Cos’è il “barocco” e quando è stato il periodo barocco?
Derivato dal barroco portoghese, o “perla dalla forma strana”, il termine “barocco” è stato ampiamente usato fin dal XIX secolo per descrivere il periodo nella musica artistica dell’Europa occidentale dal 1600 al 1750 circa. Paragonare alcuni dei più grandi capolavori della storia della musica a una perla deforme potrebbe sembrare strano a noi oggi, ma ai critici del diciannovesimo secolo che applicarono il termine, la musica dell’epoca di Bach e Händel suonava eccessivamente ornata ed esagerata., Avendo da tempo perso le sue connotazioni dispregiative,” barocco ” è ora semplicemente un comodo catch-all per uno dei periodi più ricchi e diversi della storia della musica.
Oltre a produrre la prima musica europea familiare alla maggior parte di noi, tra cui Canon di Pachelbel e The Four Seasons di Vivaldi, l’era barocca ha anche notevolmente ampliato i nostri orizzonti. L’accettazione della teoria del xvi secolo di Copernico secondo cui i pianeti non ruotavano intorno alla terra rese l’universo un posto molto più grande, mentre il lavoro di Galileo ci aiutò a conoscere meglio il cosmo., I progressi della tecnologia, come l’invenzione del telescopio, hanno fatto sembrare infinito ciò che si credeva finito. Grandi pensatori come Cartesio, Hobbes, Spinoza e Locke affrontarono le grandi questioni dell’esistenza. Geni come Rubens, Rembrandt e Shakespeare offrivano prospettive uniche attraverso la loro arte. Le nazioni europee sono cresciute sempre più coinvolte nel commercio estero e nella colonizzazione, portandoci in contatto diretto con parti del globo che prima non erano familiari., E la crescita di una nuova classe media ha dato vita a una cultura artistica a lungo dipendente dai capricci della chiesa e della corte.
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Chi erano i maggiori compositori barocchi e da dove venivano?
Molti dei personaggi noti della prima parte del periodo barocco provengono dall’Italia, tra cui Monteverdi, Corelli e Vivaldi. (Verso la metà del XVIII secolo, la nostra attenzione si sposta sui compositori tedeschi Bach e Händel.) Molte delle forme identificate con la musica barocca hanno avuto origine in Italia, tra cui la cantata, il concerto, la sonata, l’oratorio e l’opera., Anche se l ” Italia ha svolto un ruolo fondamentale nello sviluppo di questi generi, nuovi concetti di ciò che significava essere una nazione aumentato l “imperativo di uno” stile nazionale.”Le differenze tra le nazioni sono spesso udibili nella musica del periodo, non solo nel modo in cui la musica è stata composta, ma anche nelle convenzioni di esecuzione; particolarmente evidente era il contrasto tra Italia e Francia. Mentre alcuni paesi possono sembrare rivendicare un pezzo più grande della nostra esperienza di musica barocca oggi, tuttavia, ogni nazione ha svolto un ruolo., Mentre musicisti e compositori viaggiavano in tutta Europa e ascoltavano la musica l’uno dell’altro, le nuove convenzioni che incontravano facevano sottili impressioni su di loro. Alcuni dei più noti compositori del periodo sono i seguenti:
Italia: Monteverdi, Frescobaldi, Corelli, Vivaldi, Domenico e Alessandro Scarlatti
Francia: Couperin, Lully, Charpentier e Rameau
Germania: Praetorius, Schein, Scheidt, Schutz, Telemann, Haendel e Bach
Inghilterra: Purcell
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che Cosa è la filosofia della musica Barocca?,
Sebbene una singola filosofia non possa descrivere 150 anni di musica da tutta Europa, diversi concetti sono importanti nel periodo barocco.
