale muziek
Opera: een drama dat voornamelijk wordt gezongen, begeleid door instrumenten, en gepresenteerd op het podium. Opera ’s Wisselen meestal af tussen recitatief, spraakachtig lied dat de plot vooruitgaat, en aria’ s, liederen waarin personages gevoelens uiten op bepaalde punten in de actie., Refreinen en dansen zijn ook vaak opgenomen. De komst van het genre aan het begin van de zeventiende eeuw wordt vaak geassocieerd met de activiteiten van een groep van dichters, muzikanten en geleerden in Florence vandaag bekend als de Florentijnse Camerata. De eerste overlevende opera was Jacopo Peri ’s Dafne, gebaseerd op een libretto van Ottavio Rinuccini en uitgevoerd in Florence in 1598; de vroegste opera die nog steeds wordt uitgevoerd is Claudio Monteverdi’ s Orfeo (1607)., De onderwerpen van de eerste opera ‘ s zijn allemaal ontleend aan de Griekse mythe, een weerspiegeling van de nauwe banden van het genre met pogingen om de muziek en het drama van oude culturen te herscheppen, en werden uitsluitend uitgevoerd in aristocratische kringen voor genodigden.
toen de eerste openbare operahuizen in Venetië in 1637 werden geopend, werd het genre aangepast aan de voorkeuren van het publiek. Solo zangers kregen een soort van beroemdheid status, en meer nadruk werd gelegd op de aria als gevolg. Recitatief werd minder belangrijk, en refreinen en dansen verdwenen vrijwel uit de Italiaanse opera., De financiële realiteit van het opvoeren van frequente operaproducties had ook een effect. De spectaculaire podiumeffecten in verband met opera aan het hof werden sterk gebagatelliseerd, en libretto ‘ s werden gebouwd om te profiteren van Stock scenic apparaten. Aan het begin van de 18e eeuw (vooral in Napels) werden twee subgenres van de opera duidelijk: opera seria, waarin de nadruk lag op serieuze onderwerpen en de Da capo aria, en opera buffa, die een lichtere, zelfs komische toon had en soms duetten, trio ‘ s en grotere ensembles gebruikte. De Italiaanse traditie van opera domineerde geleidelijk de meeste Europese landen., Aan het eind van de 17e eeuw creëerden de in Italië geboren Jean-Baptiste Lully en librettist Philippe Quinault een unieke Franse versie van de opera tragédie-lyrique.
Oratorio: een uitgebreid muzikaal drama met een tekst gebaseerd op religieuze onderwerpen, bedoeld voor uitvoeringen zonder decor, kostuum of actie. Oratorio betekende oorspronkelijk gebedshal, een gebouw naast een kerk die was ontworpen als een plaats voor religieuze ervaringen die verschilt van de liturgie., Hoewel er eind zestiende eeuw precedenten zijn voor het oratorium in het motet-en Madrigale repertoire, ontstond het oratorium als een apart muzikaal genre te midden van de uitstekende akoestiek van deze ruimtes in de vroege jaren 1600. tegen het midden van de 17e eeuw werden oratoria uitgevoerd in paleizen en openbare theaters en werden steeds meer vergelijkbaar met opera ‘ s, hoewel het onderwerp, de verdeling in twee delen (in plaats van drie bedrijven) en de afwezigheid van geënsceneerde actie nog steeds onderscheiden., Enkele van de componisten die geassocieerd worden met het genre in Italië zijn Giocomo Carissimi, Alessandro Scarlatti en Antonio Vivaldi. Het oratorium groeide ook in andere delen van Europa. In het protestantse Duitsland werd dramatische muziek gecomponeerd voor gebruik in de Lutherse Kerk geleidelijk versmolten met elementen van het oratorium, vooral in het opnemen van niet-Bijbelse teksten. Het oratoriumpassie, zoals het werd genoemd, culmineerde in de grote werken van J. S. Bach., Andere bekende voorbeelden buiten Italië zijn de Engelse oratoria van George Frideric Händel, die het genre in Londen populariseerde als gevolg van de Engelse afkeer van Italiaanse opera. Werken als Messias, Israël in Egypte en Judas Maccabeus blijven tot op de dag van vandaag publiekslievelingen.
