ce este „barocul” și când a fost perioada barocă?
derivat din portugheză barroco, sau ” ciudat în formă de perla, „termenul” baroc ” a fost utilizat pe scară largă încă din secolul al XIX-lea pentru a descrie perioada în muzica de Artă din Europa de vest de la aproximativ 1600 la 1750. Comparând unele dintre cele mai mari capodopere ale istoriei muzicii cu o perlă diformă ar putea părea ciudat pentru noi astăzi, dar criticilor din secolul al XIX-lea care au aplicat termenul, muzica din epoca lui Bach și Handel a sunat prea ornamentată și exagerată., După ce și-a vărsat mult timp conotațiile derogatorii, „barocul” este acum pur și simplu o captură convenabilă pentru una dintre cele mai bogate și mai diverse perioade din istoria muzicii.
pe lângă faptul că a produs cea mai veche Muzică Europeană familiară pentru majoritatea dintre noi, inclusiv canonul lui Pachelbel și cele patru anotimpuri ale lui Vivaldi, epoca barocă ne-a extins foarte mult orizonturile. Acceptarea lui Copernic al 16-lea teoria că planetele nu se rotesc în jurul pământului a făcut un univers mult mai mare loc, în timp ce Galileo lucru ne-a ajutat să ne cunoaștem mai bine cu cosmosul., Progresele tehnologice, cum ar fi inventarea telescopului, au făcut ca ceea ce se credea a fi finit să pară infinit. Mari gânditori precum Descartes, Hobbes, Spinoza și Locke au abordat marile întrebări ale existenței. Genii precum Rubens, Rembrandt și Shakespeare au oferit perspective unice prin arta lor. Națiunile europene s-au implicat din ce în ce mai mult în comerțul exterior și colonizarea, aducându-ne în contact direct cu părți ale globului care anterior nu erau cunoscute., Iar creșterea unei noi clase de mijloc a suflat viața într-o cultură artistică mult dependentă de capriciile Bisericii și Curții.
Back To Top
cine erau marii compozitori baroci și de unde proveneau?multe dintre personalitățile cunoscute din prima parte a perioadei baroce provin din Italia, inclusiv Monteverdi, Corelli și Vivaldi. (Până la mijlocul secolului al XVIII – lea, accentul nostru se îndreaptă către compozitorii germani Bach și Handel.) Multe dintre formele identificate cu muzica barocă își au originea în Italia, inclusiv cantata, concertul, sonata, oratoriul și opera., Deși Italia a jucat un rol vital în dezvoltarea acestor genuri, noile concepte despre ceea ce înseamnă a fi o națiune au sporit imperativul unui „stil național.”Diferențele dintre națiuni sunt adesea auzite în muzica din acea perioadă, nu numai în modul în care a fost compusă muzica, ci și în Convențiile de interpretare; deosebit de evident a fost contrastul dintre Italia și Franța. În timp ce anumite țări par să pretindă o bucată mai mare din experiența noastră de muzică barocă astăzi, cu toate acestea, fiecare națiune a jucat un rol., Pe măsură ce muzicienii și compozitorii au călătorit în toată Europa și și-au auzit reciproc muzica, noile convenții pe care le-au întâlnit au făcut impresii subtile asupra lor. Italia: Monteverdi, Frescobaldi, Corelli, Vivaldi, Domenico și Alessandro Scarlatti Franța: Couperin, Lully, Charpentier și Rameau Germania: Praetorius, Schein, Scheidt, Schutz, Telemann, Handel și Bach Anglia: Purcell
care este filozofia muzicii baroce?,deși o singură filozofie nu poate descrie 150 de ani de muzică din toată Europa, mai multe concepte sunt importante în perioada barocă.o credință în muzică ca un instrument puternic de comunicare
unul dintre principalele curente filosofice în muzica barocă provine din interesul renascentist pentru ideile din Grecia antică și Roma. Grecii și romanii au crezut că muzica a fost un instrument puternic de comunicare și ar putea trezi orice emoție în ascultătorii săi., Ca urmare a Renașterii acestor idei, compozitorii au devenit din ce în ce mai conștienți de puterea potențială a muzicii și au cultivat convingerea că propriile compoziții ar putea avea efecte similare dacă ar emula corect muzica antică.,ance în secolul al xvi-lea,
am ofttimes auzit spus de Sieur de Tip Le Jeune (care are, fără a dori să respingi pe cineva, de departe depășit de muzicieni de-a lungul istoriei în înțelegerea lui de aceste aspecte) că el a cântat un aer (care a compus-o în piese)…și că atunci când acest aer a fost repetat la un concert privat a provocat un domn de acolo să pună mâna pe arme și să înceapă injura cu voce tare, astfel încât se părea imposibil să-l împiedice de la a ataca pe cineva: după ce de Tip a început să cânte un alt aer…care a făcut domn la fel de calm ca înainte., Acest lucru mi-a fost confirmat de câțiva care au fost acolo. Aceasta este puterea și forța melodiei, ritmului și armoniei asupra minții.
