Hva er «barokk», og da var Barokkens periode?
Avledet fra portugisisk barroco, eller «merkelig formet perle,» betegnelsen «barokk», har vært mye brukt siden det nittende århundre for å beskrive periode i Vest-Europeisk kunstmusikk fra ca 1600 til 1750. Sammenligne noen av musikk-historiens største mesterverk til en misdannet pearl kan virke merkelig for oss i dag, men til det nittende århundre kritikere som brukes begrepet, musikk av Bach og Händel ‘ s era hørtes altfor pyntet og overdrevet., Etter å ha lenge siden kvitte seg med nedsettende konnotasjoner, «barokk» er nå bare en praktisk catch-alle for en av de rikeste og mest varierte perioder i musikkhistorien.
I tillegg til å produsere den tidligste Europeiske musikk-kjent for de fleste av oss, inkludert, Pachelbel er Canon og vivaldis De Fire Årstider, Barokk epoken også sterkt utvidet vår horisont. Aksept av Copernicus 16. århundre teori om at planetene ikke kretser rundt jorden skapte universet en mye større plass, mens Galileo ‘ s arbeid har hjulpet oss med å bli bedre kjent med kosmos., Fremskritt i teknologi, slik som oppfinnelsen av teleskopet, gjorde det som var antatt å være begrenset virke uendelig. Store tenkere som Descartes, Hobbes, Spinoza, og Locke taklet de store spørsmål i tilværelsen. Genier som Rubens, Rembrandt, og Shakespeare tilbys unike perspektiver gjennom sin kunst. Europeiske nasjoner vokste mer og mer involvert med utenlandsk handel og kolonisering, og gir oss i direkte kontakt med deler av verden som tidligere var ukjent., Og framveksten av en ny middelklasse pustet liv inn i en kunstnerisk kultur lang avhengig av innfall av kirken og domstol.
Tilbake til Toppen
Som var den store Barokk-komponistene, og hvor er de fra?
Mange av de kjente personligheter fra den første delen av den Barokke perioden stammer fra Italia, blant annet Monteverdi, Corelli og Vivaldi. (Ved midten av det attende århundre, vårt fokus skifter til den tyske komponister som Bach og Händel.) Mange av de former som er identifisert med Barokk musikk oppsto i Italia, inkludert kantate, konsert, sonata, oratorio, og opera., Selv om Italia har spilt en viktig rolle i utviklingen av disse sjangrene, nye konsept av hva det betydde å være en nasjon økt imperativ av en «nasjonal stil.»Forskjellene mellom land er ofte høres i musikken fra perioden, ikke bare i måten musikken var komponert, men også i konvensjonene av ytelse; spesielt tydelig var kontrasten mellom Italia og Frankrike. Mens enkelte land kan synes å kreve en større del av vår opplevelse av Barokk musikk i dag, men hver nasjon spilte en rolle., Som musikere og komponister reist over hele Europa og hørt hverandres musikk, og nye konvensjoner de møtte laget subtile inntrykk på dem. Noen av de mest kjente komponister fra perioden omfatter følgende:
Italia: Monteverdi, Frescobaldi, Corelli, Vivaldi, Domenico og Alessandro Scarlatti
Frankrike: Couperin, Lullys, Charpentier og Rameau
Tyskland: Praetorius, Schein, Scheidt, Schutz, Telemann, Händel og Bach
England: Purcell
Tilbake til Toppen
Hva er filosofien av Barokk musikk?,
Selv om en enkel filosofi kan ikke beskrive 150 år med musikk fra hele Europa, flere begreper er viktig i Barokken.