Cantate: een lang stuk bestaande uit een opeenvolging van recitatieven en vaste stukken zoals aria ‘ s, duetten en refreinen., De cantate is ontstaan uit het begin van de 17e eeuw in Italië en begon als een seculier werk gecomponeerd voor solostem en basso continuo, waarschijnlijk bedoeld voor uitvoering op particuliere sociale bijeenkomsten. Veel van deze werken werden gepubliceerd, wat suggereert dat ze werden uitgevoerd door professionele muzikanten en amateurs. Tegen het midden van de eeuw werden cantates minder vaak gepubliceerd, wat erop wees dat uitvoeringen steeds vaker door professionals werden gedaan. Tegen het einde van de 17e eeuw begonnen cantates met het opnemen van de Da capo aria en hadden vaak orkestbegeleidingen., Belangrijke componisten in het Italiaanse cantategenre zijn Luigi Rossi, Antonio Cesti, Alessandro Stradella, en in de eerste helft van de 18e eeuw Alessandro Scarlatti, Handel, Benedetto Marcello en Johann Adolf Hasse. Buiten Italië begon het groeiende genre van het Lutherse motet veel elementen van de Italiaanse cantate te bevatten, vooral technieken van dramatische expressie zoals recitatief en aria. De vele cantates van Bach tonen de brede invloed van hun Italiaanse tegenhangers.,
Instrumentale muziek
Sonate: gebruikt om verschillende soorten stukken in de barok te beschrijven, de term Sonate meestal aangeduid als een werk in verschillende delen voor een of meer instrumenten (meestal violen) en bassocontinuo; een sonate voor twee violen of andere treble instrumenten plus bas werd meestal een triosonate genoemd., In de jaren 1650 werden sonates vaak geclassificeerd als sonates da chiesa (“kerksonates”), meestal bestaande uit vier delen die afwisselend langzame en snelle tempo ‘ s en uitgevoerd in de kerk, of sonates da camera (“kamersonate”), die bestond uit een reeks dansen verwant aan de suite. Voorbeelden van beide types zijn te vinden in de late 17e eeuwse werken van Corelli. Telemann, Bach andHandel schreef in de 18e eeuw talrijke sonates naar het voorbeeld van Corelli ‘ s sonates da chiesa., De opkomst van solosonates voor klavierinstrumenten begint laat in de barok, waaronder die voor orgel (Bach) en klavecimbel (Handel, Domenico Scarlatti). Andere bekende voorbeelden van solosonates zijn Bachs werken voor onbegeleide viool en cello.
Concerto: afgeleid van het Italiaanse concertare (to join together, unite), nam het concerto verschillende vormen aan tijdens de barok. Tot het begin van de 18e eeuw was een concerto gewoon een compositie die een divers ensemble Verenigde bestaande uit stemmen, instrumenten of beide., Heilige werken voor stemmen en instrumenten werden vaak concerten genoemd, terwijl soortgelijke wereldlijke werken over het algemeen arie (airs), cantates of musiche werden genoemd. Terwijl in de werken van Claudio Monteverdi grootschalige Heilige concerten te vinden zijn, kwamen intiemere composities voor één tot vier stemmen, continuo en extra solo-instrumenten veel vaker voor. In Duitsland zijn prachtige voorbeelden van het Heilige concerto te vinden in de werken van Johann Hermann Schein, Michael Praetorius, Samuel Scheidt en Heinrich Schütz (met name zijn kleine geistliche Concerto, of “kleine Heilige concerto’ s,” van 1636-39).,later in de zeventiende eeuw begon het concerto zijn moderne definitie aan te nemen: een multimovementwerk voor instrumentaal solist (of groep solisten) en orkest. Naar aanleiding van de canzonas en sonates van de late zestiende en zeventiende eeuw, die contrasterende groepen instrumenten gebruikt voor grote effect, het concerto grosso wisselt een kleine groep solisten met een groter ensemble. De werken van Corelli, met name zijn op.6-collectie, zijn misschien wel de bekendste voorbeelden van het late 17e-eeuwse concerto grosso., Terwijl Corelli ‘ s werken in de 18e eeuw werden geëmuleerd, met name in Händels op.6-collectie, tonen veel 18e-eeuwse voorbeelden van het concerto grosso de toenemende invloed van het soloconcerto (bijvoorbeeld de Brandenburgse concerten van J. S. Bach).
het meest dominante type concerto in de 18e eeuw was het soloconcerto, dat een enkel instrument bevatte in tegenstelling tot een ensemble., De meest productieve componist van het solo-concerto was Antonio Vivaldi, die ongeveer 350 componeerde en de standaard driedelige vorm van het concerto vaststelde (twee snelle buitenste delen, een middelste deel in een langzamer tempo). Hoewel de meeste solo-concerten voor viool werden geschreven, waren ook trompetconcerten populair en werden ook concerten gecomponeerd voor cello, hobo, fluit en fagot. In de jaren 1730 schreef Händel 16 orgelconcerten en rond die tijd componeerde Bach ook meerdere concerten voor klavecimbel (meestal arrangementen van reeds bestaande werken).,
Suite: gebaseerd op de traditionele koppeling van dansen in de Renaissance, was de suite het eerste meerdelige werk voor instrumenten. De suite was in wezen een reeks dansen in dezelfde toonaard, de meeste of allemaal in tweedelige vorm. Rond het midden van de 17e eeuw werd in Duitsland de volgorde van allemande, courante, sarabande en gigue relatief standaard, hoewel andere dansbewegingen, zoals extra allemandes of courantes,boureés, gavottes en Menuets, vaak werden ingevoegd. De meeste suites begonnen ook met een inleidende beweging zoals een prelude, ouverture of fantasia., Naar vele barokke componisten, verschillende dansen belichaamde specifieke karakters. In zijn Der volkommene Capellmeister (1739) gaf de Duitse theoreticus Johann Mattheson een lijst van het karakter van elke dans: het menuet was “gematigde vrolijkheid”, de Gavotte “jubelende vreugde”, de boureé “Tevredenheid”, de courante “hoop”, de Sarabande “ambitie” en de gigue konden een aantal emoties betekenen, variërend van woede tot flightiness., Barok suites werden gecomponeerd voor zowel solo-instrumenten als orkest; die geschreven voor een of twee melodie-instrumenten en continuo zijn soms getiteld sonata da camera. Franse suites voor klavier worden soms ordres genoemd (zoals in het werk van François Couperin, die vele niet-dansbewegingen introduceerde, waaronder suggestieve karakterschetsen van hofpersoneel.