unul dintre principalele curente filosofice în muzica barocă provine din interesul renascentist pentru ideile din Grecia antică și Roma. Grecii și romanii au crezut că muzica a fost un instrument puternic de comunicare și ar putea trezi orice emoție în ascultătorii săi., Ca urmare a Renașterii acestor idei, compozitorii au devenit din ce în ce mai conștienți de puterea potențială a muzicii și au cultivat convingerea că propriile compoziții ar putea avea efecte similare dacă ar emula corect muzica antică.,ance în secolul al xvi-lea,
am ofttimes auzit spus de Sieur de Tip Le Jeune (care are, fără a dori să respingi pe cineva, de departe depășit de muzicieni de-a lungul istoriei în înțelegerea lui de aceste aspecte) că el a cântat un aer (care a compus-o în piese)…și că atunci când acest aer a fost repetat la un concert privat a provocat un domn de acolo să pună mâna pe arme și să înceapă injura cu voce tare, astfel încât se părea imposibil să-l împiedice de la a ataca pe cineva: după ce de Tip a început să cânte un alt aer…care a făcut domn la fel de calm ca înainte., Acest lucru mi-a fost confirmat de câțiva care au fost acolo. Aceasta este puterea și forța melodiei, ritmului și armoniei asupra minții.
în 1605, compozitorul Italian Claudio Monteverdi a definit de fapt o practică „prima” și „a doua”: în prima, armonia și contrapunctul au avut prioritate față de text; în a doua, nevoia de a exprima sensul cuvintelor a depășit orice altă preocupare. În baroc, spiritul celei de—a doua practici—folosind puterea muzicii de a comunica-a ajuns să domine Epoca.,realitățile patronajului orice discuție despre filosofia artistică a unui compozitor baroc trebuie temperată, cel puțin ușor, de realitatea vieții lor. În timpurile moderne, artiștii își câștigă frecvent existența producând exact genul de artă pe care sunt mutați să o creeze. În consecință, ne gândim adesea la artist—și la gradul de inspirație artistică-ca punct de plecare pentru o operă de artă. De-a lungul unei mari părți a erei baroce, compozitorii și-au câștigat viața scriind muzică doar dacă au fost suficient de norocoși să fie pe statul de plată al unei instituții politice sau religioase., Prin urmare, nevoile muzicale ale acestei instituții au dictat muzica pe care compozitorul a produs-o. Bach a scris numărul de cantate pe care le-a făcut, de exemplu, nu neapărat pentru că a găsit forma inspirată, ci din cauza cerințelor liturgice ale Bisericii din Leipzig care l-au angajat. Când este privită în această lumină, muzica barocă poate oferi o fereastră fascinantă în istorie.