Una credenza nella musica come potente strumento di comunicazione
Una delle principali correnti filosofiche nella musica barocca deriva dall’interesse rinascimentale per le idee dell’antica Grecia e di Roma. I greci e i Romani credevano che la musica fosse un potente strumento di comunicazione e potesse suscitare qualsiasi emozione nei suoi ascoltatori., Come risultato della rinascita di queste idee, i compositori divennero sempre più consapevoli del potere potenziale della musica e coltivarono la convinzione che le loro composizioni potessero avere effetti simili se emulassero correttamente la musica antica.,ance alla fine del xvi secolo,
ho spesso sentito dire di Sieur Claudin-Le-Jeune (che è, senza voler lieve chiunque, di gran lunga superato i musicisti del passato nella sua comprensione di queste cose) che aveva cantato l’aria (che egli aveva composto in parti)…e che quando questa aria è stato provato in un concerto privato ha causato un signore non mettere mano alle armi e iniziare a imprecare ad alta voce, in modo che sembrava impossibile per impedirgli di attaccare qualcuno: dopo di che Claudin iniziato a cantare un’altra aria…che ha reso il gentiluomo calmo come prima., Questo mi è stato confermato da molti che erano lì. Tale è il potere e la forza della melodia, del ritmo e dell’armonia sulla mente.
Nel 1605, il compositore italiano Claudio Monteverdi definì effettivamente una “prima” e una “seconda” pratica: nella prima, armonia e contrappunto prevalevano sul testo; nella seconda, la necessità di esprimere il significato delle parole superava ogni altra preoccupazione. Nel barocco, è lo spirito della seconda pratica—usando il potere della musica per comunicare—che è venuto a dominare l’epoca.,
La realtà del mecenatismo
Qualsiasi discussione sulla filosofia artistica di un compositore barocco dovrebbe essere temperata, almeno leggermente, dalla realtà della loro vita. Nei tempi moderni, gli artisti spesso si guadagnano da vivere producendo esattamente il tipo di arte che sono spinti a creare. Di conseguenza, spesso pensiamo all’artista—e al grado della sua ispirazione artistica—come il punto di partenza per un’opera d’arte. Durante gran parte dell’era barocca, tuttavia, i compositori si guadagnavano da vivere scrivendo musica solo se avevano la fortuna di essere sul libro paga di un’istituzione politica o religiosa., Le esigenze musicali di quell’istituzione, quindi, dettavano la musica che il compositore produceva. Bach ha scritto il numero di cantate che ha fatto, per esempio, non necessariamente perché ha trovato la forma di ispirazione, ma a causa delle esigenze liturgiche della chiesa di Lipsia che lo ha impiegato. Se vista in questa luce, la musica barocca può fornire un’affascinante finestra sulla storia.
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Quali sono le caratteristiche della musica barocca?
Il nuovo interesse per le possibilità drammatiche e retoriche della musica ha dato origine a una ricchezza di nuovi ideali sonori nel periodo barocco.,
Il contrasto come elemento drammatico
Il contrasto è un ingrediente importante nel dramma di una composizione barocca. Le differenze tra forte e morbido, solo e ensemble (come nel concerto), diversi strumenti e timbri giocano tutti un ruolo importante in molte composizioni barocche. I compositori iniziarono anche ad essere più precisi sulla strumentazione, spesso specificando gli strumenti su cui un pezzo dovrebbe essere suonato invece di permettere all’esecutore di scegliere. Anche strumenti brillanti come la tromba e il violino crebbero in popolarità.,
La monodia e l’avvento del basso continuo
Nelle epoche musicali precedenti, un brano musicale tendeva a consistere in un’unica melodia, magari con un accompagnamento improvvisato, o più melodie suonate contemporaneamente. Solo nel periodo barocco il concetto di “melodia” e “armonia” cominciò ad essere veramente articolato. Come parte dello sforzo di imitare la musica antica, i compositori iniziarono a concentrarsi meno sulla complicata polifonia che dominava i secoli XV e XVI e più su una singola voce con un accompagnamento semplificato, o monodia., Se la musica era una forma di retorica, come indicano gli scritti dei greci e dei Romani, è necessario un oratore potente—e chi meglio di un solista vocale per il lavoro? La nuova fusione tra l’espressione del sentimento e il cantore solista si manifesta forte e chiara nella prefazione di Monteverdi al Combattimento di Tancredi e Clorinda dal suo Ottavo Libro dei Madrigali (1638), in cui scrive: “Mi è sembrato che le principali passioni o affetti della nostra mente siano tre in numero, vale a dire la rabbia, l’equanimità e l’umiltà., I migliori filosofi sono d’accordo, e la natura stessa della nostra voce, con le sue gamme alte, basse e medie, lo indicherebbe.”Le prime opere sono un’eccellente illustrazione di questa nuova estetica.
