“바로크”란 무엇이며,바로크 시대는 언제입니까?
에서 파생 바로코 포르투갈어,또는”이상하게도 모양의 진주,”용어는”바”널리 사용되고 있으며 이후기를 설명하는 기간 동안 서유럽 예술에서 음악에 대해 1600 1750. 의 음악 역사상 가장 위대한 작품에서 결함이 진주를 보일 수 있습니다 이상한 오늘날 우리에게 있지만,기 비평가들은 적용 기간의 음악 바흐와 헨델의 시대 소리를 지나치게 장식과 과장된다., 는 오래 전부터 흘리는 그것의 비하인 의미,”바로크 양식”은 이제 단순히는 편리한 모두 포괄하는 하나의 가장 부유 한 그리고 가장 다양한 기간에서 음악의 역사.
Pachelbel 의 Canon 과 Vivaldi 의 The Four Seasons 를 포함하여 우리 대부분에게 친숙한 최초의 유럽 음악을 제작하는 것 외에도 바로크 시대는 우리의 시야를 크게 넓혔습니다. 의 수용니스의 16 세기 이론는 행성들이지 않았을 중심으로 만들어진 지구 우주가 훨씬 더 큰 배치하는 동안,갈릴레오 갈릴레이의 작품들은 우리에게 더 잘 알게 얻을 수 있습니다!, 망원경의 발명과 같은 기술의 진보는 유한하다고 여겨지는 것이 무한한 것처럼 보였습니다. 데카르트,홉스,스피노자,로크와 같은 위대한 사상가들은 존재의 큰 질문을 다루었습니다. 루벤스,렘브란트,셰익스피어와 같은 천재들은 예술을 통해 독특한 시각을 제공했습니다. 유럽 국가들은 대외 무역과 식민지화에 점점 더 관여하여 이전에는 익숙하지 않은 세계의 일부와 직접 접촉하게되었습니다., 그리고 새로운 중산층의 성장은 교회와 법원의 변덕에 오랫동안 의존하는 예술 문화에 생명을 불어 넣었습니다.
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주요 바로크 작곡가는 누구였으며 어디에서 왔습니까?
몬테 베르디,코렐리,비발디 등 이탈리아에서 바로크 시대의 첫 번째 부분에서 잘 알려진 성격의 많은 우박. (18 세기 중반까지,우리의 초점은 독일 작곡가 바흐와 헨델로 이동합니다.)바로크 음악으로 확인 된 많은 형태는 칸타타,협주곡,소나타,오라토리오 및 오페라를 포함하여 이탈리아에서 시작되었습니다., 하지만 이탈리아 재생 중요한 역할을 개발에 이러한 장르의 새로운 개념의 그것이 무엇을 의미하는 나라가 되기를 증가하는 필수는”국립 스타일입니다.”사이의 차이는 국가들은 종종 음악 청취 가능한 기간에서,뿐만 아니라에서 방법을 음악으로 구성되었지만,또한 규칙의 성능,특히 분명했 명암 사이에 이탈리아와 프랑스입니다. 는 특정 국가할 수 있는 것을 주장하는 더 큰 조각을 우리의 경험을 바로크 음악의 오늘,그러나,모든 나라는 역할을했다., 작곡가 및 뮤지션으로 모든 여행을 통해 유럽과 들었을 서로 다른 음악,새로운 규칙들이 발생했는 미묘한 느낌들입니다. 최고의 작곡가 알려진 기간에서 다음이 포함됩니다.
이탈리아:Monteverdi,Frescobaldi,코렐리,비발디,도메니코 성당 및 알렉산드로 Scarlatti
프랑스:수아 쿠프랭,륄리,Charpentier 및 라모
독일:Praetorius,샤인,Scheidt,무엇 Telemann,헨델 및 바흐
잉글랜드: 퍼셀
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철학은 무엇입의 바로크 음악?,
단일 철학이 유럽 전역에서 150 년의 음악을 묘사 할 수는 없지만 바로크 시대에는 몇 가지 개념이 중요합니다.
