a partire dalla metà del 20 ° secolo, gli Stati Uniti è stato il leader nel mercato dell’arte. L’assegnazione del Leone d’oro all’americano Rauschenberg alla Biennale di Venezia del 1964 testimonia il passaggio del primato dalla Scuola di Parigi alla Scuola di New York., Oggi, oltre ai suoi musei con le collezioni più prestigiose, la “Grande Mela” è la città con il maggior numero di gallerie. Infatti, più di 100.000 artisti hanno allestito i loro studi lì, approfittando dell’opportunità di tentare la fortuna con più di 1.500 gallerie. Gli artisti americani del 20 ° secolo sono stati i catalizzatori dell’arte moderna e contemporanea. Artsper ora presenta 10 dei più famosi di loro!,
Il Tutor d’Arte Moderna
Edward Hopper (1882-1967): Tra Realismo e Simbolismo del Modo di Vita Americano
Egli fu il pittore di città d’America all’inizio del 20 ° secolo. Dando alle sue raffigurazioni della vita quotidiana un’atmosfera mistica, Edward Hopper è riuscito a sublimare i soggetti più innocui.
Nato a New York, si è formato come illustratore prima di studiare in una scuola di pittura., Viaggiò diverse volte in Europa nei primi anni del 1900. Lì, era più interessato agli impressionisti, come Monet e Degas, poi alle avanguardie cubiste del suo tempo. Invece di rappresentazioni astratte, Hopper preferiva rappresentazioni naturalistiche di paesaggi e costumi contemporanei. Al suo ritorno negli Stati Uniti, l’artista ha iniziato una carriera come artista commerciale prima di decidere finalmente di dedicarsi interamente alla pittura.
Fu durante il periodo tra le due guerre che acquisì un certo prestigio., Appassionato di architettura, ha prodotto per la prima volta acquerelli di case attiche del xix secolo, molto apprezzate dai collezionisti. Alla maniera degli impressionisti, i suoi soggetti coinvolgono edifici dipinti in diversi momenti della giornata. Prediligeva albe e tramonti, rivelando la sua attrazione per la rappresentazione di variazioni di luminosità.
In seguito ha ritratto la mutevole società americana ed è ora considerato uno dei principali rappresentanti del realismo americano. Una certa malinconia emana sempre dalle sue scene., Nel suo lavoro Nighthawks, è incarnato dalla solitudine dei personaggi, isolati e silenziosi. È anche un segno di nostalgia per un’America passata, che sta diventando tanto urbanizzata quanto individualizzata
Come prezioso testimone del suo tempo, riesce a immortalare il tempo sospeso sulla sua tela. La teatralità delle sue composizioni, ottenuta da un potente contrasto tra ombre e luce grezza, sarà fonte di ispirazione per il mondo fotografico e cinematografico.,
Man Ray (1890-1976): Dal Dadaismo al Surrealismo
Pittore, disegnatore, regista, designer di Questo artista, le cui opere sono disponibili sul Artsper, era meglio conosciuto come il fotografo dei Surrealisti.
Dopo aver studiato disegno industriale, si rifiuta di entrare in una scuola di architettura per dedicarsi completamente all’arte. Stabilitosi a New York nei primi anni 1910, frequentò la galleria “291” di Alfred Stieglitz., Stieglitz lo introdusse alla tecnica della fotografia e a molti artisti dell’avanguardia europea. Nel 1913, prese parte allo spettacolo dell’Armeria. Questa fu la prima esposizione internazionale di arte moderna, che riuniva rappresentanti del fauvismo, del cubismo e del Futurismo. Dopo una prima mostra personale nel 1915, aderì al movimento Dada. Nato come reazione all’assurdità della prima guerra mondiale, questo movimento intellettuale, letterario e artistico è stato caratterizzato da un rifiuto radicale dei valori politici, sociali e ideologici della società., Fu durante questo periodo che iniziò a sperimentare con la fotografia.
Nel 1921 lascia l’America per Parigi dove continua la sua ricerca e scopre per caso una nuova tecnica fotografica: la “rayografia”. Esponendo alla luce un foglio di carta bianca sensibile alla luce, le parti non coperte da oggetti si anneriscono. Ottiene quindi rappresentazioni con forme spettrali, costituendo paesaggi onirici e misteriosi in cui gli oggetti di uso quotidiano sono trascesi. Allo stesso tempo, fu coinvolto nel movimento surrealista, in cui partecipò a tutte le mostre dal 1925 in poi., Nel 1929 incontrò Lee Miller, che divenne la sua amante e assistente. Insieme, hanno sfruttato il potenziale estetico della solarizzazione, un processo fotografico che consiste nell’esporre una fotografia troppo presto. In questo modo, le zone di oscurità e luminosità sono invertite.