Back to Top
Hoe was het om een concert bij te wonen in de barok?
in de moderne tijd is naar een concert gaan een evenement., We horen een advertentie op de radio of zien een vermelding in de krant; we kopen kaartjes; we gaan naar een concertzaal en zitten rustig tot het tijd is om te applaudisseren. In de barok was dit soort publiek concert zeldzaam. Veel van de beroemdste barokke composities werden uitgevoerd in kerken voor een dienst, of als onderdeel van een privéconcert of viering in het huis van een Rijke patroon. In de loop van de barok kwamen echter meer publieke optredens voor, met name in de genres opera en oratorium, en onze moderne concerttraditie begon in veel Europese steden samen te smelten., Zoals Roger North een optreden beschreef in een van de vroegste concertreeksen, georganiseerd in Londen in de jaren 1670:
De eerste poging was laag: een project van Old Traister, die een goede viool was, en een theatercomponist. Hij opende een obscure kamer in een café in witte broeders, vulde het met tafels en stoelen, en maakte een zijkast met gordijnen voor de muziek. Soms consort, soms solo ‘s, van de viool, flageolet, bas viol, luit en lied all’ italiana, en dergelijke rassen omgeleid het gezelschap, die betaald bij het komen in., Eén shilling per stuk, bel voor wat je wilt, Betaal de afrekening, en verwelkom heren.
De opkomst van het openbare concert maakte de groeiende middenklasse een belangrijke bron van inkomsten voor muzikanten. Tegen het einde van de barok was deze sociale deelgroep een muzikale beschermheer geworden die bijna even machtig was als de kerk of het Hof.
Back to Top
wat kwam er na de barokperiode?tegen het midden van de achttiende eeuw werd het barokke idee van muziek als een vorm van retoriek aangevallen., Muziek had een wonderbaarlijk krachtige kracht om zelfs de moeilijkste concepten uit te drukken—maar alleen in zijn meest “natuurlijke” vorm, die de baroktijd ogenschijnlijk verward had. Zoals Johann Adolph Scheibe in 1737 over J. S. Bach zei, zou deze grote man de bewondering van hele naties zijn als hij meer amenity maakte, als hij het natuurlijke element in zijn stukken niet wegnam door ze een turgide en verwarde stijl te geven, en als hij hun schoonheid niet verduisterde door een overdaad aan kunst., Omdat hij oordeelt volgens zijn eigen vingers, zijn zijn stukken uiterst moeilijk te bespelen; want hij eist dat zangers en instrumentalisten met hun kelen en instrumenten alles moeten kunnen doen wat hij op het klavier kan spelen, maar dat is onmogelijk… Turgidity heeft geleid van het natuurlijke naar het kunstmatige, en van het verheven naar het sombere; en…men bewondert de zware arbeid en ongewone inspanning—die echter tevergeefs worden gebruikt, omdat ze in strijd zijn met de natuur.,Scheibe ‘ s nadruk op duidelijkheid en gemak van uitvoering duidt op een belangrijke verandering in de muzikale esthetiek: gedurende zijn betoog is de uiteindelijke scheidsrechter van smaak niet Plato of Aristoteles, maar uiteindelijk de luisteraars en uitvoerders zelf. Deze nieuwe nadruk op directe melodische expressie en heldere muzikale architectuur wijst de weg naar de klassieke periode, het tijdperk van Mozart en Haydn.
Back to Top
het baroktijdperk in de moderne tijd
hoewel de baroktijd meer dan 250 jaar geleden eindigde, zijn er overal sporen van het tijdperk te horen., Enkele van de meest invloedrijke en geliefde composities worden regelmatig uitgevoerd in concertzalen, en een schat aan opnames maken de barok op aanvraag beschikbaar. Veel van de muziekgenres die vandaag de dag nog in gebruik zijn, zoals het oratorium, het concerto en de opera, ontstonden in deze periode. Twintigste-eeuwse componisten als Ralph Vaughn Williams, Igor Stravinsky en Benjamin Britten brachten een eerbetoon aan de barok in hun werken., Zijn invloed is zelfs te horen buiten het domein van de kunstmuziek: het vrije verkeer tussen solo en groep in de jazz wordt soms vergeleken met barokmuziek, en fragmenten van Bach en Vivaldi komen regelmatig voor in de solo ‘ s van heavy metal gitaristen. En de geest van de barok—een onwrikbaar geloof in de kracht van muziek om het leven van mensen te raken—veranderde de muziekgeschiedenis voor altijd.
terug naar boven