믿음에서 음악으로 강력한 도구 통신의
중 하나는 철학적 전류에서는 바로크 음악은 르네상스에서 관심에서 아이디어에서는 고대 그리스 로마도 있습니다. 그리스인과 로마인은 음악이 의사 소통의 강력한 도구이며 청취자에게 어떤 감정을 불러 일으킬 수 있다고 믿었습니다., 의 결과로서 부흥의 이러한 아이디어,작곡가 되었다 점점 음악에 대해의 잠재적인 힘,그리고 재배되는 믿음이 자신의 작곡을 수 있는 비슷한 효과가 있다면 그들은 제대로된 고대의 음악이다.,ance 에서 후반 여섯 번째 세기,
I have ofttimes 들었다고 말했의내는 동안 레크 Claudin Le Jeune(가지 않고 희망하는 경미한 사람이 훨씬 능가하는 음악가 시대의 과거에서 자신의 이해의 이러한 문제는)그는 박지성기(그 구성품)…그리고 그 때 이기었 연 개인 콘서트에서 발생 신사이 있을 팔기 시작 맹세하는 소리,그래서 그것이 불가능해 보고 그를 방지하기 위해 공격에서 누군가가:그 Claudin 노래를 시작하고 다른 공기…는 렌더링되는 신사로 진정합니다., 이것은 거기에 있었던 몇몇 사람들에 의해 이후로 나에게 확인되었다. 그러한 것은 마음 위의 멜로디,리듬 및 조화의 힘과 힘입니다.
1605 년,이탈리아의 작곡가 Monteverdi Claudio 실제로 정의하는”첫째가”및”두 번째”연습에서 첫 번째,화합과 대위법에 우선한 텍스트에서 두 번째,필요성을 표현하는 단어의 의미를 넘어 다른 어떤 관심사입니다. 바로크에서는 시대를 지배하게 된 두 번째 연습—음악의 힘을 사용하여 의사 소통—의 정신입니다.,
의 현실을 후원
의 모든 논의는 바로크 양식의 작곡가의 예술적인 철학을 강화해야한다,이상,약간의 현실에 의해 그들의 삶입니다. 현대에서는,예술가는 자주 창조하기 위하여 이동되는 예술의 종류를 정확하게 생성하는 생계를 유지한다. 따라서 우리는 종종 예술가와 그 또는 그녀의 예술적 영감의 정도를 예술 작품의 출발점으로 생각합니다. 에 걸쳐 많은 바로크 시대에,그러나,작곡가만 생계 쓰기를 음악으면 그만큼 충분히 행운이었에 급여의 정치 또는 종교적인 기관입니다., 따라서 그 기관의 음악적 요구는 작곡가가 제작 한 음악을 지시했습니다. Bach 쓴 수 칸 그는,예를 들어,필요하지 않기 때문에 그는 형태로 영감을,그러나 때문에 전례 요구의 라이프 치히 교회는 그를 고용. 이 빛에서 볼 때,바로크 음악은 역사에 매혹적인 창을 제공 할 수 있습니다.
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바로크 음악의 특징은 무엇입니까?
음악의 극적이고 수사학적인 가능성에 대한 새로운 관심은 바로크 시대에 풍부한 새로운 사운드 이상을 불러 일으켰습니다.,
극적인 요소로서의 대비
대조는 바로크 구성의 드라마에서 중요한 성분이다. 의 차이는 크고 부드러운 솔로와 앙상블(에서와 같이 협주곡),서로 다른 악기와 음색의 모든에서 중요한 역할을 많은 바로크 양식의 조성물에 관한 것이다. 작곡가기 시작했다 더 정확한에 대해 계측,종종 지정하는 기기에 있는 조각해야 합 대신 재생의 수 있도록 공연을 선택합니다. 트럼펫과 바이올린과 같은 화려한 악기도 인기가 높아졌습니다.,
Monody 과의 출현 basso 생
이전에 음악 시대,음악의 조각하는 경향이 구성되어 하나의 멜로디와 아마,즉흥적으로 반주 또는 여러 가지는 멜로디를 동시에 재생됩니다. 바로크 시대까지는”멜로디”와”하모니”의 개념이 진정으로 관절로 시작되지 않았습니다. 한 노력의 일환으로 모방 고대 음악,작곡가 시작 초점을 맞추고에 덜 복잡한 폴리포는 지배하는 열 다섯 번째와 여섯 번째 세기에 하나의 음성으로 간주 또는 monody., 는 경우에는 음악이었 형태의 수사,글로의 그리스와 로마 표시,강력한 웅변가가 필요한 사람보다 작업에 대한 보컬 솔? 새로운 사이의 합병을 표현의 느낌과는 솔로 가수를 통해 올 큰 소리에 명확한 몬테 베르디의 서문 Combattimento 디 Tancredi 전자 클로린다에서 그의 여덟 번째의 책 Madrigals(1638),에는 그는 씁니다:”그것은 나에게 보였는 최고 열정 또는의 사랑을 우리 마음에 세 번호,즉,분노를 평정하고 겸손입니다., 최고의 철학자들은 동의하며,우리의 목소리의 본질은 높음,낮음 및 중간 범위만큼 나타낼 것입니다.”가장 초기의 오페라는이 새로운 미학의 훌륭한 삽화입니다.