Back to Top
care sunt caracteristicile muzicii baroce?noul interes pentru posibilitățile dramatice și retorice ale muzicii a dat naștere la o multitudine de noi idealuri sonore în perioada barocă.,contrastul ca element dramatic contrastul este un ingredient important în drama unei compoziții baroce. Diferențele dintre tare și moale, solo și ansamblu( ca în concert), diferite instrumente și timbre joacă un rol important în multe compoziții baroce. Compozitorii au început, de asemenea, să fie mai preciși în ceea ce privește instrumentația, specificând adesea instrumentele pe care ar trebui să fie cântată o piesă, în loc să permită interpretului să aleagă. Instrumente strălucitoare precum trompeta și vioara au crescut, de asemenea, în popularitate.,în epocile muzicale anterioare, o piesă muzicală avea tendința de a consta dintr-o singură melodie, poate cu un acompaniament improvizat, sau mai multe melodii redate simultan. Nu până în perioada barocă conceptul de” melodie „și” armonie ” a început cu adevărat să fie articulat. Ca parte a efortului de a imita muzica antică, compozitorii au început să se concentreze mai puțin pe polifonia complicată care a dominat secolele XV și XVI și mai mult pe o singură voce cu un acompaniament simplificat sau monodie., Dacă muzica era o formă de retorică, așa cum indică scrierile Grecilor și romanilor, este necesar un orator puternic—și cine este mai bun pentru slujbă decât un solist vocal? Noua fuziune între expresia de sentiment și cântăreață solo se aud tare și clar în Monteverdi prefață la Combattimento di Tancredi e Clorinda de a Opta Carte de Madrigale (1638), în care el scrie: „S-a părut că șeful pasiuni sau afectiuni ale minții noastre sunt în număr de trei, și anume furie, calm și umilință., Cei mai buni filozofi sunt de acord, iar însăși natura vocii noastre, cu intervalele sale înalte, joase și medii, ar indica la fel de mult.”Cele mai vechi opere sunt o ilustrare excelentă a acestei noi estetice.împreună cu accentul pus pe o singură melodie și linie de bas a venit practica basso continuo, o metodă de notație muzicală în care melodia și linia de bas sunt scrise și umplutura armonică indicată într-un tip de stenografie., Ca muzician Italian Agostino Agazzari explicat în 1607:
Deoarece adevăratul stil de exprimare în cuvinte a fost găsit, și anume, prin reproducerea lor, sens în cel mai bun mod posibil, care reușește cel mai bine cu o singură voce (sau nu mai mult de câteva), ca și în cele moderne aere de diverși oameni capabili, si ca este o practică constantă la Roma în concertate muzica, Eu spun că nu este necesar pentru a face un scor… Un Bass, cu semnele sale pentru armonii, este suficient., Dar dacă cineva mi-ar spune că, pentru interpretarea lucrărilor vechi, pline de fugă și contrapuncte, un bas nu este suficient, răspunsul meu este că lucrările vocale de acest gen nu mai sunt folosite.
Deoarece adevăratul stil de exprimare în cuvinte a fost găsit, și anume, prin reproducerea lor, sens în cel mai bun mod posibil, care reușește cel mai bine cu o singură voce (sau nu mai mult de câteva), ca și în cele moderne aere de diverși oameni capabili, si ca este o practică constantă la Roma în concertate muzica, Eu spun că nu este necesar pentru a face un scor… Un Bass, cu semnele sale pentru armonii, este suficient., Dar dacă cineva mi-ar spune că, pentru interpretarea lucrărilor vechi, pline de fugă și contrapuncte, un bas nu este suficient, răspunsul meu este că lucrările vocale de acest gen nu mai sunt folosite.
deoarece basso continuo, sau bas aprofundată, a rămas practica standard până la sfârșitul perioadei baroce, Epoca este uneori cunoscut sub numele de „vârsta de bas aprofundată.”
diferite sunete instrumentale
după ce a fost ignorată de zeci de ani, muzica barocă a devenit din ce în ce mai populară în ultimii cincizeci de ani., Ca parte a acestui nou interes, savanții și muzicienii au petrecut nenumărate ore încercând să-și dea seama cum ar fi putut suna muzica publicului din secolul al XVII-lea și al XVIII-lea. În timp ce noi nu va fi niciodată capabil de a recrea o performanță precis, munca lor a descoperit mai multe diferențe majore între Baroc și modern ansambluri:
teren: În 1939, modern orchestre fost de acord să tune la un’=440hz (nota tăbărât la 440 de cicluri pe secundă), care a înlocuit-o anterior pas mai mic (o’=435hz) a adoptat în anul 1859. Înainte de 1859, însă, nu exista un standard de pitch., Nota la care ansamblurile baroce au fost reglate, prin urmare, a variat foarte mult în momente diferite și în locuri diferite. Drept urmare, muzica notată pe un scor ar fi putut suna la fel de mult ca o jumătate de ton mai mic decât modul în care ar fi interpretat în mod tradițional astăzi. Într-un efort de a permite această discrepanță, multe ansambluri baroce ajusta lor de tuning pentru repertoriul fiind efectuata: o’= 415hz pentru întârzierea de muzică barocă, un’=392hz pentru muzica franceză, o’=440hz pentru începutul de muzică italiană și o’=430hz pentru repertoriul clasic.,timbrul: în timp ce majoritatea instrumentelor dintr-un ansamblu baroc sunt familiare, există mai mulți membri proeminenți care nu mai apar în ansamblurile moderne. Clavecinul a fost instrumentul principal al tastaturii (și un membru important al grupului continuo), iar instrumentele importante în secolele 16 și 17, cum ar fi lăuta și viol, au continuat să fie folosite. Variațiile instrumentelor încă populare astăzi au dat și ansamblului baroc un sunet diferit., Instrumentele cu coarde precum vioara, viola și violoncelul au folosit corzi intestinale mai degrabă decât corzile înfășurate în metal cu care sunt înșirate astăzi, de exemplu, oferindu-le un ton mai dulce și mai dulce.
