Was ist Barockmusik?

Was ist „Barock“ und Wann war das Barock?

Abgeleitet vom portugiesischen Barroco, oder „seltsam geformte Perle“, ist der Begriff“ Barock “ seit dem neunzehnten Jahrhundert weit verbreitet, um die Zeit in der westeuropäischen Kunstmusik von etwa 1600 bis 1750 zu beschreiben. Der Vergleich einiger der größten Meisterwerke der Musikgeschichte mit einer missmutigen Perle mag uns heute seltsam erscheinen, aber für die Kritiker des neunzehnten Jahrhunderts, die den Begriff anwendeten, klang die Musik von Bach und Händels Ära übermäßig verziert und übertrieben., Nachdem „Barock“ längst seine abfälligen Konnotationen verloren hat, ist es jetzt einfach ein bequemer Fang für eine der reichsten und vielfältigsten Perioden der Musikgeschichte.

Neben der Herstellung der frühesten europäischen Musik, die den meisten von uns bekannt ist, einschließlich Pachelbels Kanon und Vivaldis Die vier Jahreszeiten, erweiterte die Barockzeit auch unseren Horizont erheblich. Jahrhunderts, dass sich die Planeten nicht um die Erde drehten, machte das Universum zu einem viel größeren Ort, während Galileos Arbeit uns half, den Kosmos besser kennenzulernen., Fortschritte in der Technologie, wie die Erfindung des Teleskops, ließen das, was als endlich galt, unendlich erscheinen. Große Denker wie Descartes, Hobbes, Spinoza und Locke haben sich den großen Existenzfragen gestellt. Genies wie Rubens, Rembrandt und Shakespeare boten durch ihre Kunst einzigartige Perspektiven. Die europäischen Nationen engagierten sich immer mehr für Außenhandel und Kolonisation und brachten uns in direkten Kontakt mit Teilen der Welt, die zuvor unbekannt waren., Und das Wachstum einer neuen Mittelschicht hauchte einer künstlerischen Kultur Leben ein, die lange von den Launen von Kirche und Hof abhängig war.

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Wer waren die großen Barockkomponisten und woher kamen sie?

Viele der bekannten Persönlichkeiten aus dem ersten Teil des Barock stammen aus Italien, darunter Monteverdi, Corelli und Vivaldi. Jahrhunderts verlagert sich unser Fokus auf die deutschen Komponisten Bach und Händel.) Viele der mit der Barockmusik identifizierten Formen stammten aus Italien, darunter Kantate, Konzert, Sonate, Oratorium und Oper., Obwohl Italien eine wichtige Rolle bei der Entwicklung dieser Genres spielte, erhöhten neue Konzepte dessen, was es als Nation bedeutete, den Imperativ eines „nationalen Stils.“Unterschiede zwischen den Nationen sind oft in der Musik aus dieser Zeit zu hören, nicht nur in der Art und Weise, wie Musik komponiert wurde, sondern auch in den Konventionen der Aufführung; Besonders offensichtlich war der Kontrast zwischen Italien und Frankreich. Während einige Länder scheinen heute ein größeres Stück unserer Erfahrung der Barockmusik zu beanspruchen, jedoch spielte jede Nation eine Rolle., Als Musiker und Komponisten durch ganz Europa reisten und die Musik des anderen hörten, machten die neuen Konventionen, denen sie begegneten, subtile Eindrücke auf sie. Einige der bekanntesten Komponisten aus dieser Zeit sind:

Italien: Monteverdi, Frescobaldi, Corelli, Vivaldi, Domenico und Alessandro Scarlatti

Frankreich: Couperin, Lully, Charpentier und Rameau

Deutschland: Praetorius, Schein, Scheidt, Schutz, Telemann, Händel und Bach

England: Purcell

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Was ist die Philosophie der Barockmusik?,

Obwohl eine einzige Philosophie 150 Jahre Musik aus ganz Europa nicht beschreiben kann, sind im Barock mehrere Konzepte wichtig.

