sinds het midden van de 20e eeuw, de Verenigde Staten is de leider in de kunstmarkt. De toekenning van de Gouden Leeuw aan de Amerikaanse Rauschenberg op de Biënnale van Venetië in 1964 getuigt van de verschuiving in het primaat van de School van Parijs naar de School van New York., Vandaag de dag, naast de musea met de meest prestigieuze collecties, De “Big Apple” is de stad met de meeste galeries. In feite hebben meer dan 100.000 kunstenaars hun ateliers daar opgezet, gebruikmakend van de mogelijkheid om hun geluk te beproeven met meer dan 1.500 galeries. Amerikaanse kunstenaars van de 20e eeuw waren de katalysatoren van moderne en hedendaagse kunst. Artsper presenteert nu 10 van de meest bekende van hen!,
The Mentors of Modern Art
Edward Hopper (1882-1967): Between Realisme and Symbolism of the American Way of Life
als een kostbare getuige van zijn tijd, slaagt hij erin om opgeschort tijd op zijn doek te vereeuwigen. De theatraliteit van zijn composities, verkregen door een krachtig contrast tussen schaduwen en rauw licht, zal een inspiratiebron zijn voor de fotografische en cinematografische wereld.,
Man Ray (1890-1976): From Dadaism to Surrealism
schilder, tekenaar, directeur, ontwerper… deze kunstenaar, wiens werken beschikbaar zijn op Artsper, was het best bekend als de fotograaf van de surrealisten.na zijn studie Industrieel Ontwerpen weigerde hij een school voor architectuur te volgen om zich volledig aan de kunst te wijden. Begin jaren 1910 vestigde hij zich in New York en bezocht de “291” gallery van Alfred Stieglitz., Stieglitz introduceerde hem in de techniek van de fotografie en vele kunstenaars van de Europese avant-garde. In 1913 nam hij deel aan de Armory Show. Dit was de eerste internationale tentoonstelling van moderne kunst, waarin vertegenwoordigers van Fauvisme, kubisme en futurisme samenkwamen. Na een eerste solotentoonstelling in 1915 sloot hij zich aan bij de Dada-beweging. Geboren als een reactie op de absurditeit van de Eerste Wereldoorlog, werd deze intellectuele, literaire en artistieke beweging gekenmerkt door een radicale afwijzing van de politieke, sociale en ideologische waarden van de samenleving., In deze periode begon hij te experimenteren met Fotografie. in 1921 verliet hij Amerika naar Parijs waar hij zijn onderzoek voortzette en bij toeval een nieuwe fotografische techniek ontdekte: “rayography”. Door een vel wit lichtgevoelig papier aan licht bloot te stellen, worden de delen die niet door objecten worden bedekt zwart. Vervolgens verkrijgt hij voorstellingen met spectrale vormen, die dromerige en mysterieuze landschappen vormen waarin alledaagse objecten worden overstegen. Tegelijkertijd raakte hij betrokken bij de surrealistische beweging, waaraan hij vanaf 1925 deelnam aan alle tentoonstellingen., In 1929 ontmoette hij Lee Miller, die zijn minnares en assistent werd. Samen maakten ze gebruik van het esthetische potentieel van solarisatie, een fotografisch proces dat bestaat uit het te vroeg blootstellen van een foto. Op deze manier worden de zones van duisternis en helderheid omgekeerd.een van de belangrijkste Amerikaanse kunstenaars in de geschiedenis van de kunst, hij is degene die een revolutie heeft teweeggebracht in de kunst van de fotografie!,
Norman Rockwell (1894-1978): The Hyperrealism of the America ‘ s Storyteller
Norman Rockwell ‘ s werken, bekend van zijn tijdschrift illustrations, beschrijven de geschiedenis van de Verenigde Staten van het interbellum tot de naoorlogse periode.gefascineerd door tekenen sinds zijn jeugd, ging hij op 16-jarige leeftijd naar de American Academy of Design in New York., Daarna, in een tweede keer, sloot hij zich aan bij de Art Students League, een prestigieuze school voor Schone Kunsten. Getalenteerd, zelfs voordat hij meerderjarig werd, gaf jeugdbladen opdracht tot zijn eerste illustraties.het jaar 1922 betekende een keerpunt in zijn carrière. Hij schilderde zijn eerste cover voor de beroemde krant The Saturday Evening Post. Dit werd gevolgd door een 47-jarige samenwerking waarin Rockwell 321 covers produceerde. In een realistische, foto-achtige stijl portretteerde hij het dagelijks leven van de Amerikaanse middenklasse, altijd met vriendelijkheid en soms humor., Het is op deze manier dat hij verbonden is met de Amerikaanse Regionalisme beweging.tijdens de Tweede Wereldoorlog, zijn illustraties bevestigen zijn deelname aan de oorlogsinspanning. Geïnspireerd door de toespraak van President Roosevelt, maakte hij in 1943 een serie van vier schilderijen getiteld De vier vrijheden. Franklin Roosevelt ‘ s toespraak was bedoeld om het Amerikaanse moreel te stimuleren door een betere toekomst aan te kondigen. Dit zou gebaseerd zijn op mensenrechten en vier vrijheden: Vrijheid van meningsuiting, vrijheid van godsdienst en vrijheid van angst en gebrek. De schilder koos er vervolgens voor om deze vier concepten om te zetten in scènes uit het dagelijks leven., Hij wil de Amerikanen laten zien dat ze niet alleen abstracte idealen zijn.