Insieme all’enfasi su una singola melodia e linea di basso è nata la pratica del basso continuo, un metodo di notazione musicale in cui la melodia e la linea di basso sono scritte e il riempitivo armonico indicato in un tipo di stenografia., Come il musicista italiano Agostino Agazzari spiegato nel 1607:
Dal momento che il vero stile di esprimere con le parole è stato trovato, cioè, riproducendo il loro senso nel miglior modo possibile, che riesce meglio con una sola voce (o non più di un paio), come nel moderno va in onda da diversi uomini, e come è la pratica costante, a Roma in musica concertata, Io dico che non è necessario fare punti… Un Basso, con i suoi segni per le armonie, è sufficiente., Ma se qualcuno dovesse dirmi che, per suonare le vecchie opere, piene di fuga e contrappunti, un basso non è sufficiente, la mia risposta è che opere vocali di questo tipo non sono più in uso.
Poiché il basso continuo, o basso completo, rimase la pratica standard fino alla fine del periodo barocco, l’era è talvolta conosciuta come “l’età del basso completo.”
Diversi suoni strumentali
Dopo essere stata ignorata per decenni, la musica barocca è diventata sempre più popolare negli ultimi cinquant’anni., Come parte di questo nuovo interesse, studiosi e musicisti hanno trascorso innumerevoli ore cercando di capire come la musica avrebbe potuto suonare al pubblico del 17 ° e 18 ° secolo. Anche se non saremo mai in grado di ricreare una performance con precisione, il loro lavoro ha portato alla luce diverse importanti differenze tra ensemble barocchi e moderni:
pitch: Nel 1939, le orchestre moderne accettarono di accordarsi su un’=440hz (la nota A acuto a 440 cicli al secondo), che sostituì un tono precedentemente più basso (un’=435hz) adottato nel 1859. Prima del 1859, tuttavia, non esisteva uno standard di pitch., La nota a cui si accordavano gli ensemble barocchi, quindi, variava ampiamente in tempi e luoghi diversi. Di conseguenza, la musica annotata su una partitura potrebbe aver suonato fino a mezzo tono inferiore a come sarebbe tradizionalmente eseguita oggi. Nel tentativo di tenere conto di questa discrepanza, molti ensemble barocchi adeguano la loro accordatura al repertorio eseguito: a’= 415hz per la musica tardo barocca, a’=392hz per la musica francese, a’=440hz per la musica italiana e a’=430hz per il repertorio classico.,
timbro: Mentre la maggior parte degli strumenti in un ensemble barocco sono familiari, ci sono diversi membri di spicco non più presenti in ensemble moderni. Il clavicembalo era il principale strumento a tastiera (e un importante membro del gruppo continuo), e strumenti importanti nei secoli XVI e XVII come il liuto e la viola, continuavano ancora ad essere utilizzati. Anche le variazioni negli strumenti ancora popolari oggi hanno dato all’ensemble barocco un suono diverso., Strumenti a corda come il violino, la viola e il violoncello usavano corde di budello piuttosto che le corde avvolte nel metallo con cui sono infilate oggi, ad esempio, dando loro un tono più dolce e dolce.
