co je to „baroko“ a kdy bylo barokní období?
odvozený od portugalského Barroca, nebo „podivně tvarovaná Perla“, termín“ baroko “ byl široce používán od devatenáctého století k popisu období v západoevropské umělecké hudbě od asi 1600 do 1750. Srovnání některé z hudební historie je největší mistrovská díla se znetvořenou pearl se mohlo zdát divné, pro nás dnes, ale do devatenáctého století kritici, kdo použil termín, hudba Bacha a Händela éry znělo přehnaně zdobené a přehnané., Dávno zbavit své hanlivé konotace, „barokní“ je teď prostě pohodlné catch-all pro jednoho z nejbohatších a nejvíce různorodé období v hudební historii.
kromě produkce nejstarší evropské hudby známé většině z nás, včetně Pachelbelova kánonu a Vivaldiho čtyř ročních období, barokní éra také výrazně rozšířila naše obzory. Přijetí programu Copernicus 16. století, teorie, že planety se netočí kolem země stvořil vesmír mnohem větší místo, zatímco Galileo je práce nám pomohla seznámit se s vesmírem., Pokroky v technologii, jako je vynález dalekohledu, způsobily, že to, co bylo považováno za konečné, se zdálo nekonečné. Velcí myslitelé jako Descartes, Hobbes, Spinoza a Locke řešili velké otázky existence. Géniové jako Rubens, Rembrandt a Shakespeare nabídli svým uměním jedinečné perspektivy. Evropské národy rostly více a více zapojit se zahraniční obchod a kolonizace, že nás do přímého kontaktu s částmi světa, které byly dříve neznámé., A růst nové střední třídy vdechl život do umělecké kultury dlouho závislé na rozmarech církve a dvora.
zpět na začátek
kdo byli hlavní barokní skladatelé a odkud byli?
mnoho známých osobností z první části barokního období pochází z Itálie, včetně Monteverdi, Corelli a Vivaldi. (Do poloviny osmnáctého století se zaměřujeme na německé skladatele Bacha a Handela.) Mnoho forem ztotožňovaných s barokní hudbou vzniklo v Itálii, včetně kantáty, koncertu, sonáty, oratoria a opery., Ačkoli Itálie hrála zásadní roli ve vývoji těchto žánrů, nové koncepty toho, co to znamenalo být národem, zvýšily imperativ „národního stylu.“Rozdíly mezi národy jsou často slyšet v hudbě z období, nejen v tom, jak hudba byla složena, ale také v úmluvách výkonu; zvláště zřejmý byl rozdíl mezi Itálií a Francií. I když se zdá, že některé země si dnes nárokují větší část našich zkušeností s barokní hudbou, každý národ však hrál roli., Jako hudebníci a skladatelé cestoval po Evropě a slyšet navzájem hudbu, nové konvence se setkal jemné dojmy na nich. Některé z nejznámějších skladatelů z období zahrnují následující:
Itálie: Monteverdi, Frescobaldi, Corelliho, Vivaldiho, Domenica a Alessandro Scarlatti
Francie: Couperin, Lully, Charpentier a Rameau
Německo: Praetorius, Schein, Scheidt, Schutz, Telemann, Handel a Bach
Anglie: Purcell
Zpět na začátek
Co je filozofie Barokní hudby?,
ačkoli jediná filozofie nemůže popsat 150 let hudby z Celé Evropy, v barokním období je důležité několik konceptů.
víra v hudbu jako silný nástroj komunikace
Jeden z hlavních filozofických proudů v barokní hudbě pochází z renesančního zájmu o myšlenky ze starověkého Řecka a Říma. Řekové a Římané věřili, že hudba je mocným nástrojem komunikace a může v posluchačích vzbudit jakékoli emoce., V důsledku oživení těchto myšlenek, skladatelů, stal se stále více vědomi toho, hudba je potenciální energie, a pěstuje přesvědčení, že jejich vlastní skladby by mohl mít podobné účinky, pokud jsou správně napodobit staré hudby.,ance na konci šestnáctého století,
jsem často slyšel, že to řekl, Sieur Claudine Le Jeune (kdo má, bez, kteří chtějí mírný někdo, daleko předčil hudebníků minulých věků v jeho chápání těchto věcech), že on zpíval vzduchu (který měl složený v části)…a že když se tento vzduch byl nacvičovali na soukromý koncert to způsobil pán tam dát ruce na ramena a začne nadávat nahlas, tak že se zdálo nemožné, aby se zabránilo ho od někoho napadnout: načež Claudine začal zpívat další vzduch…což učinilo ten pán tak klidný jako předtím., To mi od té doby potvrdilo několik lidí, kteří tam byli. Taková je síla a síla melodie, rytmu a harmonie nad myslí.