in de volgende jaren, toen het succes van deze vier afbeeldingen hem erg populair maakte, namen zijn opdrachten af. Kranten gaven de voorkeur aan Fotografie boven cartoons. Toch zal hij tot het einde van zijn leven proberen zijn kunst te gebruiken om de zaken te verdedigen die hem na aan het hart liggen: burgerrechten, de strijd tegen segregatie, armoede en oorlog. Hij was een van de Amerikaanse kunstenaars van zijn tijd die het meest politiek betrokken was.,
Jackson Pollock (1912-1956): Dripping Pioneer
div Jackson Pollock, een Amerikaanse schilder van Abstract Expressionisme, vooral bekend om zijn praktijk van actiefilm, was een grote invloed op hedendaagse Amerikaanse schilders. Zijn dood in volledige wijding van de wereld heeft de legende van deze vervloekte kunstenaar bevorderd.,hij bracht zijn jeugd door in een precaire omgeving, tussen de afwezigheid van zijn vader en het gezag van zijn moeder, en werd al op zeer jonge leeftijd alcoholist. Op 11-jarige leeftijd zal zijn bezoek aan een Indiaas reservaat en de ontdekking van abstracte motieven van een zogenaamde “primitieve” kunst een diepe indruk op hem achterlaten. Voor Pollock is kunst vooral een kunstwerk. Het stelt hem in staat om zijn emoties uit te drukken en zich te bevrijden van zijn angsten, wrok en woede. In zijn action paintings, dicht bij performances, is het de actie van de schilderkunst en niet het schilderij dat belangrijk is., hij leefde een groot deel van zijn leven in armoede tijdens de Grote Depressie en profiteert van het federale kunstproject. Opgericht door de Roosevelt regering als onderdeel van de New Deal BELEID, Dit programma ondersteunde Amerikaanse kunstenaars door middel van grote openbare opdrachten. In 1935 werd hij lid van de afdeling” muurschildering”, maar in 1938 werd hij uitgesloten wegens absenteïsme. Op dat moment begon hij met een ontgiftingsprogramma.in 1943 nam hij deel aan de eerste grote tentoonstelling, georganiseerd door de beroemde Amerikaanse kunstverzamelaar Peggy Guggenheim., Onder de juryleden gaven Piet Mondriaan en Marcel Duchamp hem een gunstige mening, zozeer zelfs dat de beroemde beschermheer van de Kunsten hem een maandsalaris aanbood en een persoonlijke tentoonstelling aan hem opdroeg. Terwijl hij geleidelijk aan naam maakte in de kunstwereld, begon hij in 1947 te dribbelen. Het bestaat uit het gieten van emmers verf direct op het doek. Door deze nieuwe techniek van horizontaal werken breekt hij met de traditionele codes van de picturale praktijk, terwijl hij zich overgeeft aan de meest totale Abstracte Kunst.,op het hoogtepunt van zijn succes achtervolgden zijn oude demonen hem echter nog steeds. Hij verdronk in alcohol en stierf in een auto-ongeluk, terwijl hij dronken Reed. U kunt een aantal van zijn edities vinden op de website van Artsper.,
the Major American Pop Culture Artists
Andy Warhol (1928-1987): the Father of Pop Art
hij maakte van kunst een Consumptieproduct, terwijl hij tegelijkertijd aan alledaagse objecten de status van kunstwerken gaf. Andy Warhol wordt terecht beschouwd als een van de grondleggers van de popart., Warhol, wiens creaties beschikbaar zijn op Artsper, komt uit de arme arbeidersachtergrond van Pittsburgh en is de zoon van Slowaakse migranten. Hij slaagde erin om naar de universiteit te gaan om Schone Kunsten te studeren. Na zijn afstuderen verhuisde hij in 1949 naar New York. Daar begon hij een carrière als commercieel kunstenaar voor modebladen en verwierf al snel een aanzienlijke reputatie in de reclamewereld.aan het einde van de jaren vijftig wijdde hij zich aan de schilderkunst. Hij werd voor het eerst geà nspireerd door strips., Maar het waren