Ein Glaube an die Musik als potentes Werkzeug der Kommunikation
Eine der wichtigsten philosophischen Strömungen in der Barockmusik kommt aus der Renaissance Interesse an Ideen aus dem antiken Griechenland und Rom. Die Griechen und Römer glaubten, dass Musik ein mächtiges Kommunikationsmittel sei und bei ihren Zuhörern Emotionen wecken könne., Als Ergebnis der Wiederbelebung dieser Ideen wurden sich die Komponisten zunehmend der potentiellen Kraft der Musik bewusst und kultivierten den Glauben, dass ihre eigenen Kompositionen ähnliche Effekte haben könnten, wenn sie die alte Musik richtig nachahmen.,jahrhundert,

Ich habe oft gehört, dass Sieur Claudin Le Jeune (der, ohne jemanden hören zu wollen, die Musiker vergangener Zeiten in seinem Verständnis dieser Dinge weit übertroffen hat) sagte, dass er eine Luft gesungen hatte (die er in Teilen komponiert hatte)…und dass, als diese Luft bei einem privaten Konzert geprobt wurde, ein Herr dort Hand in die Arme legte und anfing, laut zu fluchen, so dass es unmöglich schien, dies zu verhindern.er von jemandem angreifen: woraufhin Claudin begann, eine andere Luft zu singen…was den Herrn so ruhig wie zuvor machte., Dies wurde mir seitdem von mehreren bestätigt, die dort waren. So ist die Kraft und Kraft von Melodie, Rhythmus und Harmonie über den Geist.

1605 definierte der italienische Komponist Claudio Monteverdi tatsächlich eine“ erste „und“ zweite “ Praxis: In der ersten hatten Harmonie und Kontrapunkt Vorrang vor dem Text; In der zweiten übertraf die Notwendigkeit, die Bedeutung der Wörter auszudrücken, jedes andere Anliegen. Im Barock dominierte der Geist der zweiten Praxis—die Kraft der Musik zur Kommunikation—die Ära.,

Die Realitäten der Schirmherrschaft
Jede Diskussion über eine barocke Komponisten Künstlerische Philosophie sollte temperiert werden, zumindest geringfügig, von der Realität Ihres Lebens. In der Neuzeit verdienen Künstler häufig ihren Lebensunterhalt damit, genau die Art von Kunst zu produzieren, zu der sie bewegt werden. Dementsprechend denken wir oft an den Künstler—und den Grad seiner künstlerischen Inspiration—als Ausgangspunkt für ein Kunstwerk. Während eines großen Teils der Barockzeit verdienten Komponisten jedoch nur dann ihren Lebensunterhalt mit dem Schreiben von Musik, wenn sie das Glück hatten, auf der Gehaltsliste einer politischen oder religiösen Institution zu stehen., Die musikalischen Bedürfnisse dieser Institution diktierten daher die Musik, die der Komponist produzierte. Bach schrieb die Anzahl der Kantaten, die er zum Beispiel machte, nicht unbedingt, weil er die Form inspirierend fand, sondern wegen der liturgischen Forderungen der Leipziger Kirche, die ihn beschäftigte. In diesem Licht betrachtet, kann Barockmusik ein faszinierendes Fenster in die Geschichte bieten.

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Was zeichnet Barockmusik aus?

Das neue Interesse an der Musik dramatischen und rhetorischen Möglichkeiten gab Anlass zu einer fülle von neuen sound-ideale in der Zeit des Barock.,

Kontrast als dramatisches Element
Kontrast ist ein wichtiger Bestandteil im Drama einer barocken Komposition. Die Unterschiede zwischen Laut und leise, Solo und Ensemble (wie im Konzert), verschiedenen Instrumenten und Klangfarben spielen in vielen Barockkompositionen eine wichtige Rolle. Komponisten begannen auch präziser über die Instrumentierung zu sein und spezifizierten oft die Instrumente, auf denen ein Stück gespielt werden sollte, anstatt dem Interpreten die Auswahl zu ermöglichen. Auch brillante Instrumente wie Trompete und Geige erfreuten sich wachsender Beliebtheit.,