En tro på musikk som et potent verktøy for kommunikasjon
En av de store filosofiske strømninger i Barokk musikk kommer fra Renessansens interesse i ideer fra det gamle Hellas og Roma. Grekerne og Romerne mente at musikken var en kraftig verktøy for kommunikasjon og kunne vekke noen følelser i sine lyttere., Som et resultat av innføringen av disse ideene, komponister ble stadig mer klar over musikk er potensielle makt, og dyrket troen på at deres egne komposisjoner kan ha liknende virkninger hvis de på riktig måte emulert gamle musikken.,ance i slutten av det sekstende århundre,
jeg har ofte hørt det sagt av Sieur Claudin Le Jeune (som har, uten å ønske å liten alle andre, langt overgått musikerne i tidligere tider i sin forståelse av disse sakene) at han hadde sunget en luft (som han hadde komponert i deler)…og at når denne luften var innøvd på en privat konsert det forårsaket en gentleman det å sette hånd til våpen og begynner å banne høyt, slik at det virket umulig å hindre ham fra å angripe noen: hvorpå Claudin begynte å synge en annen air…som gjengis den gentleman så rolig som før., Dette har blitt bekreftet for meg siden av flere som var der. Slik er kraften og styrken av melodi, rytme og harmoni over sinnet.
I 1605, den italienske komponisten Claudio Monteverdi faktisk definert en «første» og «det andre» praksis: i den første, harmoni og kontrast tok forrang over teksten, i det andre, behovet for å uttrykke betydningen av ordene passerte noen andre bekymringen. I barokken, det er ånden av den andre praksis—ved å bruke kraften i musikk å kommunisere på, som kom til å dominere den tiden.,
realitetene av beskyttelse
Noen diskusjon av en Barokk komponist kunstneriske filosofi bør være herdet, i hvert fall litt, av virkeligheten av deres liv. I moderne tid, kunstnere ofte tjene til livets opphold med å produsere akkurat den type kunst flyttes de til å lage. Følgelig, vi tenker ofte på artist—og graden av hans eller hennes kunstneriske inspirasjon—som utgangspunkt for et kunstverk. Gjennom mye av den Barokke tid, men komponister bare tjent til livets opphold skrive musikk hvis de var heldige nok til å være på lønn av en politisk eller religiøs institusjon., Musikalsk behov som institusjon, derfor, diktert musikk komponist produsert. Bach skrev rekke kantater han gjorde, for eksempel, ikke nødvendigvis fordi han fant form inspirerende, men på grunn av den liturgiske krav til Leipzig kirken som ansatt ham. Når de ses i lys av dette, Barokk musikk kan gi et fascinerende vindu inn i historien.
Tilbake til Toppen
Hva er kjennetegn på Barokk musikk?
Den nye interesse for musikk er dramatisk og retoriske mulighetene ga opphav til et vell av nye lyd idealer i Barokken.,
Kontrast som en dramatisk element
Kontrast er en viktig ingrediens i drama av en Barokk sammensetning. Forskjellene mellom høyt og myk, solo og ensemble (som i konsert), forskjellige instrumenter og klangfarger alle spiller en viktig rolle i mange Barokk komposisjoner. Komponister begynte også å være mer presis om instrumentering, ofte spesifisere instrumenter på som en stykket skulle spilles i stedet for å la utøveren til å velge. Strålende instrumenter som trompet og en fiolin også vokste i popularitet.,
Monody og bruk av basso continuo
I forrige musikalske epoker, et stykke musikk hadde en tendens til å bestå av en enkel melodi, kanskje med en improvisert akkompagnement, eller flere melodier spilt samtidig. Ikke før Barokken gjorde begrepet «melody» og «harmoni» virkelig begynner å bli artikulert. Som en del av arbeidet med å imitere gamle musikken, komponistene begynte å fokusere mindre på det kompliserte polyfoni som dominerte den femtende og sekstende århundret, og mer på en enkelt stemme med en forenklet akkompagnement, eller monody., Hvis musikk er en form for retorikk, som skrifter av Grekerne og Romerne tilsier, er en kraftfull taler er nødvendig—og hvem bedre til jobben enn en vokal solist? Den nye sammenslåing mellom uttrykk av følelser og solo-sanger kommer gjennom klart og tydelig i Monteverdi ‘ s forord til di Combattimento Tancredi e Clorinda fra hans Åttende Bok Madrigals (1638), der han skriver: «Det har virket for meg som sjef lidenskaper eller følelser av våre sinn er tre i tallet, nemlig sinne, sinnsro og ydmykhet., Den beste filosofer er enige, og selve innholdet i stemmen vår, med sine høye, lave og middels områder, skulle tilsi så mye.»Den tidligste operaer er en utmerket illustrasjon av denne nye estetiske.