와 함께 강조점에서 하나의 멜로디와 베이스 라인에는 basso 콘티,방법의 음 표기법에는 멜로디와 베이스 라인 작성 및 조화 표시된 필러의 유형에 짧., 이탈리아어로 음악가가 아고스티노 Agazzari 에서 설명 1607:
이후 진정한 스타일을 표현하는 단어는 마지막에서 발견 되었습니다,즉,에 의해 재생의 의미에서 최선의 방식으로 가능한 성공하는 최고의 하나의 음성(또는 더 이상 몇)에서와 같이,현대식을 개최하여 다양한할 수 있는 남자,그리고 그대로 지속적인 실천에서 로마에서 공동 음악 내가 말할 필요가 없다는 점수를 만들기 위해니다 베이스와 함께,그것의 징후에 대한 하모니,충분하다., 하지만 몇 가지 중 하나 있었다고 말하는,재생하기 위해 작품 전체의 푸가 및와는 달리,베이스가 충분하지 않습니다,나는 보컬의이 종류는 더 이상 사용합니다.
기 때문에 basso 콘티,또는 철저한 베이스,유지 표준 관행이 끝날 때까지의 바로크 시대 때때로”로 알려진 시대의 철저한 베이스입니다.”
서로 다른 악기는 소리
후 무시한 수십 년 동안,바로크 음악은 점점 인기있는 지난 십 년이다., 의 일환으로 이는 새로운 관심과 학자,음악가들이 수많은 시간을 보냈는 방법을 알아 내려고 노력하고 음악가 들렸을 17 세기와 18 세기세요. 우리는 할 수 없을 것입을 재작성하는 성능을 정확하게,그들의 작품을 발굴 몇 가지 주요 차이 바로크 양식과 현대적인 앙상블:
피치:1939 년에 현대적인 오케스트라에 동의 곡’=440hz(노트 투구에 440 초당 사이클)대 이전에 낮은 피치(a’=435hz)채택에 1859. 그러나 1859 이전에는 피치 표준이 없었습니다., 따라서 바로크 앙상블이 조정 된 메모는 다른 시간과 다른 장소에서 광범위하게 다양했습니다. 그 결과,음악 표기에 점수 있는 소리는 만큼 반 톤 낮보다 어떻게 전통적으로 수행될 수 오늘. 한 노력을 허용하는을 위한 이러한 불일치,많은 바로크 양식의 앙상블의 조정한 자신의 튜닝하는 레퍼토리로 수행되:a’=415hz 에 대한 후반 바로크 음악,a’=392hz 프랑스 음악,a’=440hz 초기 이탈리아의 음악과’=430hz 에 대한 고전적인 협력합니다.,
음색:동안의 대부분에서 악기는 바로크 양식의 앙상블을 잘 알고 있지만,거기에 몇 가지 눈에 띄는 구성원이 더 이상 추천서 현대적인 앙상블입니다. 하프시코드 기본 키보드 계기(그리고 중요한 구성원의 생 그룹),및 중요한 계기에 16 세기와 17 세기 같은 류트 및 비올,여전히 계속 사용할 수 있습니다. 오늘날에도 여전히 인기있는 악기의 변형은 바로크 앙상블에 다른 소리를주었습니다., 문자열이 악기 같은 바이올린,비올라와 첼로 사용되는 장 문자열이 아닌 문자열이 포장에 금속으로 있는 그들은 중독되는 오늘날,예를 들어,그들에게 좀,단맛 톤입니다.