Monodie und das Aufkommen des Basso Continuo
In früheren musikalischen Epochen bestand ein Musikstück eher aus einer einzigen Melodie, vielleicht mit einer improvisierten Begleitung, oder mehreren gleichzeitig gespielten Melodien. Erst in der Barockzeit begann sich das Konzept von „Melodie“ und „Harmonie“ wirklich zu artikulieren. Im Rahmen der Bemühungen, alte Musik nachzuahmen, konzentrierten sich die Komponisten weniger auf die komplizierte Polyphonie, die das fünfzehnte und sechzehnte Jahrhundert dominierte, als vielmehr auf eine einzelne Stimme mit einer vereinfachten Begleitung oder Monodie., Wenn Musik eine Form der Rhetorik war, wie die Schriften der Griechen und Römer zeigen, ist ein mächtiger Redner notwendig—und wer ist besser für den Job als ein Gesangssolist? Die neue Verschmelzung zwischen dem Ausdruck des Gefühls und dem Solosänger kommt laut und deutlich in Monteverdis Vorwort zum Combattimento di Tancredi e Clorinda aus seinem achten Buch der Madrigale (1638) zum Ausdruck, in dem er schreibt: „Es scheint mir, dass die Hauptleidenschaften oder Zuneigungen unseres Geistes drei sind, nämlich Wut, Gleichmut und Demut., Die besten Philosophen sind sich einig, und die Natur unserer Stimme mit ihren hohen, niedrigen und mittleren Bereichen würde so viel anzeigen.“Die frühesten Opern sind ein hervorragendes Beispiel für diese neue ästhetik.

Zusammen mit der Betonung einer einzelnen Melodie und Basslinie kam die Praxis des Basso Continuo, eine Methode der Notenschrift, in der die Melodie und Basslinie ausgeschrieben sind und der harmonische Füllstoff in einer Art Kurzschrift angegeben ist., Wie der italienische Musiker Agostino Agazzari 1607 erklärte:

Da der wahre Stil des Ausdrucks der Wörter endlich gefunden wurde, nämlich indem sie ihren Sinn bestmöglich reproduzieren, was am besten mit einer einzigen Stimme (oder nicht mehr als ein paar) gelingt, wie in den modernen Lüften von verschiedenen fähigen Männern, und wie es in Rom ständig praktiziert wird konzertierte Musik, sage ich, dass es nicht notwendig ist, eine Partitur zu machen… Ein Bass mit seinen Zeichen für die harmonien, ist genug., Aber wenn mir jemand sagen würde, dass für das Spielen der alten Werke voller Fugen und Kontrapunkte ein Bass nicht ausreicht, dann ist meine Antwort, dass solche Gesangswerke nicht mehr verwendet werden.

Da Basso continuo oder gründlicher Bass bis zum Ende der Barockzeit gängige Praxis blieb, wird die Ära manchmal als „Zeitalter des gründlichen Basses“ bezeichnet.“

Verschiedene Instrumentalklänge
Nachdem sie jahrzehntelang ignoriert wurden, ist Barockmusik in den letzten fünfzig Jahren immer beliebter geworden., Im Rahmen dieses neuen Interesses haben Wissenschaftler und Musiker unzählige Stunden damit verbracht, herauszufinden, wie die Musik für das Publikum des 17.und 18. Während wir nie in der Lage sein werden, eine Aufführung genau nachzubilden, hat ihre Arbeit mehrere große Unterschiede zwischen Barock-und modernen Ensembles entdeckt:

Tonhöhe: 1939 stimmten moderne Orchester zu, a’=440hz (die Note A lag bei 440 Takten pro Sekunde) zu stimmen, was eine zuvor niedrigere Tonhöhe (a’=435hz) ersetzte, die 1859 angenommen wurde. Vor 1859 gab es jedoch keine pitch-standard., Die Note, auf die Barockensembles stimmten, variierte daher zu verschiedenen Zeiten und an verschiedenen Orten. Infolgedessen klang die Musik, die in einer Partitur notiert wurde, möglicherweise bis zu einem halben Ton niedriger als heute. Um diese Diskrepanz zu ermöglichen, passen viele Barockensembles ihre Stimmung an das Repertoire an: a ‚= 415hz für spätbarocke Musik, a’=392hz für französische Musik, a’=440hz für frühe italienische Musik und a’=430hz für klassisches Repertoire.,

Timbre: Während die meisten Instrumente in einem Barockensemble bekannt sind, gibt es einige prominente Mitglieder, die in modernen Ensembles nicht mehr vorkommen. Das Cembalo war das primäre Tasteninstrument (und ein wichtiges Mitglied der Continuo-Gruppe), und Instrumente, die im 16.und 17. Variationen in Instrumenten, die heute noch beliebt sind, gaben dem Barockensemble auch einen anderen Klang., Streichinstrumente wie Violine, Bratsche und Cello verwendeten eher Darmsaiten als die in Metall gehüllten Saiten, mit denen sie heute bespannt sind, und gaben ihnen beispielsweise einen weicheren, süßeren Ton.

Aufführungstechnik: Eine barocke Partitur enthält wenig (wenn überhaupt) Informationen über Elemente wie Artikulation, Ornamentik oder Dynamik, und so müssen moderne Ensembles vor jeder Aufführung ihre eigenen fundierten Entscheidungen treffen., Mechanische Unterschiede zwischen barocken und modernen Instrumenten deuten auch darauf hin, dass die älteren Instrumente anders geklungen hätten, so dass Ensembles wie Musik des Barock oft ihre Technik anpassen, um dies zu ermöglichen. Da sich Barock und moderne Bögen strukturell unterscheiden, verwenden Streicher, die moderne Bögen verwenden, oft einen sanfteren Angriff auf die Saite und Crescendos und Diminuendos auf längere Noten., jahrhunderts implizieren auch, dass Fingervibrato (eine Technik, bei der ein Streichspieler seine Fingerspitze auf die Saite rockt, um den Ton zu bereichern) sparsam für expressive Momente verwendet wurde, während Bogenvibrato (eine wellenförmige Bewegung des Bogens) im Allgemeinen bevorzugt wurde.

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Welche musikalischen Formen prägten das Barock?

Während weiterhin Formen früherer Epochen verwendet wurden, wie die Motette oder bestimmte Tänze, löste das Interesse an Musik als Rhetorik die Entwicklung neuer Genres, insbesondere im Bereich der Vokalmusik, aus., Viele der mit dem Barock verbundenen Formen kommen direkt aus diesem neuen dramatischen Impuls, insbesondere Oper, Oratorium und Kantate. Im Bereich der Instrumentalmusik führten der Kontrastbegriff und der Wunsch, großformatige Formen zu schaffen, zu Konzert, Sonate und Suite.

Vokalmusik

Oper: Ein Drama, das hauptsächlich gesungen, von Instrumenten begleitet und auf der Bühne präsentiert wird. Opern wechseln typischerweise zwischen rezitativen, sprachähnlichen Liedern, die die Handlung vorantreiben, und Arien, Liedern, in denen Charaktere Gefühle an bestimmten Punkten der Handlung ausdrücken., Chöre und Tänze sind ebenfalls häufig enthalten. Jahrhunderts wird oft mit den Aktivitäten einer Gruppe von Dichtern, Musikern und Gelehrten in Florenz in Verbindung gebracht, die heute als Florentiner Camerata bekannt sind. Die erste erhaltene Oper war Jacopo Peris Dafne, basierend auf einem Libretto von Ottavio Ruccini und 1598 in Florenz aufgeführt; Die früheste Oper, die noch heute aufgeführt wird, ist Claudio Monteverdis Orfeo (1607)., Die Themen der ersten Opern stammen alle aus dem griechischen Mythos und spiegeln die engen Allianzen des Genres mit Versuchen wider, die Musik und das Drama antiker Kulturen nachzubilden, und wurden ausschließlich in aristokratischen Kreisen für geladene Gäste aufgeführt.