Sammen med vekt på en enkel melodi og bass-linjen kom praksisen med basso continuo, en metode for musikalsk notasjon som melodi og bass linje er skrevet ut og harmonisk filler angitt i en slags stenografi., Som den italienske musiker Agostino Agazzari forklart i 1607:
Siden den sanne stil for å uttrykke ordene har i det siste blitt funnet, nemlig, ved å gjengi deres følelse på best mulig måte, som lykkes best med én stemme (eller ikke mer enn et par), som i moderne airs av ulike dyktige menn, og som er konstant praksis i Roma i samordnet musikk, Jeg sier at det ikke er nødvendig å gjøre et poeng… En Bass, med sine tegn for harmonier, er nok., Men hvis noen skulle fortelle meg at, for å spille de gamle fungerer, full av fuge og counterpoints, en Bass er ikke nok, mitt svar er at vokal verk av denne typen er ikke lenger i bruk.
Fordi basso continuo, eller grundig bass, forble standard praksis inntil slutten av Barokken, den tid er noen ganger kjent som «age of grundig bass.»
Ulike instrumentale lyder
Etter å ha blitt ignorert i flere tiår, Barokk-musikk har blitt stadig mer populært over de siste femti årene., Som en del av denne nye interessen, forskere og musikere har brukt utallige timer på å prøve å finne ut hvordan musikk kan ha hørtes ut til å 17. og 18. århundre publikum. Mens vi vil aldri være i stand til å gjenskape en ytelse presist, deres arbeid har avdekket flere store forskjeller mellom Barokk og moderne ensembler:
pitch: I 1939, moderne orkestre ble enige om å stille til et’=440hz (note spisst 440 sykluser per sekund), som erstattet en tidligere lavere tonehøyde (a’=435hz) som er vedtatt i 1859. Før 1859, men det var ingen pitch standard., Notatet som Barokk ensembler tuned, derfor variert mye på forskjellige tidspunkter og på forskjellige steder. Som et resultat, musikk notert på en poengsum kan ha hørtes så mye som en halv tone lågare enn hvordan det ville tradisjonelt utføres i dag. I et forsøk på å kompensere for dette avviket, mange barokk ensembler justere sin innstilling til repertoar som utføres: a’= 415hz for sen barokk-musikk, en’=392hz for fransk musikk, en’=440hz for tidlig italiensk musikk og et’=430hz for klassisk repertoar.,
klang: Mens de fleste av instrumentene i en barokk ensemblet er kjent, er det flere fremtredende medlemmer ikke lenger omtalt i moderne ensembler. Cembalo var den primære tastatur instrument (og et viktig medlem av continuo-gruppen), og virkemidler som vil være viktig i det 16. og 17. århundre som lutt og viol’, fortsatte å bli brukt. Variasjoner i instrumenter fortsatt populære i dag ga også barokk ensemble en annen lyd., Streng instrumenter som fiolin, bratsj og cello brukt gut strenger snarere enn strengene pakket i metall som de er satt i dag, for eksempel, å gi dem en mellower, søtere tone.