성능 기술:는 바로크 양식의 점수를 포함하는 작은(있다면)정보에 대해 요소는 다음과 같 관절,장식 또는 동역학,그리고 현대적인 앙상블을 만들 필요가 자신의 정보를 선택하기 전에 각 성능입니다., 기계 간의 차이 바로크 양식과 현대적인 악기를 제안하는 악기는 것이라 소리가 다르게,그래서 앙상블을 음악을 좋아의 바로크 양식 종종 조정한 자신의 기술을 허용합니다. 기 때문 바로크 양식과 현대적인 활은 구조적으로,다른 예를 들어,문자열을 사용하여 플레이어를 현대적 활 자주 사용 소감에 대한 공격이 문자열 크레센도 및 diminuendos 에 더 이상 노트입니다., 17 세기와 18 세기의 성능을 논문은 또한 의미하는 손가락 비브라토(기술하는 문자열 플레이어 바위는 그 손가락 끝에 문자열을 풍요롭게 음)를 사용한 표현하는 순간 동안 활 vibrato(물의 움직임이 활)일반적으로 좋습니다.
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바로크 시대를 정의하기 위해 어떤 음악 형식이 왔습니까?
면서 양식에서 이전의 시대에 계속 사용할 수와 같은 motet 또는 특정 춤에 대한 관심은 음악의 형태로 수사를 촉발 개발의 새로운 장르의 영역에서 특히 보컬 음악이다., 많은 양식과 연결된 바로크 시대를 직접 와서 이 새로운 극적인 충격,특히 오페라,오라토리오와 이나. 악기 음악의 영역에서 대비의 개념과 대규모 형태를 만들려는 열망은 협주곡,소나타 및 스위트를 야기했습니다.
성악
오페라:주로 노래하고,악기와 함께,무대에서 선보이는 드라마. 오페라 일반적으로 다른 사이 암송,음성처럼 노래를 진행한 줄거리,그리고 맥레이,곡에는 문자의 감정을 표현에서 특정 지점에서 작업입니다., 코러스와 춤도 자주 포함됩니다. 의 출현 장르에는 세 종종의 활동과 관련 그룹의 시인,음악가들과 학자들이 피렌체에서 오늘날 알려진 피렌체 Camerata. 최초의 살아남은 오페라는 Jacopo Peri 의 Dafne 으로,Ottavio Rinuccini 의 libretto 를 기반으로 1598 년 피렌체에서 공연되었으며,오늘날에도 여전히 공연 된 최초의 오페라는 Claudio Monteverdi 의 Orfeo(1607)입니다., 의 주제는 먼저 드라마는 모든 촬영에서 그리스 신화를 반영하는 장르의 긴밀한 제휴 관계로 다시 시도 음악과 드라마의 고대 문화,그리고 실행되었에 전적으로 귀족이 원한을 초대했습니다.
1637 년 베니스에서 처음으로 공개 된 오페라 하우스가 문을 열었을 때 관객의 선호도에 맞게 장르가 변경되었습니다. 솔로 가수들은 일종의 유명인 지위를 취했고,그 결과 아리아에 더 큰 중점을 두었습니다. 암송은 덜 중요 해졌고 코러스와 춤은 이탈리아 오페라에서 사실상 사라졌습니다., 빈번한 오페라 제작을 준비하는 재정적 현실 또한 효과가있었습니다. 화려한 무대 효과 관련된 오페라에서 법원었을 경시하고,librettos 건설되었을 활용하는 주식의 경 장치입니다. 초기 18 세기(특히 나폴리에서),두 가지 하위의 오페라 분명하게 되었:리아 오페라에서는 초점에 심각한 주제 da capo aria,그리고 오페라 부파는 가볍고,심지어 만 톤과 때때로 사용되는 듀엣,트리오와 큰 앙상블입니다. 오페라의 이탈리아 전통은 점차 대부분의 유럽 국가를 지배했습니다., 에서 늦은 17 세기 프랑스,그러나,이탈리아-태어난 장 밥티스트 륄리 및 librettist Philippe 키노 만들어진 고유의 프랑스어 버전 오페라로 알려진가-lyrique.