tecnica di esecuzione: una partitura barocca contiene poche (se presenti) informazioni su elementi come articolazione, ornamento o dinamica, e quindi gli ensemble moderni devono fare le proprie scelte informate prima di ogni esecuzione., Differenze meccaniche tra strumenti barocchi e moderni suggeriscono anche che gli strumenti più vecchi avrebbero suonato in modo diverso, così ensemble come la musica del barocco spesso regolare la loro tecnica per consentire questo. Poiché gli archi barocchi e moderni sono strutturalmente diversi, ad esempio, i suonatori di archi che usano archi moderni spesso usano un attacco più delicato sulla corda e crescendi e diminuendi sulle note più lunghe., i trattati di performance del 17 ° e 18 ° secolo implicano anche che il vibrato con le dita (una tecnica in cui un suonatore di archi dondola il suo dito sulla corda per arricchire il tono) fosse usato con parsimonia per i momenti espressivi, mentre il vibrato con l’arco (un movimento ondulato dell’arco) era generalmente preferito.
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Quali forme musicali vennero a definire l’epoca barocca?
Mentre forme di epoche precedenti continuavano ad essere utilizzate, come il mottetto o danze particolari, l’interesse per la musica come forma di retorica ha scatenato lo sviluppo di nuovi generi, in particolare nell’area della musica vocale., Molte delle forme associate all’epoca barocca provengono direttamente da questo nuovo impulso drammatico, in particolare l’opera, l’oratorio e la cantata. Nel regno della musica strumentale, la nozione di contrasto e il desiderio di creare forme su larga scala hanno dato origine al concerto, alla sonata e alla suite.
Musica vocale
Opera: Un dramma che viene principalmente cantato, accompagnato da strumenti e presentato sul palco. Le opere in genere si alternano tra recitativo, canto simile al discorso che avanza la trama, e arie, canzoni in cui i personaggi esprimono sentimenti in particolari punti dell’azione., Anche i cori e le danze sono spesso inclusi. L’avvento del genere a cavallo del Seicento è spesso associato all’attività di un gruppo di poeti, musicisti e studiosi fiorentini oggi conosciuti come la Camerata Fiorentina. La prima opera sopravvissuta fu la Dafne di Jacopo Peri, su libretto di Ottavio Rinuccini e rappresentata a Firenze nel 1598; la prima opera eseguita ancora oggi è l’Orfeo di Claudio Monteverdi (1607)., I soggetti delle prime opere sono tutti tratti dal mito greco, riflettendo le strette alleanze del genere con i tentativi di ricreare la musica e il dramma delle culture antiche, e sono stati eseguiti esclusivamente in ambienti aristocratici per gli ospiti invitati.
Quando i primi teatri d’opera pubblici aprirono a Venezia nel 1637, il genere fu modificato per soddisfare le preferenze del pubblico. I cantanti solisti hanno assunto una sorta di status di celebrità, e di conseguenza è stata posta maggiore enfasi sull’aria. Il recitativo divenne meno importante e i cori e le danze scomparvero praticamente dall’opera italiana., Anche le realtà finanziarie della messa in scena di frequenti produzioni operistiche hanno avuto un effetto. Gli effetti scenici spettacolari associati all’opera a corte sono stati notevolmente minimizzati e i libretti sono stati costruiti per sfruttare i dispositivi scenici di serie. All’inizio del xviii secolo (in particolare a Napoli), due sottogeneri dell’opera divennero evidenti: l’opera seria, in cui l’attenzione era rivolta al soggetto serio e all’aria da capo, e l’opera buffa, che aveva un tono più leggero, persino comico e talvolta usava duetti, trii e ensemble più grandi. La tradizione italiana dell’opera ha gradualmente dominato la maggior parte dei paesi europei., Alla fine del xvii secolo in Francia, tuttavia, l’italiano Jean-Baptiste Lully e il librettista Philippe Quinault crearono una versione unica francese dell’opera nota come tragédie-lyrique.