ytelse teknikk: En barokk score inneholder lite (hvis noen) informasjon om elementer som artikulasjon, ornamenter eller dynamikk, og så moderne ensembler trenger å ta egne informerte valg før hver forestilling., Mekaniske forskjeller mellom barokk og moderne instrumenter tyder også på at eldre instrumenter ville ha hørtes annerledes, så ensembler som Musikk fra Barokken ofte justere sin teknikk for å kompensere for dette. Fordi barokk og moderne buer er strukturelt forskjellig, for eksempel streng spillere ved hjelp av moderne buer bruker ofte en mildere angrep på strengen og crescendos og diminuendos på lengre notater., 17. og 18. århundre ytelse tekster innebærer også at fingeren vibrato (en teknikk der et string-spiller bergarter hans eller hennes fingertuppen på strengen for å berike tone) ble lite brukt for uttrykksfulle øyeblikk, mens baugen vibrato (en bølgende bevegelse av bow) var generelt foretrukket.
Tilbake til Toppen
Hva musikalske former kom til å definere den barokke tid?
Mens du former fra tidligere epoker fortsatte å bli brukt, for eksempel motett eller spesielle dansen og interesse for musikk som en form for retorikk som ble satt i gang utvikling av nye sjangre, spesielt i området av vokal musikk., Mange av de former forbundet med barokkens epoke kommer direkte ut av denne nye dramatiske impuls, spesielt opera, oratorio og kantate. I riket av instrumental musikk, oppfatningen av kontrast og lysten til å skape store former ga opphav til konsert, sonata og suite.
Vokal musikk
Opera: Et drama som er primært sunget, akkompagnert av instrumenter, og presentert på scenen. Operaer vanligvis veksler mellom recitative, tale-som sang at utviklingen tomten, og arier, sanger som tegn uttrykke følelser på bestemte punkter i handling., Refrenger og dans er også ofte inkludert. Bruk av sjangeren på begynnelsen av det syttende århundre er ofte forbundet med aktivitetene til en gruppe av diktere, musikere og forskere i Firenze, i dag kjent som den Florentinske Camerata. Den første bevarte opera var Jacopo Peri er Dafne, basert på en libretto av Ottavio Rinuccini og utført i Firenze i 1598; den tidligste opera fortsatt utføres i dag er Claudio Monteverdi ‘ s Orfeo (1607)., Emner av de første operaer er alle hentet fra gresk mytologi, og reflekterer sjangeren nære allianser med forsøk på å gjenskape musikk og drama av gamle kulturer, og ble utført utelukkende i aristokratiske kretser for inviterte gjester.
Når den første offentlige opera hus åpnet i Venezia i 1637, sjangeren ble endret for å passe preferanser av publikum. Solo singers tok på en slags kjendis-status, og større vekt ble lagt på aria som en følge av dette. Recitative vokste mindre viktig, og refrenger og danser nesten forsvant fra italiensk opera., De økonomiske realitetene i regi hyppige opera produksjoner hadde også en effekt. Den spektakulære scene effekter forbundet med opera i retten var sterkt bagatellisert, og librettos ble konstruert for å dra nytte av lager naturskjønne enheter. Ved begynnelsen av det 18. århundre (spesielt i Napoli), to subgenres av opera ble tydelig: opera seria, hvor fokuset var på alvorlige saken, og da capo aria, og opera buffa, som hadde en lighter, selv humoristisk tone, og noen ganger brukes duetter, trioer og større ensembler. Den italienske tradisjon for opera gradvis dominert de fleste Europeiske land., I slutten av det 17. århundre i Frankrike, men den italiensk-fødte intrigemakeri og librettist Philippe Quinault skapt en unik fransk versjon av opera kjent som tragédie-lyrique.