zijn schilderijen op consumptiegoederen, te beginnen met Campbell ‘ s Soepblikjes, die de kunstgeschiedenis zouden ingaan. Om aan een bijna massale vraag te voldoen, begon hij in 1962 met zeefdruk. Deze op stencil gebaseerde druktechniek stelde hem in staat om zijn werken in industriële hoeveelheden in een veelheid van opvallende kleuren te produceren. Zijn portretten van beroemdheden, zoals Marilyn Monroe, zijn vandaag aanwezig op de beeldrails van ‘ s werelds grootste moderne kunstinstellingen.later, in 1964, opende hij zijn fabriek, het mekka van het artistieke leven van New York., Het is zowel een productieworkshop als een opnamestudio voor zijn experimentele films.aan het eind van zijn leven werd hij mecenas van de Kunsten. in samenwerking met opkomende artiesten zoals Jean-Michel Basquiat en Keith Haring maakte hij zijn naam tot een merk.,
Keith Haring (1958-1990): Activism Through Street Art
fresco ‘ s van kleurrijke figuren met dikke zwarte contouren, Keith Haring is ook bekend als een van de Amerikaanse kunstenaars die zich inzetten voor de strijd tegen homofobie en aids.net als Andy Warhol werd hij geboren in Pittsburgh en begon hij reclamegrafiek te studeren. Hij wilde echter vrijelijk experimenteren met zijn eigen artistiek onderzoek en vertrok naar New York., Daar inspireerde graffiti hem. Gretig om kunst uit het frame te halen om een breed publiek te bereiken, begon hij met krijt te tekenen op de zwarte reclameborden van de metro. Op hetzelfde moment, bezocht hij het artistieke milieu van de New York underground, had hij zijn eerste tentoonstellingen in galeries. Uiteindelijk werd hij uitgenodigd voor de Biënnale van Parijs in 1985, terwijl hij in het midden van zijn internationale opkomst was.,achter het verschijnen van kindertekeningen met synthetische vormen, waarvan sommige te vinden zijn op de website van Artsper, behandelt hij serieuze thema ‘ s als racisme, geweld, drugs en milieuvernietiging… door zich op straat uit te drukken, probeert hij meer zichtbaarheid te krijgen om sociale vooroordelen aan de kaak te stellen. Daartoe neemt hij deel aan kunstopleidingen voor jongeren en reageert hij op diverse openbare opdrachten. Zo maakte hij in 1987 een fresco op een van de muren van het Necker Hospital.,in de wetenschap dat hij in 1988 aan AIDS leed, stelde hij zijn kunst en bekendheid ten dienste van de LGBT-oorzaak en de bestrijding van deze ziekte. In 1989 richtte hij de Keith Haring Foundation op. Gedreven door een verlangen om de wereld te transformeren, stierf hij op slechts 31-jarige leeftijd. Ondanks zijn korte leven was zijn nalatenschap, zowel artistiek als sociaal, niet minder groot.,
Jean-Michel Basquiat (1960-1988): de verheffing van stedelijke kunst tot de rang van Schone Kunsten
hij is een van de beroemdste Afro-Amerikaanse artiesten ter wereld. In 2017, bijna 30 jaar na zijn dood, werd een van zijn werken geveild voor een recordprijs van meer dan 110 miljoen euro., Dit maakt Jean-Michel Basquiat, waarvan sommige tekeningen te zien zijn op de Artsper website, een van de duurste Amerikaanse kunstenaars ter wereld.deze vroegrijpe tekenaar, geboren in Brooklyn uit een Haïtiaanse vader en een Spaanse moeder, produceerde zijn eerste graffiti op 16-jarige leeftijd. Hij begint te tekenen onder het pseudoniem SAMO (“Same Old Shit”, letterlijk”Same Old Shit”). Basquiat zet de toon: van een protestantse temperament weigert hij zich te conformeren aan de dictaten van de samenleving.,hij was ambitieus om de eerste internationaal bekende zwarte artiest te worden en werd gespot door zijn idool, Andy Warhol. De laatste introduceerde hem bij de grootste New Yorkse galeriehouders.