Oratorio: un dramma musicale esteso con un testo basato su argomenti religiosi, destinato a prestazioni senza scenografia, costume o azione. Oratorio originariamente significava sala di preghiera, un edificio situato adiacente ad una chiesa che è stato progettato come un luogo per le esperienze religiose distinte dalla liturgia., Anche se ci sono tardo cinquecento precedenti per l’oratorio del mottetto e il repertorio madrigalistico, l’oratorio come un unico genere musicale è emerso tra l’acustica eccellente di questi spazi all’inizio del 1600. Dalla metà del 17 ° secolo, oratori sono stati eseguiti nei palazzi pubblici e teatri e diventavano sempre più simili ad opere, anche se l’argomento, la divisione in due parti (anziché tre atti) e l’assenza in scena di azione, in quanto si distingue., Alcuni dei compositori associati al genere in Italia includono Giocomo Carissimi, Alessandro Scarlatti e Antonio Vivaldi. L’oratorio crebbe in popolarità anche in altre parti d’Europa. Nella Germania protestante, la musica drammatica composta per l’uso nella chiesa luterana divenne gradualmente fusa con elementi dell’oratorio, specialmente nell’inclusione di testi non biblici. La passione dell’oratorio, come venne chiamata, culminò nelle grandi opere di J. S. Bach., Altri esempi ben noti al di fuori dell’Italia includono gli oratori inglesi di George Frideric Handel, che rese popolare il genere a Londra a causa del disgusto inglese per l’opera italiana. Opere come Messia, Israele in Egitto e Giuda Maccabeo rimangono favoriti del pubblico fino ad oggi.
Cantata: un pezzo esteso costituito da una successione di recitativi e set pezzi come arie, duetti e cori., Originaria dell’Italia dei primi anni del xvii secolo, la cantata iniziò come un’opera secolare composta per voce solista e basso continuo, molto probabilmente destinata ad essere eseguita in incontri sociali privati. Molti di questi lavori sono stati pubblicati, suggerendo che essi sono stati eseguiti da musicisti professionisti e dilettanti allo stesso modo. Verso la metà del secolo le cantate furono pubblicate meno frequentemente, suggerendo che le esibizioni venivano sempre più eseguite da professionisti. Alla fine del xvii secolo, le cantate iniziarono a incorporare l’aria da capo e spesso avevano accompagnamenti orchestrali., I principali compositori del genere cantata italiana includono Luigi Rossi, Antonio Cesti, Alessandro Stradella, e nella prima metà del xviii secolo Alessandro Scarlatti, Handel, Benedetto Marcello e Johann Adolf Hasse. Al di fuori dell’Italia, il genere in espansione del mottetto luterano iniziò ad incorporare molti elementi della cantata italiana, in particolare tecniche di espressione drammatica come il recitativo e l’aria. Le molte cantate di Bach mostrano l’ampia influenza delle loro controparti italiane.,
Musica strumentale
Sonata: Usato per descrivere diversi tipi di pezzi in epoca barocca, il termine sonata più comunemente designava un’opera in diversi movimenti per uno o più strumenti (più frequentemente violini) e bassocontinuo; una sonata per due violini o altri strumenti alti più bassi era solitamente chiamata sonata a trio., Dal 1650, le sonate erano spesso classificate come sonate da chiesa (”sonate da chiesa”), di solito composte da quattro movimenti alternati tra tempi lenti e veloci ed eseguite in chiesa, o sonate da camera (”sonata da camera”), che consisteva in una serie di danze simili alla suite. Esempi di entrambi i tipi possono essere trovati nelle opere del tardo 17 ° secolo di Corelli. Nel xviii secolo, Telemann, Bach Ehandel scrisse numerose sonate modellate sulle sonate da chiesa di Corelli., L’ascesa alla ribalta delle sonate solistiche per strumenti a tastiera inizia alla fine del periodo barocco, comprese quelle per organo (Bach) e clavicembalo (Handel, Domenico Scarlatti). Altri famosi esempi di sonate solistiche includono opere di Bach per violino e violoncello non accompagnati.