오라토리오:연장된 음악과 함께 드라마를 텍스트 기반으로 종교적 주제에 대한 성능없는 풍경,의상이나 액션입니다. 오라토리오는 원래기도 홀을 의미했으며,전례와 구별되는 종교적 경험을위한 장소로 설계된 교회에 인접한 건물입니다., 이 있지만 늦은 여섯 번째 세기의 판례에 대한 오라토리오에서 motet 및 마드리갈 레퍼토리의 예배당으로 뚜렷한 음악적 장르는 가운데 뛰어난 음향 이러한 공간의 초기에 1600s. 중간으로는 17 세기의 오라토리오에서 수행 된 궁전과 공공 극장과 성장했다 점점 더 비슷한 드라마지만,주제,두 부분으로 분할(보다는 세 가지 행위)의 부재를 개최 작업합니다., 이탈리아의 장르와 관련된 작곡가 중 일부는 Giocomo Carissimi,Alessandro Scarlatti 및 Antonio Vivaldi 를 포함합니다. 오라토리오는 유럽의 다른 지역에서도 인기가 높아졌습니다. 에 개신교에 독일의 극적인 음악로 구성된 사용을 위해서 루터 교회가 점차적으로 되었으로 융합의 요소 예배당에서,특히 포함하의 성경 본문. 오라토리오의 열정은 그것이 불려지면서 J.S.Bach 의 위대한 작품에서 절정에 달했습니다., 다른 잘 알려진 예는 외부 이탈리아의 포함 영국의 오라토리오를 조지 헨델,사람을 대중화 장르에서 런던의 결과로 영어 혐오감을 위해 이탈리아 오페라도 있습니다. 메시아,이집트의 이스라엘,마카베우스 유다와 같은 작품은 오늘날까지 관객의 즐겨 찾기로 남아 있습니다.
칸타타:장으로 구성된 조각의 승계 recitatives 과정 조각 같은편,듀엣과됩니다., 에서 발생하는 초기 17 세기 이탈리아,하나기 시작했으로 세속적 인 작품으로 구성 솔로 음성 및 basso 콘티,대부분한 성능에서 개인의 사회적 모임입니다. 이 작품들 중 상당수는 전문 음악가와 아마추어 모두에 의해 공연되었다고 제안하면서 출판되었습니다. 세기 중반까지 칸타타는 덜 자주 출판되었으며,공연이 점점 더 전문가들에 의해 이루어지고 있음을 시사합니다. 17 세기 말까지 칸타타는 다 카포 아리아를 통합하기 시작했으며 종종 오케스트라 반주가있었습니다., 주요 작곡가들에 이탈리아 소나타 장르를 포함 루이지 Rossi,안토니오 Cesti,스트라델라 알레산드로 및에서의 전반 18 세기 알렉산드로 Scarlatti,Handel,Benedetto Marcello,요한 아돌프 Hasse. 외부의 이탈리아,확장 장르의 루터 motet 기 시작했을 통합하는 많은 요소의 이탈리아나,특히 기술의 극적인 식 같이 암송하고 aria. 바흐의 많은 칸타타는 그들의 이탈리아 대응의 광범위한 영향을 보여줍니다.,
기악
Sonata:을 설명하는 데 사용되는 여러 가지 형태의 조각에서 바로크 시대,장기나 가장 일반적으로 지정된 작업에서 몇 가지 운동을 위해 하나 이상의 기기(가장 자주 바이올린)및 bassocontinuo;소나타 두 개의 바이올린이나 다른 고음 악기 플러스 베이스는 일반적으로 불리는 트리오 sonata., 에 의해 1650s,소나타 종종 있었 분류 중 하나로 소나타 다 교회(“교회의 소나타”),일반적으로 구성되어 있 네 움직임이 사이의 교류 느리고 빠른 템포에서 수행 교회,또는 소나타 다 카메라(“실 소나타”)로 이루어져 있는 시리즈의 춤 가깝습니다. 두 유형의 예는 코렐리의 17 세기 후반 작품에서 찾을 수 있습니다. 18 세기에 Telemann,Bach 및핸델은 Corelli 의 sonatas da chiesa 를 모델로 한 수많은 소나타를 썼습니다., 상승하여 명성의 솔로 소나타 키보드 악기를 시작에서 후반 바로크 양식의 기간을 포함하여,그러한 기관(Bach)과 하프시코드(헨델,Domenico Scarlatti). 솔로 소나타의 다른 유명한 예로는 비동반 바이올린과 첼로를위한 바흐의 작품이 있습니다.