Tra i più importanti artisti americani nella storia dell’arte, è colui che ha rivoluzionato l’arte della fotografia!,
Norman Rockwell (1894-1978): L’Iperrealismo dell’America del Narratore
Noto per la sua rivista, illustrazioni, Norman Rockwell opere ripercorrono la storia degli Stati Uniti dal periodo tra le due guerre del dopoguerra.
Affascinato dal disegno fin dall’infanzia, entra all’American Academy of Design di New York all’età di 16 anni., Poi, in una seconda volta, si è unito alla Art Students League, una prestigiosa scuola di Belle Arti. Talentuoso, anche prima di raggiungere la maggiore età, le riviste giovanili hanno commissionato le sue prime illustrazioni.
L’anno 1922 segnò un punto di svolta nella sua carriera. Ha dipinto la sua prima copertina per il famoso quotidiano The Saturday Evening Post. Questa è stata seguita da una collaborazione di 47 anni durante i quali Rockwell ha prodotto altre 321 copertine. In uno stile realistico e fotografico, ha ritratto la vita quotidiana della classe media americana, sempre con gentilezza e talvolta umorismo., È in questo modo che è legato al movimento regionalismo americano.
Durante la seconda guerra mondiale, le sue illustrazioni affermano la sua partecipazione allo sforzo bellico. Ispirato dal discorso del presidente Roosevelt, nel 1943 produsse una serie di quattro dipinti intitolati Le quattro Libertà. Il discorso di Franklin Roosevelt aveva lo scopo di aumentare il morale americano annunciando un futuro migliore. Ciò si baserebbe sui diritti umani e su quattro libertà: libertà di parola, libertà di culto e libertà dalla paura e dal bisogno. Il pittore ha quindi scelto di trascrivere questi quattro concetti in scene di vita quotidiana., Vuole mostrare agli americani che non sono solo ideali astratti.
Negli anni seguenti, poiché il successo di queste quattro immagini lo rese molto popolare, le sue commissioni diminuirono. In effetti, i giornali hanno iniziato a preferire la fotografia ai cartoni animati. Tuttavia, fino alla fine della sua vita, cercherà di usare la sua arte per difendere le cause che gli stanno a cuore: i diritti civili, la lotta contro la segregazione, la povertà e la guerra. È stato uno degli artisti americani del suo tempo ad essere il più coinvolto politicamente.,
Jackson Pollock (1912-1956): Gocciolamento Pioneer
Un pittore Americano dell’Espressionismo Astratto, particolarmente famoso per la sua pratica di action painting di Jackson Pollock è stato una grande influenza sui contemporanei pittori Americani. La sua morte in piena consacrazione mondiale ha favorito la leggenda di questo artista maledetto.,
Trascorrendo la sua infanzia in un ambiente precario, tra l’assenza di suo padre e l’autorità di sua madre, divenne un alcolizzato in giovanissima età. All’età di 11 anni, la sua visita a una riserva indiana e la scoperta di motivi astratti di una cosiddetta arte “primitiva” lasceranno una profonda impressione su di lui. Per Pollock, l’arte è, soprattutto, un’opera d’arte. Gli permette di esprimere le sue emozioni e di liberarsi dalle sue ansie, risentimenti e rabbia. Nei suoi action paintings, vicini alle performance, è l’azione della pittura e non la pittura che è importante.,
Vivendo gran parte della sua vita nella miseria durante la Grande Depressione, beneficia del Progetto artistico federale. Istituito dal governo Roosevelt come parte della politica del New Deal, questo programma ha sostenuto artisti americani attraverso importanti commissioni pubbliche. Si unì alla sezione “Pittura murale” nel 1935, ma fu escluso nel 1938 per assenteismo. In questo momento, ha iniziato un programma di disintossicazione.