tehnica de performanță: un scor baroc conține puține (dacă există) informații despre elemente cum ar fi articularea, ornamentarea sau dinamica, și astfel ansamblurile moderne trebuie să facă propriile alegeri în cunoștință de cauză înainte de fiecare spectacol., Diferențele mecanice dintre instrumentele baroce și cele moderne sugerează, de asemenea, că instrumentele mai vechi ar fi sunat diferit, astfel încât ansamblurile precum muzica barocă își ajustează adesea tehnica pentru a permite acest lucru. Pentru că baroc si modern, arcurile sunt diferite structural, de exemplu, string jucători moderne folosesc arcuri folosesc adesea o blândă atac pe șir și crescendo-uri și diminuendos pe note mai lungi., 17 și 18 din secolul performanță tratate, de asemenea, implică faptul că degetul vibrato (o tehnică în care un șir player roci lui sau a ei degetului pe coarda pentru a vă îmbogăți tonul) a fost folosit cu moderatie pentru expresive momente, în timp ce arcul vibrato (un ondulator mișcare de arc) a fost, în general, de preferat.
Back to Top
ce forme muzicale au ajuns să definească epoca barocă?
în timp ce forme din epoci anterioare au continuat să fie utilizate, cum ar fi motetul sau dansurile particulare, interesul pentru muzică ca formă de retorică a declanșat dezvoltarea de noi genuri, în special în zona muzicii vocale., Multe dintre formele asociate cu epoca barocă provin direct din acest nou impuls dramatic, în special opera, oratoriul și cantata. În domeniul muzicii instrumentale, noțiunea de contrast și dorința de a crea forme pe scară largă au dat naștere concertului, sonatei și suitei.Opera: o dramă care este cântată în primul rând, însoțită de instrumente și prezentată pe scenă. Operele alternează de obicei între recitativ, cântec de vorbire Ca care avansează complot, și arii, cântece în care personajele exprima sentimente la anumite puncte în acțiune., Corurile și dansurile sunt, de asemenea, frecvent incluse. Apariția genului la începutul secolului al XVII-lea este adesea asociată cu activitățile unui grup de poeți, muzicieni și savanți din Florența cunoscuți astăzi sub numele de Camerata florentină. Primul supraviețuitor opera a fost Jacopo Peri Dafne, pe un libret de Ottavio Rinuccini și efectuate în Florența în 1598; cea mai veche operă încă efectuate astăzi este Claudio Monteverdi lui Orfeu (1607)., Subiectele primelor opere sunt toate preluate din mitul grecesc, reflectând alianțele strânse ale genului cu încercările de a recrea muzica și drama culturilor antice și au fost realizate exclusiv în cercuri aristocratice pentru oaspeții invitați.când primele case de operă publice s-au deschis în Veneția în 1637, genul a fost modificat pentru a se potrivi preferințelor publicului. Cântăreții Solo au luat un fel de statut de celebritate și, ca rezultat, s-a pus un accent mai mare pe aria. Recitativul a devenit mai puțin important, iar corurile și dansurile au dispărut practic din opera italiană., Realitățile financiare ale punerii în scenă a unor producții frecvente de operă au avut, de asemenea, un efect. Efectele scenice spectaculoase asociate cu opera la curte au fost mult reduse, iar libretele au fost construite pentru a profita de dispozitivele scenice stoc. Până la începutul secolului al 18-lea (în special în Napoli), două subgenuri de opera a devenit evidentă: opera seria, în care accentul a fost pus pe serioasă obiectul și aria da capo, și opera buffa, care a avut o brichetă, chiar ton comic și, uneori, folosit duete, trio-uri și mai mari ansambluri. Tradiția italiană a operei a dominat treptat majoritatea țărilor europene., Totuși, la sfârșitul secolului al XVII-lea, Jean-Baptiste Lully și libretistul Philippe Quinault au creat o versiune unică franceză a operei cunoscută sub numele de tragédie-lyrique.oratoriu: o dramă muzicală extinsă cu un text bazat pe subiecte