V roce 1605, italský skladatel Claudio Monteverdi vlastně definován „první“ a „druhé“ praxi: v první, harmonii a kontrapunkt vzal převahu nad textem; v druhé, je třeba vyjádřit význam slov překonal jakékoliv jiné obavy. V baroku, to je duch druhé praxe—pomocí síly hudby ke komunikaci—který přišel ovládnout éru.,
realita záštity
jakákoli diskuse o umělecké filozofii barokního skladatele by měla být alespoň mírně zmírněna realitou jejich života. V moderní době, umělci často vydělávat na živobytí produkovat přesně ten druh umění, které jsou přesunuty k vytvoření. Proto často považujeme umělce – a míru jeho umělecké inspirace – za výchozí bod pro umělecké dílo. Po většinu barokní éry, nicméně, skladatelé si vydělali na živobytí psaním hudby, pouze pokud měli to štěstí, že byli na výplatní listině politické nebo náboženské instituce., Hudební potřeby této instituce proto diktovaly hudbu, kterou skladatel produkoval. Bach napsal řadu kantát udělal, například, ne nutně proto, že našel formu inspirativní, ale protože liturgické požadavky Lipsku církev, která ho zaměstnává. Při pohledu v tomto světle může barokní hudba poskytnout fascinující okno do historie.
zpět na začátek
jaké jsou vlastnosti barokní hudby?
nový zájem o dramatické a rétorické možnosti hudby vyvolal v barokním období nepřeberné množství nových zvukových ideálů.,
kontrast jako dramatický prvek
kontrast je důležitou složkou dramatu barokní kompozice. Rozdíly mezi hlasitým a měkkým, sólovým a souborem (jako v koncertu), různými nástroji a trámy hrají důležitou roli v mnoha barokních kompozicích. Skladatelé také začali být přesnější o instrumentaci, často uváděli nástroje, na kterých by se mělo hrát, místo aby si umělec mohl vybrat. Brilantní nástroje jako trubka a housle také rostly v popularitě.,
Monody a příchodem basso continuo
V předchozích hudebních epoch, kus hudby tendenci se skládají z jedné melodie, snad se improvizovaný doprovod, nebo několik melodií hraných současně. Až v období baroka se pojem „melodie“ a „harmonie“ skutečně začal artikulovat. Jako součást úsilí napodobit staré hudby, skladatelů začal méně soustředit na složité polyfonie, která dominuje patnáctého a šestnáctého století a více na jeden hlas se zjednodušeným doprovodem, nebo monody., Pokud byla hudba formou rétoriky, jak naznačují spisy Řeků a Římanů, je nutný silný řečník—a kdo lepší pro práci než vokální sólista? Nové spojení mezi výrazem citu a sólový zpěvák projít hlasitě a jasně v Monteverdiho předmluvě k Combattimento di Tancredi e Clorinda z jeho Osmá Kniha Madrigalů (1638), v němž se píše: „To se mi zdálo, že hlavní vášně či náklonnosti naší mysli jsou tři v řadě, a to hněv, vyrovnanost a pokora., Nejlepší filozofové souhlasí a samotná povaha našeho hlasu, s jeho vysokým, nízkým a středním rozsahem, by naznačovala tolik.“Nejstarší opery jsou vynikající ilustrací této nové estetiky.
Spolu s důrazem na jednotnou melodii a basovou linku přišel praxi basso continuo, způsob hudební notace, v níž melodie a basové linky jsou napsané a harmonická výplň je uvedeno v typ zkratka., Jako italský hudebník Agostino Agazzari vysvětlil v roce 1607:
Protože pravý styl vyjadřování slovy se konečně našel, a to, o reprodukci jejich smysl v nejlepším možným způsobem, který uspěje nejlépe s jedním hlasem (nebo ne více než několik), stejně jako v moderní vysílá různé schopni muži, a jak je běžnou praxí v Římě v jednání ve vzájemné hudby, Já říkám, že to není nutné, aby se skóre… Basu, s jeho příznaky pro harmonii, je dost., Ale pokud někdo mi řekla, že pro hraní starých děl, plné fuga a kontrapunkty, Basu je dost, moje odpověď je, že vokální díla tohoto druhu jsou již v provozu.