zijn werken, van grote singulariteit, schrikken zo veel als ze fascineren. Inderdaad, ze zijn van groot geweld. Met talrijke evocaties van de dood worden zijn composities gekenmerkt door de introductie van tribale elementen uit zijn culturele erfgoed. Zijn zoektocht naar Identiteit drijft hem ertoe om de onderdrukking van minderheden aan de kaak te stellen, die een chaotische wereld met een krachtige symboliek vertegenwoordigt., Tot slot, als kind van de popcultuur, mengt hij verschillende technieken in dezelfde compositie: graffiti, schilderen, collages. Hij negeert picturale tradities en vervaagt de grenzen van de Schone Kunsten.zijn overlijden na een overdosis maakte op 28-jarige leeftijd een einde aan zijn carrière. Een carrière, weliswaar kort, maar bijzonder productief: hij maakte meer dan 800 schilderijen en 1.500 tekeningen. Zijn chronische malaise, waarneembaar in de agressieve kenmerken van zijn composities, heeft paradoxaal genoeg zowel zijn einde als zijn succes versneld.,
the Emerging Contemporary Artists
Jeff Koons (1955): the Apogee of Commercial Art
Jeff Koons is een van de meest gevierde Amerikaanse artiesten van de 21e eeuw, maar is ook een van de meest controversiële artiesten. Zijn werken worden door sommigen als industriële kunst gedomineerd of zijn volgens anderen slechts nagemaakt. Toch zijn ze de duurste ter wereld en worden ze tentoongesteld in ‘ s werelds toonaangevende kunstinstellingen., Een succesverhaal!Jeff Koons, aangetrokken door kunst op zeer jonge leeftijd, had niet het succes dat hij had gehoopt met zijn eerste creaties. Gedwongen om te werken als een financiële makelaar, het was pas in de jaren 1980 dat zijn monumentale sculpturen, die massa consumptiegoederen zoals zijn Ballonhonden en opblaasbare konijnen, werd populair bij verzamelaars. Vervolgens creëerde hij, op de manier van Andy Warhol, een studio in New York met ongeveer dertig assistenten. Tegenwoordig lijkt het meer op een fabriek met meer dan 100 werknemers. Zo worden de werken gestempeld Jeff Koons niet meer gemaakt door zijn handen.,de stainless steel-producties van Jeff Koons, die beschikbaar zijn op Artsper, sluiten aan bij de popart en putten hun inspiratie uit de populaire verbeelding. Hij leidt ze af door ze een industrieel karakter te geven, en onthult bepaalde affiniteiten met Marcel Duchamp ‘ s kant-en-klare. Echter, als Andy Warhol bracht kunst in het industriële tijdperk, de man van de financiën bracht het in het tijdperk van de globalisering. Zijn kitsch iconen zijn over de hele wereld te zien… en dat is niet zonder een paar schandalen te veroorzaken!,in 2008 exposeerde hij een dozijn van zijn sculpturen in het Paleis van Versailles, waar een evenement werd gehouden in de naam van het verdedigen van “Franse artistieke zuiverheid”. Meer recent was het zijn boeket tulpen dat veel controverse veroorzaakte. Het eerbetoon aan de slachtoffers van de aanslagen in Parijs van 2015 en 2016 wordt zelfs bekritiseerd als een bijdrage aan de lelijkheid van de openbare ruimte.
bovendien is de kunstenaar aangeklaagd in verschillende gevallen van plagiaat, waarbij onderwerpen uit bestaande foto ‘ s of advertenties opnieuw werden toegewezen., Feit blijft dat Jeff Koons ‘ regeerperiode een mooie toekomst voor zich lijkt te hebben! In Mei 2019, met een prijs van 91,1 miljoen euro, maakte de veiling van zijn Konijnenwerk hem tot de duurste levende kunstenaar ter wereld.,
JonOne (1963): De Toewijding van Graffiti in de 11e Kunst
het Beschouwd als één van de belangrijkste Amerikaanse kunstenaars van het abstract expressionisme in de wereld van graffiti, JonOne, om ontdekt te worden op de Artsper site, is evenzeer een afstammeling van Jackson Pollock als Jean-Michel Basquiat. Ongetwijfeld is de opvolging van Amerikaanse kunstenaars verzekerd!,geboren in New York City, in de arbeidersbuurt Harlem, en van Afro-Amerikaanse afkomst, zoals Jean-Michel Basquiat, speelt jonge John ook hooky. Als tiener zwierf hij over de metrolijnen van New York waar hij zijn eerste tags maakte. Volgens hem is “de metro een museum dat de stad doorkruist” en beschouwt graffiti als een kunstvorm op zich.zijn ontmoeting met de Franse graffitikunstenaar Bando was bepalend voor de rest van zijn carrière. De laatste overtuigde hem om zich bij hem in Parijs te voegen., Daar, het asfalt achterlatend zonder zijn verfbommen in de steek te laten, vestigt hij zich in de jaren negentig in een werkplaats van het kortstondige ziekenhuis. Daar maakte hij zijn eerste schilderijen. Hij werd snel Gespot en tentoongesteld in de belangrijkste Franse galeries voor Hedendaagse Kunst.