religioase, destinată spectacolului fără decor, costum sau acțiune. Oratoriul a însemnat inițial sala de rugăciune, o clădire situată lângă o biserică care a fost proiectată ca un loc pentru experiențe religioase distincte de liturghie., Deși există secolul al xvi-lea precedente pentru oratoriu în motet și madrigal repertoriu, oratoriu, ca distincte de gen muzical apărut în mijlocul acustică excelentă a acestor spații la începutul anilor 1600. De la mijlocul secolului al 17-lea, oratorii au fost efectuate în palate și teatre publice și au fost în creștere din ce în ce mai similare la operă, deși obiectul divizare în două părți (mai degrabă decât trei acte) și absența pus în scenă de acțiune încă pus-o în afară., Unii dintre compozitorii asociați genului din Italia includ Giocomo Carissimi, Alessandro Scarlatti și Antonio Vivaldi. Oratoriul a crescut în popularitate și în alte părți ale Europei. În Germania protestantă, muzica dramatică compusă pentru a fi folosită în Biserica Luterană a devenit treptat fuzionată cu elemente ale Oratoriului, în special în includerea textelor non-biblice. Pasiunea Oratoriului, așa cum a ajuns să fie numită, a culminat cu marile lucrări ale lui J. S. Bach., Alte exemple bine cunoscute în afara Italiei includ oratoriile engleze ale lui George Frideric Handel, care a popularizat genul la Londra ca urmare a nemulțumirii engleze pentru opera italiană. Lucrări precum Mesia, Israel în Egipt și Iuda Maccabeus rămân favoritele publicului până în zilele noastre.
Cantata: o piesă extinsă constând dintr-o succesiune de recitative și piese set, cum ar fi arii, duete și coruri., Originară din Italia secolului al XVII-lea, cantata a început ca o lucrare seculară compusă pentru solo voice și basso continuo, cel mai probabil destinată interpretării la adunări sociale private. Multe dintre aceste lucrări au fost publicate, sugerând că au fost interpretate de muzicieni profesioniști și amatori deopotrivă. Până la mijlocul secolului, cantatele au fost publicate mai rar, sugerând că performanțele au fost făcute din ce în ce mai mult de profesioniști. Până la sfârșitul secolului al XVII-lea, cantatele au început să încorporeze aria da capo și au avut adesea acompaniamente orchestrale., Majore compozitori în italiană cantata gen includ Luigi Rossi, Antonio Cesti, Alessandro Stradella, și în prima jumătate a secolului al 18-lea, Alessandro Scarlatti, Handel, Benedetto Marcello și Johann Adolf Hasse. În afara Italiei, genul în expansiune al Motetului luteran a început să încorporeze multe elemente ale cantatei italiene, în special tehnici de exprimare dramatică precum recitativ și aria. Numeroasele cantate ale lui Bach arată influența largă a omologilor lor italieni.,Sonata: folosit pentru a descrie mai multe tipuri de piese în epoca barocă, termenul sonata desemna cel mai frecvent o lucrare în mai multe mișcări pentru unul sau mai multe instrumente (cel mai frecvent viori) și bassocontinuo; o sonată pentru două viori sau alte instrumente înalte plus bas a fost de obicei numită sonată trio., Până în anii 1650, sonatele erau adesea clasificate fie ca sonate da chiesa („sonate bisericești”), de obicei compuse din patru mișcări alternând între ritmuri lente și rapide și interpretate în biserică, sau sonate da camera („Sonata de cameră”), care consta dintr-o serie de dansuri asemănătoare suitei. Exemple de ambele tipuri pot fi găsite în lucrările de la sfârșitul secolului al XVII-lea ale Corelli. În secolul al XVIII-lea, Telemann, Bach șihandel a scris numeroase sonate modelate pe sonatele lui Corelli da chiesa., Apariția sonatelor solo pentru instrumente cu claviatură începe târziu în perioada barocă, inclusiv a celor pentru orgă (Bach) și clavecin (Handel, Domenico Scarlatti). Alte exemple celebre de sonate solo includ lucrările lui Bach pentru vioară și violoncel neînsoțit.