Protože basso continuo, nebo důkladné bass, zůstal standardní praxi až do konce Baroka, éra je někdy známý jako „věk důkladné bass.“
různé instrumentální zvuky
poté, co byly po desetiletí ignorovány, se barokní hudba stala v posledních padesáti letech stále populárnější., V rámci tohoto nového zájmu, učenci a hudebníci strávili nespočet hodin se snaží přijít na to, jak hudba mohla znít 17.a 18. století publikum. Zatímco my se nikdy nebude moci znovu výkon přesně, jejich práce se objevil několik hlavních rozdílů mezi Barokní a moderní komplety:
hřiště: V roce 1939, moderní orchestry souhlasil naladit’=440hz (poznámka: posazený na 440 kmitů za sekundu), která nahradila dříve nižší pitch (‚=435) přijala v roce 1859. Před rokem 1859 však neexistoval žádný pitch standard., Poznámka, na kterou se barokní soubory naladily, se proto v různých časech a na různých místech velmi lišila. Jako výsledek, Hudba notovaná na skóre mohla znít až o půl tónu nižší, než jak by se tradičně hrálo dnes. Ve snaze umožnit tento rozpor, mnoho barokní komplety upravit jejich ladění na repertoáru se provádí: a’= 415hz za pozdní barokní hudby, a’=392hz pro francouzskou hudbu, a’=440hz pro rané italské hudby a=430hz pro klasického repertoáru.,
timbre: zatímco většina nástrojů v barokním souboru je známá, v moderních souborech se již nevyskytuje několik významných členů. Cembalo bylo hlavním klávesovým nástrojem (a důležitým členem skupiny continuo) a nástroje důležité v 16.a 17. století jako loutna a viol se stále používaly. Variace nástrojů, které jsou dnes stále populární, také daly baroknímu souboru jiný zvuk., Strunné nástroje, jako housle, violu a violoncello použité struny, spíše než řetězce, zabalené v kovu, s níž jsou navlečené dnes, například, což je měkčí, sladší tón.
výkon technika: barokní skóre obsahuje málo (pokud existuje) informace o prvky, jako je artikulace, zdobení či dynamiky, a tak moderní komplety třeba, aby se jejich vlastní informovaná rozhodnutí před každým představením., Mechanické rozdíly mezi barokními a moderními nástroji také naznačují, že starší nástroje by zněly jinak, takže soubory jako hudba baroka často přizpůsobují svou techniku, aby to umožnily. Protože barokní a moderní luky jsou strukturálně odlišné, například, je řetězec hráči pomocí moderní luky se často používají jemnější útok na provázku a crescenda a diminuendos na delší poznámky., 17. a 18. století, výkon pojednání také znamenat, že prst vibrato (technika, ve které řetězec přehrávač kameny jeho nebo její prst na provázku obohatit tón) byla použita střídmě pro expresivní okamžiky, zatímco luk vibrato (vlnící se pohyb luk) byl obecně preferovaný.
zpět na začátek
jaké hudební formy přišly definovat barokní éru?
Zatímco formy z dřívějších epoch i nadále být použity, jako je moteto nebo zvláštní tance, zájem o hudbu jako formu rétorika vyvolala vývoj nových žánrů, zejména v oblasti vokální hudby., Mnohé formy spojené s barokní érou vycházejí přímo z tohoto nového dramatického impulsu, zejména opery, oratoria a kantáty. V oblasti instrumentální hudby vznikl koncept kontrastu a touha vytvářet rozsáhlé formy koncertu, sonáty a apartmá.
Vokální hudba
Opera: drama, které je primárně zpíváno, doprovázeno nástroji a prezentováno na jevišti. Oper obvykle se střídají mezi recitative, řeč-jako píseň, která posouvá děj, a árie, písně, v nichž postavy vyjádřit pocity na konkrétní body v akci., Refrény a tance jsou také často zahrnuty. Nástup tohoto žánru na přelomu sedmnáctého století je často spojováno s činností skupiny básníků, hudebníků a vědců ve Florencii, známý dnes jako Florentská Camerata. První dochované opery byl Jacopo Peri je Dafne, založené na libreto Ottavio Rinuccinim a provádí ve Florencii v roce 1598; nejdříve se opery hrají dodnes je Claudio Monteverdi Orfeo (1607)., Předměty prvních oper jsou převzaty z řeckého mýtu, což odráží úzké spojenectví žánru s pokusy obnovit hudbu a drama starověkých kultur a byly prováděny výhradně v aristokratických kruzích pro pozvané hosty.
