Geschichte der klassischen Musik

Mittelalter (c. 1150 – c. 1400)

Dies ist die erste Periode, in der wir anfangen können, ziemlich sicher zu sein, wie viel von der Musik, die überlebt hat eigentlich klang. Die früheste schriftliche weltliche Musik stammt aus dem 12. Jahrhundert Troubadours (in Form von Virelais, Estampies, Balladen, etc.,), aber die meisten notierten Manuskripte stammen von Orten des Lernens, die normalerweise mit der Kirche verbunden sind, und haben daher zwangsläufig eine religiöse Grundlage.

Gregorianische Gesänge und Klänge, die monodisch (d.h. als eine musikalische Linie geschrieben) sind, entwickelten sich im 11. bis 13. Jahrhundert allmählich zu Organum (d.h. zwei oder drei Linien, die sich gleichzeitig, aber unabhängig voneinander bewegen und daher fast unbeabsichtigt die Anfänge der Harmonie darstellen)., Organum wurde jedoch zunächst eher von starren Regeln für Melodie und Rhythmus erstickt, was letztlich zur sogenannten Ars Nova-Periode des 14.Jahrhunderts führte, die hauptsächlich von den Komponisten de Vitry, Machaut und Landini vertreten wurde.

Empfohlene Aufnahme:

Adorate Deum: Gregorian Chant from the Proper of the Mass Nova Schola Gregoriana
Naxos 8.550711

Siehe Mittelalter-Katalog

Renaissance (c.1400 – c.,1600)

Im fünfzehnten Jahrhundert wurden die Freiheiten erheblich erweitert, insbesondere in Bezug auf das, was tatsächlich als „Harmonie“ und „Polyphonie“ (gleichzeitige Bewegung von zwei oder drei miteinander verbundenen Teilen) wahrgenommen wird. Komponisten (obwohl sie kaum als solche wahrgenommen wurden) waren immer noch fast ausschließlich dem Chorschreiben gewidmet, und die wenigen Instrumentalkompositionen, die überlebt haben, erwecken oft den Eindruck (in vielen Fällen ganz genau), verschleierte Vokalwerke zu sein, aber abzüglich der Worte.,

Es gibt offensichtlich neue Freude an textlicher Vielfalt und Kontrast, so dass zum Beispiel ein bestimmter Textabschnitt durch einen stimmlichen Teil erweitert werden könnte, der vorübergehend ausfällt, nur um in einem besonderen Moment der Betonung wieder zurückzukehren. Die vier einflussreichsten Komponisten des fünfzehnten Jahrhunderts waren Dunstable, Ockeghem, Despres und Dufay.Jahrhunderts erlebten die Anfänge der Tradition, die viele Musikliebhaber gerne mit dem normalen Gefühl der „klassischen“ Musik verbinden., Allmählich entfernten sich die Komponisten von dem seit über 300 Jahren vorherrschenden modalen Harmoniesystem (das für einige moderne Ohren immer noch etwas archaisch klingt), hin zur Organisation ihres Werkes in Dur-und Moll-Tonleitern, wodurch das starke Gefühl vermittelt wurde, dass jedes Stück ein bestimmtes tonales Zentrum oder eine bestimmte Tonart hat.

Dies war auch so etwas wie eine goldene Zeit für die Chorkomposition, als ein scheinbar endloser Fluss von a Capella (unbegleiteten) Messen, Motetten, Hymnen, Psalmen und Madrigalen aus den Stiften der Meister der Zeit floss., Darüber hinaus entwickelte sich erstmals Instrumentalmusik, insbesondere Keyboard-Musik in Form von Fantasien, Variationen und Tanzbewegungen (Galliards, Pavanes etc.). Komponisten insbesondere zu beachten beinhalten Dowland, Tallis, Byrd, Gibbons, Frescobaldi, Palestrina, Victoria, Lassus, Alonso Lobo, Duarte Lobo, Cardoso und Gesualdo.