Concertul: derivat din concertare Italiană (să se unească, să se unească), concertul a luat mai multe forme în timpul erei baroce. Până la începutul secolului al XVIII-lea, un concert a fost pur și simplu o compoziție care a unit un ansamblu divers format din voci, instrumente sau ambele., Lucrări sacre pentru voci și instrumente au fost adesea numite concerte, în timp ce lucrări seculare similare au fost în general numite arie (aere), cantate sau musiche. În timp ce concertele sacre la scară largă pot fi găsite în lucrările lui Claudio Monteverdi, compozițiile mai intime pentru una până la patru voci, continuo și instrumente solo suplimentare au fost mult mai frecvente. În Germania, exemple minunate de sacru concert pot fi găsite în lucrările lui Johann Hermann Schein, Michael Praetorius, Samuel Scheidt și Heinrich Schütz (mai ales lui Kleine geistliche Concerte, sau „Mici Concerte Sacre,” de 1636-39).,mai târziu, în secolul al XVII-lea, concertul a început să-și asume definiția modernă: o lucrare multimovement pentru solist instrumental (sau grup de soliști) și orchestră. Luând exemplu de la canzonas și sonate de la sfârșitul secolelor xvi-xvii, care a folosit contrastante grupuri de instrumente de mare efect, concerto grosso supleanți un mic grup de soliști cu o mai mare ansamblu. Lucrările lui Corelli, în special colecția sa op. 6, oferă probabil cele mai cunoscute exemple ale concertului grosso de la sfârșitul secolului al XVII-lea., În timp ce Corelli lucrări au fost emulat în secolul al 18-lea, mai ales în opera lui Handel, Op. 6 de colectare, de multe secolul 18 exemple de concerto grosso a arăta creșterea influenței solo de concert (de exemplu, Concertele brandenburgice ale lui J. S. Bach).
cel mai dominant tip de concert în secolul al XVIII-lea a fost concertul solo, care a prezentat un singur instrument în contrast cu un ansamblu., Cel mai prolific compozitor al concertului solo a fost Antonio Vivaldi, care a scris aproximativ 350 și a stabilit forma standard a concertului cu trei mișcări (două mișcări exterioare rapide, o mișcare de mijloc într-un ritm mai lent). În timp ce majoritatea concertelor solo au fost scrise pentru vioară, concertele de trompetă au fost de asemenea populare, iar concertele au fost compuse și pentru violoncel, oboi, flaut și fagot. În anii 1730, Handel a scris 16 concerte pentru orgă, iar Bach a compus, de asemenea, mai multe concerte pentru clavecin în același timp (majoritatea sunt aranjamente de lucrări preexistente).,suita: bazată pe împerecherea tradițională a dansurilor din Renaștere, suita a fost prima lucrare cu mai multe mișcări pentru instrumente. Suita a fost, în esență, o serie de dansuri în aceeași cheie, cele mai multe sau toate dintre ele în formă de două părți. Pe la mijlocul secolului al 17-lea în Germania secvența de allemanda, courante, sarabande și gigue a devenit relativ standard, deși alte mișcări de dans, cum ar fi suplimentare allemandes sau courantes,bourreés, gavottes și menuete, au fost de multe ori introduse. Majoritatea apartamentelor au început, de asemenea, cu o mișcare introductivă, cum ar fi un preludiu, ouverture sau fantasia., Pentru mulți compozitori baroci, diferitele dansuri au întruchipat personaje specifice. În Der volkommene Capellmeister (Complet, Director Muzical), 1739, teoretician German Johann Mattheson a dat o listă de fiecare dans de caracter: menuet fost „moderat veselie,” gavotă „jubilează de bucurie”, a bourreé „mulțumire”, a courante „speranță”, cu sarabande „ambiție” și gigue ar putea semnifica un număr de emoții variind de la furie la frivolitate., Suitele baroce au fost marcate pentru instrumente solo, precum și pentru orchestră; cele scrise pentru unul sau două instrumente melodice și continuo sunt uneori intitulate sonata da camera. Suitele franceze pentru tastatură sunt uneori numite ordres (ca în lucrările lui François Couperin, care a introdus multe mișcări non-dans, inclusiv schițe de caractere evocatoare ale personalului Curții.