když se v Benátkách v roce 1637 otevřely první veřejné operní domy, byl žánr změněn tak, aby vyhovoval preferencím publika. Sóloví zpěváci převzali určitý status celebrit a v důsledku toho byl kladen větší důraz na árii. Recitativní rostla méně důležitá a sbory a tance prakticky zmizely z italské opery., Vliv měla i finanční realita inscenování operních inscenací. Velkolepé jevištní efekty spojené s operou u dvora byly značně bagatelizovány a libreta byla postavena tak, aby využila scénických zařízení. Na počátku 18. století (zejména v Neapoli), dva podžánry opery zřejmé: opera seria, v němž byl kladen důraz na vážné téma a da capo árie a opery buffa, který měl lehčí, a to i komediální tón a někdy se používá duety, tria a větší soubory. Italská tradice opery postupně ovládala většinu evropských zemí., Na konci 17. století však Francie, italský Jean-Baptiste Lully a libretista Philippe Quinault vytvořili jedinečně francouzskou verzi Opery známou jako tragédie-lyrique.
Oratorio: rozšířené hudební drama s textem založeným na náboženském předmětu, určené k představení bez scenérie, kostýmu nebo akce. Oratorio původně znamenalo Modlitební síň, budovu sousedící s kostelem, která byla navržena jako místo pro náboženské zážitky odlišné od liturgie., I když existují konci šestnáctého století precedenty pro oratorium v motet a madrigal repertoáru, oratorní jako samostatný hudební žánr se objevil uprostřed vynikající akustikou tyto prostory v počátku 1600s. V polovině 17. století, oratoria byla prováděna v paláců a veřejných divadel a byli čím dál více podobné oper, i když předmět, rozdělení do dvou částí (spíše než tři akty) a absence představil akce stále odlišuje., Mezi skladatele spojené s žánrem v Itálii patří Giocomo Carissimi, Alessandro Scarlatti a Antonio Vivaldi. Oratorium rostlo v oblibě i v jiných částech Evropy. V protestantském Německu se dramatická hudba složená pro použití v luteránské církvi postupně spojovala s prvky oratoria, zejména při začleňování Nebiblických textů. Vášeň oratoria, jak se tomu říkalo, vyvrcholila velkými díly J. S. Bacha., Další dobře známé příklady mimo Itálii patří anglického oratoria georga Friedricha Händela, který popularizoval žánr v Londýně jako výsledek anglické nechuť k italské opeře. Díla jako Mesiáš, Izrael v Egyptě a Jidáš Maccabeus zůstávají dodnes oblíbenými diváky.
kantáta: rozšířený kus sestávající z řady recitativů a set kusů, jako jsou árie, duety a sbory., Kantáta, pocházející z počátku 17. století Itálie, začala jako sekulární dílo složené pro sólový hlas a basso continuo, s největší pravděpodobností určené k vystoupení na soukromých společenských setkáních. Mnoho z těchto děl bylo publikováno, což naznačuje, že byly provedeny profesionálními hudebníky i amatéry. V polovině století byly kantáty publikovány méně často, což naznačuje, že výkony byly stále více prováděny profesionály. Koncem 17. století začaly kantáty zahrnovat árii da capo a často měly orchestrální doprovod., Hlavní skladatelé v italské kantáty žánru patří Luigi Rossi, Antonio Cesti, Alessandro Stradella, a v první polovině 18. století Alessandro Scarlatti, Händel, Benedetto Marcello a Johann Adolf Hasse. Mimo Itálii, rozšiřuje žánr Luteránské moteto začal začlenění mnoha prvky italské kantáty, zejména techniky dramatický výraz jako recitativ a árie. Bachovy kantáty ukazují široký vliv svých italských protějšků.,
Instrumentální hudbu,
Sonata: Používá se popsat několik typů kusů v barokní době, termín sonáta nejčastěji určený pracovat v několika pohyby pro jeden nebo více nástrojů (nejčastěji housle) a bassocontinuo; sonáta pro dvoje housle nebo jiných výšek nástrojů a basový byl obvykle nazývá triové sonáty., Do 1650s, sonáty byly často klasifikovány buď jako sonáty da chiesa („církevní sonáty“), obvykle skládá ze čtyř pohybů střídavě pomalé a rychlé tempa a hrál v kostele, nebo sonáty da camera („chamber sonata“), která se skládala z řady tanců podobný suite. Příklady obou typů lze nalézt v dílech Corelli z konce 17. století. V 18. století, Telemann, Bach ahandel napsal četné sonáty modelované na Corelli sonatas da chiesa., Vzestup sólových sonát pro klávesové nástroje začíná koncem barokního období, včetně varhan (Bach) a cembalo (Handel, Domenico Scarlatti). Mezi další slavné příklady sólových sonát patří Bachova díla pro housle a violoncello bez doprovodu.