Als 1637 in Venedig die ersten öffentlichen Opernhäuser eröffnet wurden, wurde das Genre an die Vorlieben des Publikums angepasst. Solosänger nahmen eine Art Berühmtheit an, und infolgedessen wurde mehr Wert auf die Arie gelegt. Rezitativ wurde weniger wichtig, und Chöre und Tänze verschwanden praktisch aus der italienischen Oper., Die finanziellen Realitäten der Inszenierung häufiger Opernproduktionen wirkten sich ebenfalls aus. Die spektakulären Bühneneffekte, die mit der Oper am Hof verbunden waren, wurden stark heruntergespielt, und Libretti wurden gebaut, um die szenischen Geräte zu nutzen. Jahrhundert (insbesondere in Neapel) wurden zwei Subgenres der Oper offensichtlich: Opera seria, in der der Schwerpunkt auf ernsten Themen lag, und die da Capo Arie, und Opera Buffa, die einen leichteren, sogar komischen Ton hatte und manchmal Duette, Trios und größere Ensembles verwendete. Die italienische Operntradition dominierte allmählich die meisten europäischen Länder., Jahrhunderts schufen der in Italien geborene Jean-Baptiste Lully und der Librettist Philippe Quinault eine einzigartige französische Version der Oper, die als Tragédie-Lyrique bekannt ist.

Oratorium: Ein erweitertes Musikdrama mit einem Text, der auf religiösen Themen basiert und für Aufführungen ohne Kulisse, Kostüm oder Handlung bestimmt ist. Oratorium bedeutete ursprünglich Gebetshalle, ein Gebäude neben einer Kirche, die als Ort für religiöse Erfahrungen anders als die Liturgie entworfen wurde., Obwohl es im Motetten-und Madrigalrepertoire Präzedenzfälle für das Oratorium des späten sechzehnten Jahrhunderts gibt, entstand das Oratorium als eigenständiges Musikgenre inmitten der hervorragenden Akustik dieser Räume in den frühen 1600er Jahren. Mitte des 17. Jahrhunderts wurden Oratorien in Palästen und öffentlichen Theatern aufgeführt und wurden Opern immer ähnlicher, obwohl das Thema, die Aufteilung in zwei Teile (anstatt in drei Akten) und das Fehlen von inszenierten Handlungen es immer noch auszeichnen., Einige der Komponisten, die mit dem Genre in Italien verbunden sind, sind Giocomo Carissimi, Alessandro Scarlatti und Antonio Vivaldi. Das Oratorium wurde auch in anderen Teilen Europas immer beliebter. Im protestantischen Deutschland verschmolz dramatische Musik, die für die lutherische Kirche komponiert wurde, allmählich mit Elementen des Oratoriums, insbesondere bei der Einbeziehung nichtbiblischer Texte. Die Oratorium-Passion, wie sie genannt wurde, gipfelte in den großen Werken von J. S. Bach., Andere bekannte Beispiele außerhalb Italiens sind die englischen Oratorien von George Frideric Händel, der das Genre in London aufgrund der englischen Abneigung gegen italienische Oper populär machte. Werke wie Messias, Israel in Ägypten und Judas Makkabäus bleiben bis heute Publikumslieblinge.