Barock (c.1600 – c.,1750)

Während der Barockzeit wurden die Grundlagen für die folgenden 300 Jahre musikalischen Ausdrucks gelegt: Die Idee des modernen Orchesters wurde geboren, zusammen mit der Oper (einschließlich Ouvertüre, Präludium, Arie, Rezitativ und Chor), dem Konzert, der Sonate und der modernen Kantate. Die eher weichkörnige Violinen-Familie der Renaissance wurde nach und nach durch die mutigere Violine, Bratsche und Cello ersetzt, das Cembalo wurde erfunden und in allen Instrumentalgruppen wurden wichtige Fortschritte erzielt.,

Bis etwa 1700 übten sich die alten Modi noch von Zeit zu Zeit durch Färbung bestimmter melodischer Linien oder Akkordfolgen aus, aber ab Anfang des 18.Jahrhunderts war das moderne harmonische System, das auf den Dur-und Moll-Tonleitern basierte, effektiv gesamteuropäisch., Die Chormusik dominierte nicht mehr, und als sich die Komponisten mehr und mehr dem Schreiben idiomatischer Instrumentalwerke für Ensembles zunehmender Farbe und Vielfalt zuwandten, begann sich die „klassische“ Musik (im Gegensatz zu „populär“) allmählich in das Gefüge der Gesellschaft einzuarbeiten, indem sie auf Dinnerpartys oder besonderen Anlässen (z. B. Händels Wassermusik) oder als Schauspiel in Form von Oper im Freien gespielt wurde., Auf rein häuslicher Ebene hätte jede wohlhabende Dame ein Spinett zum Spielen, und zu den Essenszeiten würden die großen und reichen Häuser Musiker einsetzen, um die im Volksmund Tafelmusik in Deutschland zu spielen, von denen Telemann vielleicht der berühmteste Komponist war.Jahrhundert den Weg für diese populäre Explosion der „klassischen“ Musik ebneten, waren folgende herausragend: Monteverdi, Corelli, Alessandro Scarlatti, Schutz, Buxtehude, Purcell und Lully., Doch die populärsten Komponisten dieser Zeit, die den Klang der Barockmusik in ihrer farbenfrohsten und raffiniertesten Form mit ihren Namen zu definieren scheinen, sind Johann Sebastian Bach, Händel, Telemann, Rameau, François Couperin, Domenico Scarlatti und Vivaldi, die alle in der ersten Hälfte des 18.

Siehe Barockzeit Katalogliste

Classical (c. 1750-c.,1830)

Die Barockzeit war Zeuge der Schaffung einer Reihe von Musikgenres, die die Komposition über Jahre hinweg festhielten, aber es war die klassische Periode, in der eine Form eingeführt wurde, die die Instrumentalkomposition bis heute dominiert: Sonatenform. Mit ihr kam die Entwicklung des modernen Konzerts, der Symphonie, der Sonate, des Trios und des Quartetts zu einem neuen Höhepunkt struktureller und expressiver Raffinesse. Wenn Barockmusik sich durch ihre textliche Komplexität auszeichnet, dann ist die klassische Periode durch eine fast Obsession mit struktureller Klarheit gekennzeichnet.,

Die Samen der Klassik wurden von einer Reihe von Komponisten gesät, deren Namen heute weitgehend vergessen sind, wie Schobert und Honnauer (beide Deutsche, die größtenteils in Paris tätig sind), sowie historisch angesehenere Namen, darunter Gluck, Boccherini und mindestens drei von Johann Sebastian Bachs Söhnen: Carl Phillip Emmanuel, Wilhelm Friedmann und Johann Christian(der sogenannte „Londoner“ Bach)., Sie waren repräsentativ für eine Periode, die verschiedentlich als Rokoko oder Galante bezeichnet wird, wobei ersteres eine allmähliche Abkehr von der Kunst des Hochbarock impliziert, letzteres ein völlig neuartiger Stil, der auf Symmetrie und Sensibilität basiert und die Musik der zweiten Hälfte des 18. beherrschte Jahrhundert durch zwei Komponisten von außergewöhnlicher Bedeutung: Joseph Haydn und Wolfgang Amadeus Mozart.

Siehe Klassik-Katalog Liste

Frühromantik (c. 1830-c.,1860)

Als die klassische Periode ihren Zenit erreichte, wurde immer deutlicher (besonders bei den späten Werken von Beethoven und Schubert), dass die Menge und Intensität des Ausdrucks, den Komponisten erreichen wollten, über das hinausging, was ein klassisch großes/gestaltetes Orchester/Klavier möglicherweise umfassen könnte. Die nächste Periode in der Musikgeschichte fand daher Komponisten, die versuchten, das Expressive und das Formale in der Musik mit einer Vielzahl von Ansätzen in Einklang zu bringen, die Komponisten jeden Alters völlig verwirrt hätten., Als sich die musikalische Landkarte öffnete und nationalistische Schulen auftauchten, war es die Suche nach Originalität und Individualität des Ausdrucks, die hier begann und im gegenwärtigen Jahrhundert zu einer solchen überfahrenen Besessenheit werden sollte.