Nel 1943 partecipa alla prima grande mostra organizzata da una famosa collezionista d’arte moderna americana, Peggy Guggenheim., Tra i membri della giuria, Piet Mondrian e Marcel Duchamp gli diedero un parere favorevole, tanto che il famoso mecenate delle arti gli offrì uno stipendio mensile e gli dedicò una mostra personale. Mentre gradualmente si è fatto un nome nel mondo dell’arte, nel 1947 ha iniziato a praticare il dribbling. Consiste nel versare secchi di vernice direttamente sulla tela. Attraverso questa nuova tecnica di lavoro orizzontale, rompe con i codici tradizionali della pratica pittorica, abbandonandosi alla più totale arte astratta.,
Al culmine del suo successo, tuttavia, i suoi vecchi demoni lo perseguitavano ancora. Annegamento in alcol, è morto in un incidente d ” auto, guida in stato di ebbrezza. Potete trovare alcune delle sue edizioni sul sito Artsper.,
La Maggiore Cultura Pop Americana, gli Artisti
Andy Warhol (1928-1987): Il Padre della Pop Art
Ha trasformato l’arte in un prodotto di consumo, mentre allo stesso tempo ha dato agli oggetti di uso quotidiano lo status di opere d’arte. Andy Warhol è giustamente considerato uno dei fondatori della Pop Art.,
Warhol, le cui creazioni sono disponibili su Artsper, proviene dalla povera classe operaia di Pittsburgh ed è figlio di migranti slovacchi. È riuscito a entrare all’università per studiare Belle Arti. Dopo la laurea, si trasferì a New York nel 1949. Lì ha iniziato una carriera come artista commerciale per riviste di moda e ha rapidamente guadagnato una reputazione significativa nel mondo della pubblicità.
Alla fine degli anni ‘ 50 si dedica alla pittura. Fu inizialmente ispirato dalla grafica dei fumetti., Ma erano i suoi dipinti su oggetti di consumo, a partire dalle lattine di zuppa di Campbell, che sarebbero passati alla storia dell’arte. Al fine di soddisfare una domanda quasi di massa, ha iniziato a utilizzare la stampa serigrafica nel 1962. Questa tecnica di stampa basata su stencil gli ha permesso di produrre le sue opere in quantità industriali in una moltitudine di colori sorprendenti. I suoi ritratti di celebrità, come Marilyn Monroe, sono oggi presenti sui binari delle più grandi istituzioni artistiche moderne del mondo.
Più tardi, nel 1964, apre la sua Fabbrica, la Mecca della vita artistica di New York., È sia un laboratorio di produzione che uno studio di registrazione per i suoi film sperimentali.
Celebrato durante la sua vita e riconosciuto come icona della Pop Art, è diventato alla fine della sua vita un mecenate delle arti alla fine degli anni ‘ 80. Collaborando con artisti emergenti come Jean-Michel Basquiat e Keith Haring, ha fatto del suo nome un marchio.,
Keith Haring (1958-1990): Attivismo Attraverso l’Arte di Strada
Conosciuto in tutto il mondo per i suoi affreschi di figure colorate con spessi contorni neri, Keith Haring è anche conosciuto come uno degli artisti Americani impegnati nella lotta contro l’omofobia e l’AIDS.
Come Andy Warhol, è nato a Pittsburgh e ha iniziato a studiare grafica pubblicitaria. Tuttavia, volendo sperimentare liberamente con la propria ricerca artistica, partì per New York., Lì, i graffiti lo hanno ispirato. Desideroso di togliere l’arte dalla sua cornice per raggiungere un vasto pubblico, ha iniziato disegnando con il gesso sulle lavagne pubblicitarie nere della metropolitana. Allo stesso tempo, frequentando l’ambiente artistico della metropolitana di New York, ha avuto le sue prime mostre in gallerie. Infine, è stato invitato alla Biennale di Parigi del 1985, mentre era nel bel mezzo della sua ascesa internazionale.,
Dietro l’apparizione di disegni per bambini, con forme sintetiche, alcune delle quali si possono trovare sul sito Artsper, affronta temi seri come il razzismo, la violenza, la droga, la distruzione ambientale… Esprimendosi in strada, cerca di avere più visibilità per denunciare i pregiudizi sociali. A tal fine, partecipa a programmi di educazione artistica per giovani e risponde a diverse commissioni pubbliche. Ad esempio, ha eseguito un affresco su una delle pareti dell’Ospedale Necker nel 1987.,
Sapendo di soffrire di AIDS nel 1988, ha messo la sua arte e la sua notorietà al servizio della causa LGBT e della lotta contro questa malattia. A tal fine, ha creato la Fondazione Keith Haring nel 1989. Spinto dal desiderio di trasformare il mondo, morì a soli 31 anni. Nonostante la sua breve vita, la sua eredità, sia artistica che sociale, non fu meno considerevole.,
Jean-Michel Basquiat (1960-1988): L’Elevazione di Arte Urbana al Rango di Belle Arti
Egli è uno dei più famosi artisti Afro-Americani nel mondo. Nel 2017, quasi 30 anni dopo la sua morte, una delle sue opere è stata venduta all’asta per un prezzo record di oltre 110 milioni di euro., Questo rende Jean-Michel Basquiat, alcuni dei cui disegni possono essere visti sul sito Artsper, uno degli artisti americani più costosi al mondo.