Back to Top
cum a fost să participi la un concert în epoca barocă?
în timpurile moderne, a merge la un concert este un eveniment., Auzim un anunț la radio sau vedem o listă în ziar; cumpărăm bilete; mergem la o sală de concerte și stăm liniștiți până când este timpul să aplaudăm. În epoca barocă, acest tip de concert public era rar. Multe dintre cele mai cunoscute compoziții baroce au fost interpretate în biserici pentru un serviciu sau ca parte a unui concert sau sărbătoare privată în casa unui patron bogat. Pe parcursul barocului, însă, spectacolele publice au devenit mai frecvente, în special în genurile de Operă și oratoriu, iar tradiția noastră modernă de concerte a început să se coaguleze în multe orașe europene., Așa cum Roger North a descris un spectacol într-unul dintre primele serii de concerte, organizat la Londra în anii 1670:
prima încercare a fost scăzută: un proiect al lui Old Banister, care era o vioară bună și un compozitor teatral. A deschis o cameră obscură într-o casă publică în călugări albi; a umplut-o cu mese și scaune și a făcut o cutie laterală cu perdele pentru muzică. Uneori consort, uneori solo-uri, de vioara, flageolet, Viola bas, lăută și cântec all ‘ italiana, și astfel de soiuri deviat companiei, care a plătit la venirea în., Un șiling o bucată, apel pentru ceea ce te rog, plăti socoteala, și bun venit domnilor.apariția concertului public a făcut din clasa de mijloc în creștere o sursă importantă de venit pentru muzicieni. Până la sfârșitul barocului, acest subset social devenise un patron muzical aproape la fel de puternic ca biserica sau curtea.
Back To Top
ce a urmat după perioada barocă?până la mijlocul secolului al XVIII-lea, ideea barocă a muzicii ca formă de retorică era atacată., Muzica avea o putere minunat de puternică de a exprima chiar și cele mai dificile concepte—dar numai în forma sa cea mai „naturală”, pe care epoca barocă o confuzase aparent. Ca Johann Adolph Scheibe spus de J. S. Bach în 1737,
Acest om mare va fi admirația întregii națiuni, dacă el a făcut mai mult de agrement, dacă el nu ia element natural în piesele sale, oferindu-le un turgescente și confuz stil, și dacă el nu întuneca frumusețea lor printr-un exces de art., Din moment ce judecă după propriile degete, piesele sale sunt extrem de greu de cântat; pentru că el cere ca cântăreții și instrumentiștii să poată face cu gâtul și instrumentele lor tot ce poate cânta pe clavier, dar acest lucru este imposibil… Turgiditatea a dus de la natural la artificial și de la înalt la sumbru; și…se admiră munca oneroasă și efortul neobișnuit—care, totuși, sunt angajați în zadar, deoarece intră în conflict cu natura.,insistența lui Scheibe asupra clarității și ușurinței performanței indică o schimbare majoră a esteticii muzicale: de-a lungul diatribei sale, arbitrul final al gustului nu este Platon sau Aristotel, ci în cele din urmă ascultătorii și interpreții înșiși. Acest nou accent pe expresia melodică directă și arhitectura muzicală clară indică calea către perioada clasică, epoca lui Mozart și Haydn.
Înapoi sus
epoca barocă în epoca modernă
deși perioada barocă s-a încheiat cu peste 250 de ani în urmă, vestigiile epocii pot fi auzite peste tot., Unele dintre cele mai influente și iubite compoziții sunt interpretate în mod regulat în săli de concerte, iar o multitudine de înregistrări fac barocul disponibil la cerere. Multe dintre genurile muzicale încă în uz astăzi, cum ar fi oratoriu, concert și operă, originea în perioada. Compozitori din secolul al XX-lea, cum ar fi Ralph Vaughn Williams, Igor Stravinsky și Benjamin Britten, au adus un omagiu barocului în lucrările lor., Influența sa poate fi auzită chiar și în afara domeniului muzicii de artă: libera circulație între solo și grup în jazz este uneori comparată cu muzica barocă, iar fragmente de Bach și Vivaldi apar frecvent în solo-urile chitariștilor heavy metal. Iar spiritul barocului—o credință neclintită în puterea muzicii de a atinge viața oamenilor—a schimbat istoria muzicii pentru totdeauna.
înapoi la început