협주곡:이탈리아 협주곡(함께 결합,단결)에서 파생 된 협주곡은 바로크 시대에 여러 형태를 취했다. 18 세기 초까지 협주곡은 단순히 목소리,악기 또는 둘 다로 구성된 다양한 앙상블을 하나로 묶는 구성이었습니다., 신성한 작품에 대한 목소리와 악기가 종종 불 협주곡하는 동안 비슷한 세속적인 작품들은 일반적으로 불리 아리(방송),칸나 musiche. 는 동안 큰 규모의 신성한 협주곡에서 찾을 수 있습의 Monteverdi Claudio,더욱 친밀한 구성을 위해 하나를 네 목소리,생 추가 솔로 악기는 훨씬 더 일반적입니다. 독일에서는 멋진 예의 신성한 협주곡을 발견될 수 있는 작품에서는 요한 헤르만 샤인,마이클 Praetorius,사무엘 Scheidt 인 Schütz(특히 자신의 Kleine geistliche Concerte,또는”작은 신성한 협주곡”의 1636-39).,
나중에 바 협주곡하기 시작하는 현대적인 정의:multimovement 작업에 대한 수단이 솔로이스트(또는 그룹의 솔로이스트)와 오케스트라입니다. 구에서 canzonas 와 소나타의 후반 여섯 열일곱번째 세기에,사용되는 콘트라스트 그룹의 기기에 큰 효과,협주곡 그로소 대체의 작은 그룹 솔리스트로 큰상을 수상했다. 작품의 코렐리,특히 자신의 Op.6 컬렉션을 제공,아마도 가장 잘 알려진 예는 17 세기 후반주 금요., 는 코렐리의 작품들을 에뮬레이트에서 18 세기에서 가장 뚜렷이 나타나는 헨델의 Op.6 컬렉션,많은 18 세기의 예로는 협주곡 노스 쇼 증가하는 영향의 솔로 연주(예를 들어,브란덴부르크의 협주곡 J.S.Bach).
18 세기에 가장 지배적 인 유형의 협주곡은 앙상블과 대조적으로 단일 악기를 특징으로하는 솔로 협주곡이었습니다., 가장 다작의 작곡가 솔로 협주곡했 안토니오 비발디,누가 쓴 약 350 설립 협주곡의 표준을 세 가지 운동을 양식(두 개의 빠른 외부의 움직임을,하나의 중간에 운동을 느린 템포). 대부분의 솔로 협주곡 작성되었을 위한 바이올린,트럼펫 협주곡도 인기가 있었고,협주곡한 구성에 대한 첼로,오보,플루트와 바순 있습니다. 에 1730s,헨델 쓴 16 장 협주곡과 바흐 또한 여러 협주곡에 대한 하프시 코드 같은 시간(이들의 대부분의 기존 작동하).,
스위트 룸에서 전통적인 페어링의 춤에서 르네상스,스위트 룸이었는 첫 번째 멀티-이동 작업에 대한 악기입니다. 스위트 룸은 본질적으로 동일한 키로 된 일련의 춤이었으며 대부분 또는 모두 두 부분으로 된 형태였습니다. 주변의 중간에서 17 세기 독일의 순서 allemande,courante,사라 반데과 gigue 되었다 상대적으로 표준이지만 다른 댄스 등의 움직임 추가 allemandes 또는 courantes,bourreés,gavottes 및 분,종종 있었 삽입됩니다. 대부분의 스위트 룸은 또한 서곡,ouverture 또는 fantasia 와 같은 입문 운동으로 시작되었습니다., 많은 바로크 작곡가들에게 다른 춤은 특정 인물을 구체화했습니다. 에서 자신의 Der volkommene Capellmeister(완전한 음악감독),1739,독일어 이론가 요한 Mattheson 준 목록의 각각의 춤의 문자:미뉴에트었다”적당한 유쾌,”the gavotte”기뻐하는 기쁨은,”bourreé”거움을”,courante””희망이 사라 반데”야망을”그리고 gigue 수 있는 경우를 의미에 이르기까지 다양한 감정을 분노를 flightiness., 바로크 스위트 득점했다 솔로 악기뿐만 아니라 오케스트라,그 기록을 위한 하나 또는 두 개의 멜로디로 악기와 콘티은 때로는 제목의 소나타 다 카메라가 있습니다. 프랑스어 스위트 키보드 라고도 ordres(로의 작품에서 프랑수아 쿠프랭,누가 삽입된 많은 비 춤의 움직임을 포함시켜주는 캐릭터 스케치의 법원은 인원이 있습니다.
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바로크 시대의 콘서트에 참석하는 것은 어땠습니까?