Oratorio: en utvidet musikalsk drama med en tekst basert på religiøs gjenstand, beregnet for ytelse uten natur, kostyme eller en handling. Oratorio opprinnelig ment bønn hall, et bygg som ligger i tilknytning til en kirke som var utformet som et sted for religiøse erfaringer forskjellig fra liturgien., Selv om det er sent sekstende århundre forløperne for oratoriet i motett og madrigal repertoar, oratorio som en tydelig musikalsk sjanger dukket opp midt i den gode akustikken i disse områder i begynnelsen av 1600-tallet. Ved midten av det 17. århundre, oratorier ble utført i palasser og offentlige teatre og ble stadig mer lik operaer, selv om saksforholdet, og oppdeling i to deler (snarere enn tre akter) og fravær av iscenesatt handlingen fortsatt satt den fra hverandre., Noen av komponistene som er forbundet med sjangeren i Italia inkluderer Giocomo Carissimi, Alessandro Scarlatti og Antonio Vivaldi. Oratorio vokste i popularitet i andre deler av Europa også. I det Protestantiske Tyskland, dramatisk musikk komponert for bruk i den Lutherske kirke ble gradvis smeltet sammen med elementer av oratorio, spesielt i inkludering av ikke-Bibelske tekster. Oratorio lidenskap, som det kom til å bli kalt, kulminerte i den store verker av J. S. Bach., Andre kjente eksempler utenfor Italia inkluderer engelsk oratorier av Georg Friedrich Händel, som populariserte sjangeren i London som et resultat av den engelske avsmak for italiensk opera. Fungerer som Messias, Israel i Egypt, og Judas Maccabeus forbli publikum favoritter til denne dag.
Kantate: et lengre stykke som består av en rekke resitativer og dødballer som arier, duetter og refrenger., Med opprinnelse i tidlig i det 17. århundre i Italia, kantate begynte som en verdslig arbeid består for solo stemme og basso continuo, mest sannsynlig beregnet for ytelse på eget sosiale sammenkomster. Mange av disse arbeider ble publisert, noe som tyder på at de ble framført av profesjonelle musikere og amatører. Ved midten av århundret arvingene ble publisert sjeldnere, noe som tyder på at forestillinger ble i økende grad blir gjort av fagfolk. Ved slutten av det 17. århundre, kantater begynte å innlemme det da capo aria og ofte hadde orkestrale akkompagnement., Store komponister i den italienske kantate sjangeren inkluderer Luigi Rossi, Antonio Cesti, Alessandro Stradella, og i første halvdel av det 18. århundre Alessandro Scarlatti, Handel, Benedetto Marcello og Johann Adolf Hasse. Utenfor Italia, den voksende sjanger av den Lutherske motett begynte å innlemme mange elementer av den italienske kantate, spesielt teknikker for dramatiske uttrykk som recitative og aria. Bachs mange kantater viser bred innflytelse av deres italienske kolleger.,
Instrumental musikk
Sonata: Brukes til å beskrive flere typer brikker i barokk-tiden, begrepet sonata oftest utpekt et arbeid i flere bevegelser for ett eller flere instrumenter (oftest fioliner) og bassocontinuo; en sonate for to fioliner eller andre diskant instrumenter pluss bass ble vanligvis kalt en trio sonata., Av 1650s, også var ofte klassifisert enten som også da chiesa («church, også»), som vanligvis består av fire bevegelser vekslende mellom langsomme og raske tempi og utført i kirken, eller også da kameraet («kammer sonata»), som besto av en rekke danser beslektet til suite. Eksempler på begge typer kan bli funnet på slutten av det 17. århundre verk av Corelli. I det 18. århundre, Telemann, Bach andHandel skrev mange, også modellert på Corelli ‘ s også da chiesa., Økningen til prominence av solo, også for tasteinstrumenter begynner sent i barokken, inkludert de som er for organ (Bach) og cembalo (Handel, Domenico Scarlatti). Andre kjente eksempler på solo, også inkluderer Bachs verker for enslige fiolin og cello.