Koncert: odvozený z italského koncertu (spojit se, sjednotit), koncert měl během barokní éry několik podob. Až do počátku 18. století byl koncert jednoduše kompozicí, která spojovala různorodý soubor skládající se z hlasů, nástrojů nebo obojího., Posvátná díla pro hlasy a nástroje byla často nazývána koncerty, zatímco podobná světská díla byla obecně nazývána arie (airs), cantatas nebo musiche. Zatímco rozsáhlé posvátné koncerty lze nalézt v dílech Claudia Monteverdiho, intimnější skladby pro jeden až čtyři hlasy, continuo a další sólové nástroje byly mnohem běžnější. V Německu, nádherné příklady posvátné koncert lze nalézt v pracích Johann Hermann Schein, Michael Praetorius, Samuel Scheidt a Heinrich Schütz (zejména jeho Kleine geistliche Concerte, nebo „Malé Posvátné Koncerty,“ 1636-39).,
později v sedmnáctém století začal koncert převzít svou moderní definici: multimovmentové dílo pro instrumentálního sólistu (nebo skupinu sólistů) a orchestr. Užívání své tágo z canzonas a sonáty z konce šestnáctého a sedmnáctého století, který používá kontrastní skupiny nástrojů, k velkému efektu, concerto grosso střídá malá skupina sólistů s větším souboru. Díla Corelliho, zejména jeho kolekce op. 6, poskytují možná nejznámější příklady koncertu z konce 17. století grosso., Zatímco Corelliho děl byly zavedeny v 18. století, zejména v händelova Op. 6 kolekce, mnoho 18. století příklady concerto grosso ukazují rostoucí vliv sólový koncert (například, Braniborské Koncerty J. S. Bach).
dominantním typem koncertu v 18. století byl sólový koncert, který představoval jediný nástroj v kontrastu se souborem., Nejvíce plodný skladatel sólový koncert byl Antonio Vivaldi, který napsal přibližně 350 a založil koncert je standardní tři-pohyb formě (dva rychlé vnější pohyby, jeden střední pohyb v pomalejším tempu). Zatímco většina sólových koncertů byla napsána pro housle, populární byly také trubkové koncerty a koncerty byly také složeny pro violoncello, hoboj, flétnu a fagot. V 1730s, Händel napsal 16 varhanní koncerty, a Bacha také se skládá z několika koncertů pro cembalo přibližně ve stejnou dobu (většinou se jedná o uspořádání preexistent funguje).,
Suite: na základě tradičního párování tanců v renesanci byla sada prvním multi-pohybovým dílem pro nástroje. Souprava byla v podstatě série tanců ve stejném klíči, většina nebo všechny z nich ve dvoudílné podobě. Kolem poloviny 17. století v Německu posloupnost allemande, courante, sarabande a gigue stal poměrně standardní, i když další taneční pohyby, jako další allemandes nebo courantes,bourreés, gavottes a menuety, byly často vloženy. Většina apartmánů také začala úvodním pohybem, jako je předehra, ouverture nebo fantasia., Pro mnoho barokních skladatelů ztělesňovaly různé tance specifické postavy. V jeho Der volkommene Capellmeister (Kompletní Hudební Ředitel), 1739, německý teoretik Johann Matthesone dal seznam každý tanec charakter: menuet byla „mírná veselost,“ gavotte „jásající radost,“ bourreé „spokojenost,“ courante „doufám,“ sarabande „ambice“ a gigue by mohlo znamenat řadu emocí, od hněvu k těkavost., Barokní apartmá byly hodnoceny pro sólové nástroje a orchestr; ty, které napsal pro jednu nebo dvě melodie, nástroje a continuo jsou někdy pod názvem sonata da camera. Francouzské suity pro klávesnici jsou někdy nazývány ordres (jako v díle François Couperin, kteří vložili mnoho non-taneční pohyby včetně evokující charakter skic soudního personálu.