Nato a Brooklyn da padre haitiano e madre ispanica, questo precoce genio del disegno ha prodotto i suoi primi graffiti all’età di 16 anni. Inizia a firmare sotto lo pseudonimo di SAMO (”Same Old Shit”, letteralmente”Stessa vecchia merda”). Basquiat dà il tono: di temperamento protestante, si rifiuta di conformarsi ai dettami della società.,
Ambizioso di diventare il primo artista nero di fama internazionale, è riuscito a farsi notare dal suo idolo, Andy Warhol. Quest’ultimo lo presentò ai più grandi galleristi di New York.
Le sue opere, di grande singolarità, spaventano tanto quanto affascinano. Anzi, sono di grande violenza. Con numerose evocazioni della morte, le sue composizioni sono caratterizzate dall’introduzione di elementi tribali dal suo patrimonio culturale. La sua ricerca di identità lo spinge a denunciare l’oppressione delle minoranze, rappresentando un mondo caotico, portatore di un potente simbolismo., Infine, da bambino della cultura Pop, mescola diverse tecniche nella stessa composizione: graffiti, pittura, collage. Egli ignora le tradizioni pittoriche e offusca i confini delle belle arti.
La sua morte a seguito di un’overdose pose fine alla sua carriera all’età di 28 anni. Una carriera, certamente breve, ma particolarmente prolifica: ha prodotto più di 800 dipinti e 1.500 disegni. Il suo malessere cronico, percepibile nei tratti aggressivi delle sue composizioni, ha paradossalmente fatto precipitare la sua fine tanto quanto il suo successo.,
Emergenti Artisti Contemporanei
Jeff Koons (1955): L’Apogeo dell’Arte Commerciale
Pur essendo uno dei più celebrati artisti Americani del 21 ° secolo, Jeff Koons è anche uno dei più controversi. Le sue opere sono denigrate da alcuni come arte industriale o sono solo contraffatte secondo altri. Eppure sono i più costosi al mondo e sono esposti nelle principali istituzioni artistiche del mondo., Una storia di successo!
Attratto dall’arte in giovanissima età, Jeff Koons non riscuote il successo sperato con le sue prime creazioni. Costretto a lavorare come broker finanziario, non è stato fino al 1980 che le sue sculture monumentali, che rappresentano beni di consumo di massa come i suoi cani palloncino e conigli gonfiabili, è diventato popolare tra i collezionisti. Ha poi creato, alla maniera di Andy Warhol, uno studio a New York con una trentina di assistenti. Oggi, è più simile a una fabbrica, con più di 100 dipendenti. Così, le opere stampate Jeff Koons non sono più fatte dalle sue mani.,
Infatti, le produzioni in acciaio inossidabile di Jeff Koons, disponibili su Artsper, sono in linea con la Pop Art, traendo ispirazione dall’immaginario popolare. Li devia dando loro un carattere industriale, rivelando alcune affinità con il ready-made di Marcel Duchamp. Tuttavia, se Andy Warhol ha portato l’arte nell’era industriale, l’uomo della finanza l’ha portata nell’era della globalizzazione. Le sue icone kitsch possono essere viste in tutto il mondo… E questo non senza causare alcuni scandali!,
Nel 2008, ha esposto una dozzina di sue sculture alla Reggia di Versailles, dove si è tenuto un evento in nome della difesa della “purezza artistica francese”. Più recentemente, è stato il suo mazzo di tulipani a causare molte polemiche. In effetti, il tributo alle vittime degli attacchi di Parigi del 2015 e del 2016 è stato criticato come contributo alla bruttezza dello spazio pubblico.
Inoltre, l’artista è stato accusato in diversi casi di plagio, riappropriandosi di soggetti da fotografie o pubblicità esistenti., Resta il fatto che il regno di Jeff Koons sembra avere un futuro luminoso davanti a sé! A maggio 2019, raggiungendo il prezzo di 91,1 milioni di euro, l’asta della sua opera di coniglio lo ha reso l’artista vivente più costoso del mondo.,
JonOne (1963): La Consacrazione di Graffiti in 11 Art
Considerato come uno dei più importanti artisti Americani dell’espressionismo astratto nel mondo dei graffiti, JonOne, per essere scoperto sul Artsper sito, che è un discendente di Jackson Pollock, come Jean-Michel Basquiat. Non c’è dubbio che la successione di artisti americani è assicurata!,
Nato a New York, nel quartiere operaio di Harlem, e di origine afro-americana, come Jean-Michel Basquiat, il giovane John suona anche hooky. Da adolescente, vagava per le linee della metropolitana di New York dove ha fatto i suoi primi tag. Secondo lui, ” la metropolitana è un museo che attraversa la città”, considerando i graffiti come una forma d’arte a sé stante.