Kantate: ein ausgedehntes Stück, bestehend aus einer Abfolge von Rezitativen und Satzstücken wie Arien, Duetten und Chören., Jahrhundert, begann die Kantate als weltliches Werk für Solostimme und Basso Continuo, das höchstwahrscheinlich für Auftritte bei privaten gesellschaftlichen Zusammenkünften gedacht war. Viele dieser Werke wurden veröffentlicht, was darauf hindeutet, dass sie von professionellen Musikern und Amateuren gleichermaßen aufgeführt wurden. Bis zur Mitte des Jahrhunderts wurden Kantaten seltener veröffentlicht, was darauf hindeutet, dass Aufführungen zunehmend von Profis durchgeführt wurden. Jahrhunderts begannen Kantaten mit der Arie da Capo und hatten oft Orchesterbegleitungen., Wichtige Komponisten der italienischen Kantate sind Luigi Rossi, Antonio Cesti, Alessandro Stradella und in der ersten Hälfte des 18.Jahrhunderts Alessandro Scarlatti, Händel, Benedetto Marcello und Johann Adolf Hasse. Außerhalb Italiens begann das wachsende Genre der lutherischen Motette, viele Elemente der italienischen Kantate einzubeziehen, insbesondere Techniken des dramatischen Ausdrucks wie Rezitativ und Arie. Bachs viele Kantaten zeigen den weitreichenden Einfluss ihrer italienischen Pendants.,

Instrumentalmusik

Sonate: Um verschiedene Arten von Stücken im Barock zu beschreiben, bezeichnete der Begriff Sonate am häufigsten ein Werk in mehreren Sätzen für ein oder mehrere Instrumente (am häufigsten Violinen) und Bassocontinuo; Eine Sonate für zwei Violinen oder andere Höheninstrumente plus Bass wurde normalerweise als Triosonate bezeichnet., In den 1650er Jahren wurden Sonaten oft entweder als Sonaten da chiesa („Kirchensonaten“) klassifiziert, die normalerweise aus vier Sätzen bestehen, die zwischen langsamen und schnellen Tempi wechseln und in der Kirche aufgeführt werden, oder Sonaten da camera („Kammersonate“), die aus einer Reihe von Tänzen bestanden, die der Suite ähnelten. Beispiele für beide Arten finden sich in den Werken von Corelli aus dem späten 17. Jahrhundert schrieben Telemann, Bach und Handel zahlreiche Sonaten nach dem Vorbild von Corellis Sonaten da chiesa., Der Aufstieg zur Bekanntheit von Solosonaten für Tasteninstrumente beginnt spät in der Barockzeit, einschließlich derjenigen für Orgel (Bach) und Cembalo (Händel, Domenico Scarlatti). Weitere berühmte Beispiele für Solosonaten sind Bachs Werke für unbegleitete Geige und Violoncello.

Konzert: Abgeleitet vom italienischen Concertare (zusammenfügen, vereinigen) nahm das Konzert während der Barockzeit verschiedene Formen an. Jahrhundert war ein Konzert einfach eine Komposition, die ein vielfältiges Ensemble aus Stimmen, Instrumenten oder beidem vereinte., Sakrale Werke für Stimmen und Instrumente wurden oft als Konzerte bezeichnet, während ähnliche weltliche Werke im Allgemeinen als Arie (Airs), Kantaten oder Musiche bezeichnet wurden. Während in den Werken von Claudio Monteverdi große sakrale Konzerte zu finden sind, waren intimere Kompositionen für ein bis vier Stimmen, Continuo und zusätzliche Soloinstrumente weitaus häufiger. In Deutschland finden sich wunderbare Beispiele für das sakrale Konzert in den Werken von Johann Hermann Schein, Michael Praetorius, Samuel Scheidt und Heinrich Schütz (insbesondere in seinem Kleinen geistlichen Konzert von 1636-39).,Jahrhundert begann das Konzert seine moderne Definition anzunehmen: ein Multimovement-Werk für Instrumentalsolisten (oder eine Gruppe von Solisten) und Orchester. Ausgehend von den Canzonas und Sonaten des späten sechzehnten und siebzehnten Jahrhunderts, die kontrastierende Instrumentengruppen mit großer Wirkung verwendeten, wechselt das concerto grosso eine kleine Gruppe von Solisten mit einem größeren Ensemble. Die Werke von Corelli, insbesondere seine Sammlung Op. 6, sind vielleicht die bekanntesten Beispiele für das Concerto grosso aus dem späten 17., Während Corellis Werke im 18. Jahrhundert emuliert wurden, vor allem in Händels Sammlung Op. 6, zeigen viele Beispiele des Concerto grosso aus dem 18. Jahrhundert den zunehmenden Einfluss des Solokonzerts (zum Beispiel die Brandenburgischen Konzerte von J. S. Bach).