Concerto: Derivato dal concertare italiano (unire, unire), il concerto ha assunto diverse forme durante l’epoca barocca. Fino all’inizio del xviii secolo, un concerto era semplicemente una composizione che univa un insieme eterogeneo composto da voci, strumenti o entrambi., Le opere sacre per voci e strumenti erano spesso chiamate concerti, mentre simili opere profane erano generalmente chiamate arie (arie), cantate o musiche. Mentre concerti sacri su larga scala si possono trovare nelle opere di Claudio Monteverdi, composizioni più intime per una o quattro voci, continuo e strumenti solisti aggiuntivi erano molto più comuni. In Germania, esempi meravigliosi del concerto sacro si possono trovare nelle opere di Johann Hermann Schein, Michael Praetorius, Samuel Scheidt e Heinrich Schütz (in particolare il suo Kleine geistliche Concerte, o “Piccoli Concerti sacri”, del 1636-39).,
Più tardi nel XVII secolo, il concerto iniziò ad assumere la sua definizione moderna: un lavoro multimovement per solista strumentale (o gruppo di solisti) e orchestra. Prendendo spunto dalle canzonette e dalle sonate della fine del XVI e XVII secolo, che utilizzavano gruppi di strumenti contrastanti di grande effetto, il concerto grosso alterna un piccolo gruppo di solisti ad un ensemble più ampio. Le opere di Corelli, in particolare la sua collezione Op. 6, forniscono forse gli esempi più noti del concerto grosso di fine 17 ° secolo., Mentre le opere di Corelli furono emulate nel xviii secolo, in particolare nella collezione Op. 6 di Händel, molti esempi del 18 ° secolo del concerto grosso mostrano l’influenza crescente del concerto solo (ad esempio, i Concerti di Brandeburgo di J. S. Bach).
Il tipo di concerto più dominante nel 18 ° secolo era il concerto solista, che presentava un singolo strumento in contrasto con un ensemble., Il compositore più prolifico del concerto solista fu Antonio Vivaldi, che scrisse circa 350 e stabilì la forma standard del concerto a tre movimenti (due movimenti esterni veloci, un movimento centrale in un tempo più lento). Mentre la maggior parte dei concerti solisti sono stati scritti per violino, concerti tromba erano anche popolari, e concerti sono stati anche composti per violoncello, oboe, flauto e fagotto. Nel 1730, Händel scrisse 16 concerti per organo, e Bach compose anche diversi concerti per clavicembalo nello stesso periodo (la maggior parte di questi sono arrangiamenti di opere preesistenti).,
Suite: Basata sul tradizionale abbinamento di danze nel Rinascimento, la suite è stata la prima opera multi-movimento per strumenti. La suite era essenzialmente una serie di danze nella stessa chiave, la maggior parte o tutte in due parti. Intorno alla metà del 17 ° secolo in Germania la sequenza di allemande, courante, sarabande e gigue divenne relativamente standard, anche se altri movimenti di danza,come allemande supplementari o courantes, bourreés, gavottes e minuetti, sono stati spesso inseriti. La maggior parte delle suite anche iniziato con un movimento introduttivo come un preludio, ouverture o fantasia., Per molti compositori barocchi, le diverse danze incarnavano personaggi specifici. Nel suo Der volkommene Capellmeister (Il direttore musicale completo), 1739, il teorico tedesco Johann Mattheson diede un elenco del carattere di ogni danza: il minuetto era “allegria moderata”, la gavotte “gioia giubilante”, la bourreé “contentezza,” la courante “speranza”, la sarabande “ambizione” e la gigue potrebbe significare una serie di emozioni che vanno dalla rabbia alla voluttà., Le suite barocche sono state composte sia per strumenti solisti che per orchestra; quelle scritte per uno o due strumenti melodici e continuo sono a volte intitolate sonata da camera. Le suite francesi per tastiera sono talvolta chiamate ordres (come nelle opere di François Couperin, che inserì molti movimenti non di danza tra cui schizzi di personaggi evocativi del personale di corte.
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Com’era assistere a un concerto in epoca barocca?