Il suo incontro con il graffitista francese Bando fu decisivo per il resto della sua carriera. Quest’ultimo lo convinse a raggiungerlo a Parigi., Lì, abbandonando l’asfalto senza abbandonare le sue bombe di vernice, si stabilisce negli anni ‘ 90 in un laboratorio dell’Ospedale Effimero. Lì produsse i suoi primi dipinti. Fu subito notato ed esposto nelle più importanti gallerie d’arte contemporanea francesi.
JonOne riesce a toccare il pubblico con la sensibilità e la poesia che emana dai suoi dipinti. Permettendo alla sua immaginazione di correre libera, gli permettono, nelle sue parole, di aprirsi a se stesso. Sgombrando ogni riferimento figurativo, si lascia trasportare dal movimento, dai colori e dall’energia delle città., Da quel momento in poi, solo l’impulso delle sue emozioni guida i suoi gesti. Striature di colori brillanti e spontanei emergono solo da loro.
All’incrocio tra astrazione lirica e arte urbana, arte moderna e arte contemporanea, JonOne riesce a sfruttare il suo patrimonio artistico americano per offrirci il suo rinnovamento. L’egemonia degli artisti americani nella storia dell’arte è lungi dall’essere giunta al termine!,
Shepard Fairey (1970): L’Impegno Politico di Arte di Strada
Egli è famoso per la progettazione di Barack Obama manifesto elettorale per le presidenziali del 2008. Dimostrando che la street art ha un posto in politica, il Boston Institute of Contemporary Art lo ha riconosciuto come l’artista di street art più influente.,
Disegnando magliette e skateboard da adolescente, Shepard Fairey, rappresentato su Artsper, è entrato alla Rhode Island School of Design nel 1989. Con un gruppo di studenti, ha creato adesivi e poster raffiguranti il wrestler francese André the Giant. La visuale è diventata virale e si è diffusa in tutto il mondo. Nel 1998, associando l’immagine alla parola “Obbedire” (che significa “obbedire”), ha fatto di questa parodia propagandistica la sua firma.
Ma è più grazie al suo poster Hope che ha guadagnato notorietà internazionale., Sostenendo la candidatura del futuro presidente Barack Obama, ha creato una serie di poster. Il più famoso è un ritratto del politico nei colori dell’America. Emblema della campagna presidenziale di Obama, rappresenta un candidato decisamente rivolto verso il futuro. Diffuso in tutto il mondo, ha fatto la prima pagina della rivista Time. La National Portrait Gallery di Washington ha finalmente acquistato l’originale.
Da allora, ha avuto una serie di mostre, pur continuando la sua attività di artista di strada., In particolare ha eseguito diversi affreschi sulle pareti degli edifici del 13 ° arrondissement di Parigi nel 2012 e nel 2016. Uno di essi rappresenta una Marianne circondata dal motto nazionale “Libertà, Uguaglianza, Fraternità”. È stato creato in seguito agli attacchi del 13 novembre 2015. Così, testimonia il suo impegno perpetuo per la difesa di grandi cause, come la democrazia e le libertà. 8 anni dopo essersi investito nella campagna elettorale, Shepard Fairey ribadisce. Usando gli stessi codici grafici, ha cambiato lo slogan in ” No ” per opporsi all’elezione di Donald Trump., Festeggiando i suoi 30 anni di carriera al Grenoble Street Art Fest nel 2019, Shepard Fairey sembra essersi definitivamente affermato nel panorama artistico (e urbano) internazionale!
Così, questa panoramica degli artisti americani moderni e contemporanei rivela il ruolo cruciale degli Stati Uniti come culla della creazione artistica. Dall’inizio del 20 ° secolo, è sul suo terreno che sono nati i principali artisti della storia dell’arte. Senza legami con la tradizione pittorica europea, hanno saputo proporre nuove soluzioni plastiche., Inizialmente tinto di nazionalismo, l’arte americana divenne più popolare e universale a metà del 20 ° secolo. Il risultato fu la sua assimilazione in tutto il mondo e la consacrazione degli Stati Uniti come il principale potere artistico.