Die dominanteste Art des Konzerts im 18. Jahrhundert war das Solokonzert mit einem einzigen Instrument im Gegensatz zu einem Ensemble., Der produktivste Komponist des Solokonzerts war Antonio Vivaldi, der ungefähr 350 schrieb und die Standardform des Konzerts mit drei Sätzen festlegte (zwei schnelle äußere Sätze, ein mittlerer Satz in einem langsameren Tempo). Während die meisten Solokonzerte für Violine geschrieben wurden, waren auch Trompetenkonzerte beliebt, und Konzerte wurden auch für Cello, Oboe, Flöte und Fagott komponiert. In den 1730er Jahren schrieb Händel 16 Orgelkonzerte, und Bach komponierte auch mehrere Konzerte für Cembalo zur gleichen Zeit (die meisten davon sind Arrangements von bereits existierenden Werken).,

Suite: Basierend auf der traditionellen Paarung von Tänzen in der Renaissance war die Suite das erste mehrsätzige Werk für Instrumente. Die Suite war im Wesentlichen eine Reihe von Tänzen in der gleichen Tonart, die meisten oder alle in zweiteiliger Form. Jahrhunderts wurde in Deutschland die Abfolge von Allemande, Courante, Sarabande und Gigue relativ Standard, obwohl andere Tanzbewegungen, wie zusätzliche Allemandes oder Courantes,Bourreés, Gavottes und Menuette, oft eingefügt wurden. Die meisten Suiten begannen auch mit einem einleitenden Satz wie einem Präludium, Ouverture oder Fantasia., Für viele Barockkomponisten verkörperten die verschiedenen Tänze bestimmte Charaktere. In seinem Der volkommene Capellmeister (Der komplette Musikdirektor), 1739, gab der deutsche Theoretiker Johann Mattheson eine Liste des Charakters jedes Tanzes: Das Menuett war „moderate Fröhlichkeit“, die Gavotte „jubelnde Freude“, die Bourreé „Zufriedenheit“, die Courante „Hoffnung“, die Sarabande „Ehrgeiz“ und die Gigue könnten eine Reihe von Emotionen bedeuten, die von Wut bis hin zu Flightiness reichen., Barocksuiten wurden sowohl für Soloinstrumente als auch für Orchester gewertet; Diejenigen, die für ein oder zwei Melodieinstrumente und Continuo geschrieben wurden, tragen manchmal den Titel sonata da camera. Französische Suiten für Keyboard werden manchmal Ordres genannt (wie in den Werken von François Couperin, der viele Nicht-Tanzbewegungen einfügte, einschließlich eindrucksvoller Charakterskizzen des Hofpersonals.

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Wie war es, ein Konzert im Barock zu besuchen?

In der heutigen Zeit ist es ein Ereignis, zu einem Konzert zu gehen., Wir hören eine Anzeige im Radio oder sehen eine Auflistung in der Zeitung; wir kaufen Tickets; Wir gehen in einen Konzertsaal und sitzen ruhig, bis es Zeit ist zu applaudieren. In der Barockzeit war diese Art von öffentlichem Konzert selten. Viele der berühmtesten Barockkompositionen wurden in Kirchen für einen Gottesdienst oder als Teil eines privaten Konzerts oder einer Feier im Haus eines wohlhabenden Gönners aufgeführt. Im Laufe des Barock wurden öffentliche Aufführungen jedoch häufiger, insbesondere in den Genres Oper und Oratorium, und unsere moderne Konzerttradition begann sich in vielen europäischen Städten zu vereinigen., Wie Roger North eine Aufführung in einer der frühesten Konzertreihen beschrieb, die in den 1670er Jahren in London organisiert wurde:

Der erste Versuch war niedrig: ein Projekt von Old Banister, der eine gute Geige war, und ein Theaterkomponist. Er öffnete einen obskuren Raum in einem öffentlichen Haus in weißen Brüdern; füllte es mit Tischen und Sitzen, und machte eine Seitenbox mit Vorhängen für die Musik. Manchmal consort, manchmal Soli, der Violine, Flageolet, Bass viol, Laute und Lied all ‚ Italiana, und solche Sorten umgeleitet die Firma, die bezahlt bei coming in., Einen Schilling, ein Stück, rufen Sie, was Sie bitte, bezahlen die Quittung und Willkommen meine Herren.

Das Aufkommen des öffentlichen Konzerts machte die wachsende Mittelschicht zu einer wichtigen Einnahmequelle für Musiker. Bis zum Ende des Barock war diese soziale Untergruppe zu einem musikalischen Schutzpatron geworden, der fast so mächtig war wie die Kirche oder der Hof.

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Was kam nach dem Barock?Jahrhunderts wurde die barocke Idee der Musik als eine Form der Rhetorik angegriffen., Musik hatte eine wunderbar starke Kraft, selbst die schwierigsten Konzepte auszudrücken-aber nur in ihrer „natürlichsten“ Form, die die Barockzeit angeblich durcheinander gebracht hatte. Wie Johann Adolph Scheibe 1737 von J. S. Bach sagte,

Dieser große Mann wäre die Bewunderung ganzer Nationen, wenn er mehr zugänglich machen würde, wenn er das natürliche Element in seinen Stücken nicht wegnehmen würde, indem er ihnen einen turgiden und verwirrten Stil gäbe und wenn er ihre Schönheit nicht durch einen Überschuss an Kunst verdunkeln würde., Da er nach seinen eigenen Fingern urteilt, sind seine Stücke äußerst schwierig zu spielen; denn er verlangt, dass Sänger und Instrumentalisten mit ihren Kehlen und Instrumenten alles tun können, was er auf dem Clavier spielen kann, aber das ist unmöglich… Turgidität hat vom Natürlichen zum Künstlichen und vom Erhabenen zum Düsteren geführt; und…man bewundert die mühsame Arbeit und den ungewöhnlichen Aufwand—die jedoch vergeblich eingesetzt werden, da sie der Natur widersprechen.,

Scheibes Beharren auf Klarheit und Leichtigkeit der Aufführung deutet auf eine wesentliche Veränderung der musikalischen Ästhetik hin: Während seiner Diatribe ist nicht Platon oder Aristoteles der letzte Geschmacksschiedsrichter, sondern letztlich die Zuhörer und Interpreten selbst. Diese neue Betonung des direkten melodischen Ausdrucks und der klaren musikalischen Architektur weist den Weg in die Klassik, in die Zeit von Mozart und Haydn.

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Die Barockzeit in der Neuzeit

Obwohl die Barockzeit vor über 250 Jahren endete, sind überall Überreste der Ära zu hören., Einige der einflussreichsten und beliebtesten Kompositionen werden regelmäßig in Konzertsälen aufgeführt, und eine Fülle von Aufnahmen macht das Barock auf Anfrage verfügbar. Viele der heute noch verwendeten Musikgenres wie Oratorium, Konzert und Oper stammen aus dieser Zeit. Komponisten des 20. Jahrhunderts wie Ralph Vaughn Williams, Igor Strawinsky und Benjamin Britten huldigten in ihren Werken dem Barock., Sein Einfluss ist sogar außerhalb der Kunstmusik zu hören: Die freie Bewegung zwischen Solo und Gruppe im Jazz wird manchmal mit Barockmusik verglichen, und Schnipsel von Bach und Vivaldi treten häufig in den Soli von Heavy-Metal-Gitarristen auf. Und der Geist des Barock—ein unerschütterlicher Glaube an die Kraft der Musik, das Leben der Menschen zu berühren-veränderte die Musikgeschichte für immer.

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