Die Romantik war das goldene Zeitalter des Virtuosen, in dem die teuflisch schwierigste Musik mit nonchalanter Leichtigkeit aufgeführt und das harmloseste Thema in einer Komposition zum Vergnügen des anbetenden Publikums entwickelt wurde., Die emotionale Bandbreite der Musik wurde in dieser Zeit erheblich erweitert, ebenso wie ihr harmonisches Vokabular und die Bandbreite und Anzahl der Instrumente, die zum Spielen aufgerufen werden könnten. Musik hatte oft ein „Programm“ oder eine Handlung, die manchmal tragischer oder verzweifelnder Natur war und gelegentlich Naturphänomene wie Flüsse oder galoppierende Pferde darstellte. Die nächsten hundert Jahre würden Komponisten finden, die entweder die Ideale der Romantik von ganzem Herzen annehmen oder auf irgendeine Weise gegen sie reagieren.,Von den frühromantischen Komponisten verdienen zwei Nationalisten besondere Erwähnung, die russische Glinka (von Russlan und Ludmilla Ruhm) und die böhmische Smetana (Komponist des populären symphonischen Gedichts Moldau oder „Der Moldau“). Die sechs führenden Komponisten dieser Zeit waren zweifellos Berlioz, Chopin, Mendelssohn, Schumann, Liszt und Verdi.

Siehe Romantic Period Catalogue List

Late Romantic (c. 1860-c.,1920)

Mit Ausnahme von Brahms und Bruckner hatten Komponisten dieser Zeit eine allgemeine Tendenz, ihrer natürlichen Inspiration freien Lauf zu lassen und ihre Kompositionen oft mehr in Bezug auf ihren emotionalen Inhalt und ihre dramatische Kontinuität als auf organisches strukturelles Wachstum zu fördern. Dies war eine Ära, die durch das außerordentlich schnelle Erscheinen der nationalen Schulen und die Opernherrschaft von Verdi und Wagner hervorgehoben wurde., Das endgültige Ende der Romantik kam mit der Fragmentierung dieses Grundstils, Komponisten, die sich „Kompositionsschulen“ anschlossen, jeder mit einem Stil, der für kurze Zeit in Mode war.

Post ‚Great Kriegsjahre (um 1920 – heute)

Die Zeit seit dem Ersten Weltkrieg ist zweifellos die verwirrendste von allen, da Komponisten in verschiedene scheinbar widersprüchliche und entgegengesetzte Richtungen gezogen haben., Typisch für das Dilemma während der Zwischenkriegsjahre waren zum Beispiel die Österreicher Webern und Lehar, die erstere experimentierte mit der hochkomprimierten und fortschrittlichen Form, die als „serielle Struktur“ bekannt war, während Lehar sich gleichzeitig noch einem Operettenstil hingab, der über ein halbes Jahrhundert zuvor nicht fehl am Platz schien.

So vielfältig sind die Stilrichtungen, die im Laufe des größten Teils des heutigen Jahrhunderts angenommen wurden, dass die Zuhörer nur durch Experimente selbst entdecken können, ob bestimmte Komponisten ihrem besonderen Geschmack entsprechen oder nicht., Die folgenden Aufnahmen dienen jedoch als hervorragende Einführung und werden sicherlich Untersuchungen zurückzahlen:

Empfohlene Aufnahmen:

Antill: Corroboree ; Outback Ouvertüre
Naxos 8.570241
Britten: Der Führer des jungen Menschen zum Orchester; Prokofiev: Peter und der Wolf; Saint-Saens: Karneval der Tiere
Naxos 8.550499
Copland: Rodeo; Billy the Kid; Appalachian Spring; Fanfare for the Common Man
Naxos 8.,550282
Gershwin: Klavierkonzert; Rhapsodie in Blau; Ein Amerikaner in Paris
Naxos 8.550295
Orff: Carmina Burana
Naxos 8.550196
Prokofiev: Romeo und Julia (Highlights)
Naxos 8.5550380
Schostakowitsch: Symphonien Nr. 5 & 9
Naxos 8.550427
Strawinsky: Jeu des cartes; Rite of Spring (Version 1947)
Naxos 8.550472

Siehe 20. Katalog Liste

Avenir

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