Konsert: Avledet fra den italienske concertare (å gå sammen, forene), concerto tok flere former i løpet av barokk-tiden. Frem til begynnelsen av det 18. århundre, en konsert var rett og slett en sammensetning som forente et mangfoldig ensemble bestående av stemmer, instrumenter eller begge deler., Hellig fungerer for stemmer og instrumenter ble ofte kalt konserter, mens tilsvarende verdslige verker var generelt betegnet arie (airs), arvingene eller musiche. Mens stor skala hellige konserter kan bli funnet i verk av Claudio Monteverdi, mer intime komposisjoner for én til fire stemmer, continuo og ekstra soloinstrumenter var langt mer vanlig. I Tyskland, flotte eksempler på det hellige verk kan bli funnet i verk av Johann Hermann Schein, Michael Praetorius, Samuel Scheidt og Heinrich Schütz (spesielt hans Kleine geistliche Concerte, eller «Små, Hellige Konserter,» av 1636-39).,
Senere i det syttende århundre, concerto begynte å ta sin moderne definisjon: en multimovement arbeid for instrumental solist (eller gruppe av solister) og orkester. Å ta sitt cue fra canzonas og også av den avdøde sekstende og syttende århundre, som brukes kontrasterende grupper av instrumenter til stor effekt, concerto grosso veksler en liten gruppe av solister med et større ensemble. Verk av Corelli, spesielt hans Op. 6 samling, gir kanskje den best kjente eksemplene på slutten av det 17. århundre concerto grosso., Mens Corelli ‘ s verker ble etterlignet i det 18. århundre, særlig i händels Op. 6 samling, mange 18. århundre eksempler på concerto grosso viser den økende innflytelsen av solo-konsert (for eksempel brandenburgerkonserter av J. S. Bach).
Den mest dominerende type konsert i det 18. århundre var solo-konsert, som var et enkelt instrument i kontrast med et ensemble., Den mest produktive komponisten av solo-konsert var Antonio Vivaldi, som skrev ca 350 og etablert konsert er standard tre-bevegelse form (to raske ytre bevegelser, en midtre bevegelse i et langsommere tempo). Mens de fleste solo konserter ble skrevet for fiolin, trompet konserter var også populære, og konserter ble også komponert for cello, obo, fløyte og fagott. I 1730-årene, Händel skrev 16 organ konserter, og Bach har også komponert flere konserter for cembalo rundt samme tid (de fleste av disse er arrangementer av preexistent fungerer).,
Suite: Basert på den tradisjonelle sammenkobling av danser i Renessansen, suite var den første multi-bevegelsen arbeidet for instrumenter. Suiten var egentlig en serie av danser i den samme tasten, de fleste eller alle av dem i to-en del form. Rundt midten av det 17. århundre i Tyskland sekvensen av allemande, courante, sarabande og gigue ble relativt standard, selv om andre dans bevegelser, slik som ekstra allemandes eller courantes,bourreés, gavottes og menuetter, ble ofte satt inn. De fleste suitene har også startet med en innledende bevegelsen som et forspill, ouverture eller fantasia., Mange barokk-komponistene, ulike danser nedfelt spesifikke tegn. I hans Der volkommene Capellmeister (Komplette Musikk Styremedlem), 1739, tysk teoretiker Johann Mattheson ga en liste over hver dans ‘ s karakter: minuet var «moderat munterhet,» den gavotte «jublende glede,» den bourreé «contentedness,» den courante «håp» den sarabande «ambisjon» og gigue kunne betegne en rekke følelser, alt fra sinne til flightiness., Barokk suites ble scoret for soloinstrumenter, samt orkester; de som er skrevet i ett eller to melodi instrumenter og continuo er noen ganger kalt sonata da kameraet. Fransk suiter for tastaturet er noen ganger kalt ordres (som fungerer som François Couperin, som er satt inn mange ikke-dans bevegelser, inkludert stemningsfull tegnet skisser av domstolen personell.
Tilbake til Toppen
Hva var det som å delta på en konsert i barokk tid?