JonOne weet het publiek te raken met de gevoeligheid en poëzie van zijn schilderijen. Door zijn verbeelding vrij te laten lopen, laten ze hem, in zijn woorden, zich openstellen voor zichzelf. Hij ontwijkt elke Figuratieve referentie en laat zich meeslepen door de beweging, de kleuren en de energie van de steden., Vanaf dat moment leidt alleen de impuls van zijn emoties zijn gebaren. Strepen van heldere en spontane kleuren ontstaan alleen uit hen. op het kruispunt van lyrische abstractie en stedelijke kunst, moderne kunst en hedendaagse kunst, Weet JonOne gebruik te maken van zijn Amerikaanse artistieke erfgoed om ons zijn vernieuwing aan te bieden. De hegemonie van Amerikaanse kunstenaars in de kunstgeschiedenis is nog lang niet ten einde!,
Shepard Fairey (1970): the Political Commitment of Street Art
hij is beroemd voor het ontwerpen van Barack Obama ‘ s campagneposter voor de presidentsverkiezingen van 2008. Het Boston Institute of Contemporary Art heeft aangetoond dat street art een plaats heeft in de politiek en heeft hem erkend als de meest invloedrijke street art kunstenaar.,als tiener ontwierp Shepard Fairey, vertegenwoordigd op Artsper, t-shirts en skateboards in 1989 ging hij naar de Rhode Island School Of Design. Met een groep studenten maakte hij stickers en posters van de Franse worstelaar André De Reus. Het beeld ging viraal en verspreidde zich over de hele wereld. In 1998, door het beeld te associëren met het woord “obey” (wat “obey” betekent), maakte hij deze propaganda parodie zijn handtekening.maar het is meer dankzij zijn hoop poster dat hij internationale bekendheid verwierf., Hij steunde de kandidatuur van de toekomstige president Barack Obama en maakte een serie posters. De bekendste is een portret van de politicus in de kleuren van Amerika. Embleem van Obama ‘ s presidentiële campagne, het vertegenwoordigt een kandidaat resoluut gericht op de toekomst. Verspreid over de hele wereld, stond het op de voorpagina van Time magazine. De National Portrait Gallery in Washington kocht uiteindelijk het origineel.sindsdien heeft hij een reeks tentoonstellingen gehad, terwijl hij zijn activiteiten als straatartiest voortzette., In 2012 en 2016 maakte hij verschillende fresco ‘ s op de muren van gebouwen in het 13e arrondissement van Parijs. Een van hen vertegenwoordigt een Marianne omringd door het nationale motto “vrijheid, gelijkheid, broederschap”. Het werd opgericht na de aanslagen van 13 November 2015. Het getuigt dus van haar voortdurende inzet voor de verdediging van grote doelen, zoals democratie en vrijheden. 8 jaar nadat hij zich in de verkiezingscampagne heeft geïnvesteerd, herhaalt Shepard Fairey. Met dezelfde grafische codes veranderde hij de slogan in “Nope” om zich te verzetten tegen de verkiezing van Donald Trump., Shepard Fairey viert zijn 30-jarige carrière op het Grenoble Street Art Fest in 2019 en lijkt zich definitief te hebben gevestigd in het internationale artistieke (en stedelijke) landschap!dit overzicht van moderne en hedendaagse Amerikaanse kunstenaars toont de cruciale rol van de Verenigde Staten als de bakermat van de artistieke creatie. Sinds het begin van de 20e eeuw zijn de belangrijkste kunstenaars uit de kunstgeschiedenis geboren. Zonder banden met de Europese picturale traditie hebben ze nieuwe kunststofoplossingen kunnen voorstellen., Aanvankelijk getint met nationalisme, werd de Amerikaanse kunst populairder en universeel in het midden van de 20e eeuw. Het resultaat was de assimilatie over de hele wereld en de wijding van de Verenigde Staten als de leidende artistieke macht.