현대에서는 콘서트에가는 것이 이벤트입니다., 우리가 듣는 라디오 광고 또는 목록을 참조하십시오에서 신문한다;우리는 티켓을 구입한다;우리는 가서 콘서트 홀 및 조용히 앉아 하는 시간이 될 때까지 박수를 보낸다. 바로크 시대에는 이런 종류의 공개 콘서트가 드물었습니다. 많은 가장 유명한 바로크 양식을 작곡했을 수행 교회에 대한 서비스의 일부로 또는 전용 콘서트 또는 축제의 집에서 풍부한 후원자입니다. 의 과정 동안 바로크,그러나,공연되었다는 더 일반적이고,특히 장르의 오라토리오,그리고 우리의 현대적인 전통 공연 시작하여 합체에 많은 유럽 도시입니다., 로저 북한 설명이 성능에서의 콘서트 시리즈,조직에서 런던에서 1670s:
첫 번째 시도가 낮은:프로젝트의 오래된 난간,누가 좋은 바이올린,연극 작곡가입니다. 그는 열명의 객실에는 집에서는 백사;그것을 채워 테이블과 의자가 만든 측면 박스를 커튼으로 음악이다. 때로는 배우자,때로는 솔로,바이올린,제비 콩의 일종,베이스 비올,류트를 연주하고 노래한 모든 관계에 있고,같은 품종을 전환되는 회사에 지불한다., 한 조각을 실링하고,당신이 바라는 것을 요구하고,계산을 지불하고,신사들을 환영합니다.
공공 콘서트의 출현은 성장하는 중산층을 음악가들에게 중요한 수입원으로 만들었습니다. 바로크가 끝날 무렵,이 사회적 하위 집합은 교회 나 법정만큼이나 강력한 음악 후원자가되었습니다.
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바로크 시대 이후에 무엇이 왔습니까?
18 세기 중반,수사학의 한 형태로서의 음악에 대한 바로크 적 사상이 공격을 받고있었습니다., 음악했다롭게 강력한 힘을 표현하는 심지어 가장 어려운 개념을—하지만 가장””자연적인 형태는 바로크 시대했 표면적으로 혼란스러워 하네요. 요한 돌 Scheibe 의 말 J.S.Bach1737
이 위대한 사람이 될 것이 감탄의 전체 국가는 경우에 그는 더 많은 예의,경우에는 멀리하지 않았다 자연 요소에서 그의 조각들을 제공함으로써 과장과 스타일의 혼란,그리고 그가 그렇지 않다면 어둡게 자신의 아름다움으로 과잉의 예술이다., 이후 그는 판단에 따라 자신의 손가락,자신의 조각은 매우 어렵,그는 대한 요구는 가수와 추가해야 할 수 있으로 자신의 목와 악기 그는 재생할 수 있습에 clavier 지만,이것은 불가능하…Turgidity 가에서 주도하는 자연,인조 및에서 높를 침울하며…하나 존경하는 부담스러운 노동 및 기타 노력하는 그러나,공용 이후 그들은 충돌이 있습니다.,
Scheibe 의 주장에서 명확성 및 편의성 성능에서 힌트를 주요 변화에서 음악 미학:전역의 통렬한 비판,최종적으로 결의 맛은 플라톤이거나 아리스토텔레스,그러나 궁극적으로 청취자와 공연이다. 이것을 강조하고 직접적인 멜로디의 표현과 맑은 음악적 건축물 점 방법이 고전 시대의 시대,모차르트와 하이든.
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이 바로크 시대에서 근대
지만 바로크 양식의 기간이 종료 250 여 년 전,흔적의 시대를 들을 수 있다., 일부의 가장 영향력 있고 사랑하는 작곡가 정기적으로 수행 콘서트 홀,그리고 재산의 기록을 만들 바로크 양식의 필요에 따라 사용할 수 있습니다. 오라토리오,협주곡,오페라와 같이 오늘날에도 여전히 사용되고있는 많은 음악 장르가이 시대에 시작되었습니다. 랄프 본 윌리엄스(Ralph Vaughn Williams),이고르 스트라빈스키(Igor Stravinsky),벤자민 브리튼(Benjamin Britten, 영향력을 수 밖에서 듣고 예술의 영역에 음악:사이의 자유로운 이동에 대한 솔로와 그룹 재즈에 때때로 비교하여 바로크 음악과의 조각 바흐와 비발디에 자주 나타날 솔로 무거운 금속의 기타리스트. 그리고 정신의 바로크 양식에 대한 확고한 믿음에서 힘의 음악하는 사람들의 삶을 변화 음악의 역사원합니다.
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