I moderne tid, å gå til en konsert, er et event., Vi hører en annonse på radio eller se på en liste i avisen; vi kjøper billetter, og vi går til en konsert og sitte stille til det er tid til å applaudere. I barokk-tiden, denne typen av offentlig konsert var sjeldne. Mange av de mest kjente barokk komposisjoner ble utført i kirker for en tjeneste, eller som del av en privat konsert eller feiring i hjemmet av en velstående skytshelgen. I løpet av barokk, imidlertid, offentlige opptredener ble mer vanlig, spesielt i krysningspunktet mellom opera og oratorio, og vår moderne konsert tradisjonen begynte å samle seg i mange Europeiske byer., Som Roger Nord beskrevet en ytelse i en av de tidligste konsert-serien, som er organisert i London i 1670-tallet:
første forsøk var lave: et prosjekt av gamle Rekkverk, som var en god fiolin, og en teatralsk komponist. Han åpnet en obskur rom i et vertshus i Hvit friars; fylt det med bord og sitteplasser, og laget en side safe med gardiner for musikk. Noen ganger hustru, noen ganger soloer, av fiolin, flageolet, bass viol’, lutt og sang alle’Italiana, og slike varianter viderekoblet selskapet, som har betalt på å komme inn., En skilling stykket, ring for hva du vil, betale tidsregning, og Velkommen herrer.
The advent av offentlig konsert laget den voksende middelklassen en viktig kilde til inntekt for musikere. Ved utgangen av barokk, denne sosiale delsett hadde blitt en musikalsk patron nesten like kraftig som kirken eller domstol.
Tilbake til Toppen
Hva kom etter barokken?
Ved midten av det attende århundre, den barokke ideen av musikk som en form for retorikk var under angrep., Musikk hadde en vidunderlig sterk kraft til å uttrykke selv de mest vanskelige begreper, men bare i sin mest «naturlige» form, noe som barokkens epoke hadde tilsynelatende forvirrende. Som Johann Adolph Scheibe sagt av J. S. Bach i 1737,
Denne store mannen ville være beundring av hele nasjoner om han gjorde mer bekvemmelighet, hvis han ikke ta bort den naturlige element i hans stykker ved å gi dem en svulstige og forvirret stil, og hvis han ikke formørker sin skjønnhet med et overskudd av art., Siden han dommere i henhold til sine egne fingre, hans stykker er ekstremt vanskelig å spille, for han krever at sangere og instrumentalister bør være i stand til å gjøre med sin hals og instrumenter hva han kan spille på clavier, men dette er umulig… Turgidity har ført fra naturlig til kunstig, og fra det høye til det dystre, og…en beundrer byrdefullt arbeid og uvanlig innsats—som, imidlertid, er forgjeves ansatt, siden de er i konflikt med Naturen.,
Scheibe insistering på klarhet og enkelhet av ytelse tips til en stor endring i musikalsk estetikk: hele hans diatribe, er den endelige dommer av smak er ikke Platon eller Aristoteles, men til syvende og sist lyttere og utøvere selv. Denne nye lagt vekt på direkte melodisk uttrykk og tydelig musikalsk arkitektur peker veien til den klassiske perioden, alder av Mozart og Haydn.
Tilbake til Toppen
barokk-tiden i den moderne tidsalder
Selv om den barokke perioden endte over 250 år siden, rester av æra kan høres overalt., Noen av de mest innflytelsesrike og kjære låter som er regelmessig utført i konsertsaler, og et vell av innspillinger gjøre barokk tilgjengelig på forespørsel. Mange av de musikalske sjangere som fortsatt er i bruk i dag, som oratorio, konsert og opera, oppsto i perioden. Tjuende århundre komponister som Ralph Vaughn Williams, Igor Stravinsky og Benjamin Britten betalt hyllest til den barokke i sine verk., Dens innflytelse kan selv bli hørt utenfor riket av kunst musikk: den frie bevegelighet mellom solo og med gruppe i jazz er noen ganger i forhold til barokkmusikk, og utdrag av Bach og Vivaldi ofte vises i soloer av heavy metal-gitarister. Og ånden av barokk—en urokkelig tro i kraft av musikk berører menneskers liv forandret musikkhistorien for alltid.
Tilbake til Toppen