zpět na začátek
jaké to bylo zúčastnit se koncertu v barokní éře?
v moderní době je jít na koncert událostí., Slyšíme reklamu v rádiu nebo vidíme výpis v novinách; kupujeme lístky; jdeme do koncertní síně a tiše sedíme, dokud není čas tleskat. V barokní době byl tento druh veřejného koncertu vzácný. Mnoho z nejslavnějších barokních skladeb bylo provedeno v kostelech za službu nebo jako součást soukromého koncertu nebo oslavy v domě bohatého patrona. V průběhu baroka se však veřejná vystoupení stala běžnější, zejména v žánrech opery a oratoria, a naše moderní koncertní tradice se začala spojovat v mnoha evropských městech., Roger North popsal výkon v jednom z prvních koncertní série, pořádané v Londýně v 1670s:
první pokus byla nízká: projekt staré Zábradlí, který byl dobrý na housle, a divadelní skladatel. Otevřel obskurní místnost ve veřejném domě v bílých mniších; naplnil ji stoly a sedadly a vytvořil boční krabici se závěsy pro hudbu. Někdy choť, někdy sólo, housle, flageolet, bass viol, loutnu a zpěv po Italsku, a tyto odrůdy odkloněna společnosti, kteří zaplatili na cestě., Jeden šilink kus, volat za to, co se vám líbí, platit zúčtování, a vítejte pánové.
příchod veřejného koncertu učinil rostoucí střední třídu důležitým zdrojem příjmů pro hudebníky. Na konci baroka se tato společenská podmnožina stala hudebním patronem téměř stejně silným jako kostel nebo dvůr.
zpět na začátek
co přišlo po období baroka?
v polovině osmnáctého století byla napadena barokní myšlenka hudby jako formy rétoriky., Hudba měla úžasně silnou sílu vyjádřit i ty nejobtížnější koncepty – ale pouze ve své „nejpřirozenější“ podobě, kterou barokní éra údajně zamotala. Jako Johann Adolph Sakra řekl J. S. Bacha v roce 1737,
Tento velký muž by obdiv celé národy, když on dělal více občanské vybavenosti, pokud neměl odnést přirozený prvek v jeho kousky tím, že jim rozšířené a zmatený styl, a pokud neměl ztmavnout jejich krásu tím, že přebytek umění., Od té doby soudí podle své vlastní prsty, jeho kusy jsou velmi těžké hrát, protože požadavky, které zpěváků a instrumentalistů by měl být schopen dělat s jejich hrdla a nástroje, co umí hrát na clavier, ale to je nemožné… Vadnutí vedla od přirozeného k umělému, a ze vznešené k temné; a…jeden obdivuje zatěžující práce a neobvyklé úsilí—které jsou však marně zaměstnán, protože jsou v rozporu s Přírodou.,
Sakra je důraz na přehlednost a snadnost výkonu naráží na zásadní změnu v hudební estetice: v celé jeho invektiva, konečným arbitrem vkusu není Platóna nebo Aristotela, ale nakonec posluchači a umělci sami. Tento nový důraz na přímé melodické vyjádření a jasnou hudební architekturu ukazuje cestu ke klasickému období, věku Mozarta a Haydna.
zpět na začátek
barokní éra v moderní době
ačkoli barokní období skončilo před více než 250 lety, pozůstatky doby lze slyšet všude., Některé z nejvlivnějších a nejoblíbenějších skladeb jsou pravidelně prováděny v koncertních sálech a množství nahrávek zpřístupňuje baroko na vyžádání. Mnoho hudebních žánrů, které se dodnes používají, jako je oratorio, koncert a opera, vzniklo v tomto období. Skladatelé dvacátého století jako Ralph Vaughn Williams, Igor Stravinsky a Benjamin Britten vzdali hold baroku ve svých dílech., Jeho vliv lze dokonce slyšet mimo oblast umělecké hudby: volný pohyb mezi sólem a skupinou v jazzu je někdy srovnáván s barokní hudbou a úryvky Bacha a Vivaldiho se často objevují v sólech kytaristů heavy metalu. A duch baroka-neochvějná víra v sílu hudby dotýkat se lidských životů-navždy změnila hudební historii.
zpět nahoru