Nei tempi moderni, andare a un concerto è un evento., Sentiamo un annuncio alla radio o vediamo un annuncio sul giornale; acquistiamo i biglietti; andiamo in una sala da concerto e ci sediamo tranquillamente finché non è il momento di applaudire. In epoca barocca, questo tipo di concerto pubblico era raro. Molte delle più famose composizioni barocche sono state eseguite nelle chiese per un servizio, o come parte di un concerto privato o celebrazione nella casa di un ricco mecenate. Nel corso del barocco, tuttavia, le esibizioni pubbliche divennero più comuni, in particolare nei generi dell’opera e dell’oratorio, e la nostra tradizione concertistica moderna cominciò a fondersi in molte città europee., Come Roger North descrisse una performance in una delle prime serie di concerti, organizzata a Londra nel 1670:
Il primo tentativo fu basso: un progetto di old Banister, che era un buon violino e un compositore teatrale. Aprì una stanza oscura in una casa pubblica in frati bianchi; la riempì di tavoli e sedili, e fece una scatola laterale con tende per la musica. A volte consorte, a volte assoli, del violino, flageolet, basso viol, liuto e canto all’Italiana, e tali varietà deviavano la compagnia, che pagava al momento di entrare., Uno scellino al pezzo, chiamate quello che vi pare, pagate la resa dei conti e date il benvenuto ai signori.
L’avvento del concerto pubblico ha reso la crescente classe media un’importante fonte di reddito per i musicisti. Alla fine del barocco, questo sottoinsieme sociale era diventato un mecenate musicale potente quasi quanto la chiesa o la corte.
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Cosa è successo dopo il periodo barocco?
Verso la metà del XVIII secolo, l’idea barocca della musica come forma di retorica era sotto attacco., La musica aveva un potere meravigliosamente potente per esprimere anche i concetti più difficili – ma solo nella sua forma più” naturale”, che l’era barocca aveva apparentemente confuso. Come Johann Adolph Scheibe disse di J. S. Bach nel 1737,
Questo grande uomo sarebbe l’ammirazione di intere nazioni se avesse fatto più amenità, se non avesse tolto l’elemento naturale nei suoi pezzi dando loro uno stile turgido e confuso, e se non avesse oscurato la loro bellezza con un eccesso di arte., Dal momento che egli giudica secondo le sue dita, i suoi pezzi sono estremamente difficili da riprodurre; egli esige che i cantanti e strumentisti dovrebbe essere in grado di fare con le loro gole e strumenti di quello che lui può giocare sul clavicembalo, ma questo è impossibile… Turgore ha portato dal naturale all’artificiale, e dall’alto verso il cupo; e…ammira l’oneroso lavoro e raro sforzo—che, tuttavia, sono, invano, impiegati, dal momento che sono in conflitto con la Natura.,
L’insistenza di Scheibe sulla chiarezza e la facilità di esecuzione suggerisce un grande cambiamento nell’estetica musicale: durante la sua diatriba, l’arbitro finale del gusto non è Platone o Aristotele, ma alla fine gli ascoltatori e gli interpreti stessi. Questa nuova enfasi sull’espressione melodica diretta e sulla chiara architettura musicale indica la strada al periodo classico, all’età di Mozart e Haydn.
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L’era barocca nell’età moderna
Sebbene il periodo barocco sia terminato oltre 250 anni fa, le vestigia dell’epoca possono essere ascoltate ovunque., Alcune delle composizioni più influenti e amate sono regolarmente eseguite nelle sale da concerto, e una ricchezza di registrazioni rendono il barocco disponibile su richiesta. Molti dei generi musicali ancora in uso oggi, come l’oratorio, il concerto e l’opera, hanno avuto origine nel periodo. Compositori del XX secolo come Ralph Vaughn Williams, Igor Stravinsky e Benjamin Britten hanno reso omaggio al barocco nelle loro opere., La sua influenza può essere ascoltata anche al di fuori del regno della musica d’arte: il libero movimento tra solista e gruppo nel jazz è talvolta paragonato alla musica barocca, e frammenti di Bach e Vivaldi appaiono spesso negli assoli dei chitarristi heavy metal. E lo spirito del barocco—una fede incrollabile nel potere della musica di toccare la vita delle persone-ha cambiato la storia della musica per sempre.
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