Co to jest „barok”, a kiedy był okres baroku?
wywodzący się z portugalskiego barroco, czyli „dziwnie ukształtowana perła”, termin „barok” był szeroko stosowany od XIX wieku do opisania okresu w zachodnioeuropejskiej muzyce artystycznej od około 1600 do 1750 roku. Porównywanie niektórych z największych arcydzieł historii muzyki do zniekształconej perły może wydawać się nam dzisiaj dziwne, ale dziewiętnastowiecznym krytykom, którzy stosowali to określenie, muzyka epoki Bacha i Haendla brzmiała zbyt ozdobnie i przesadnie., „Barok” już dawno porzucił swoje obraźliwe konotacje, teraz jest po prostu wygodnym chwytem – wszystko dla jednego z najbogatszych i najbardziej zróżnicowanych okresów w historii muzyki.
oprócz produkcji najwcześniejszej muzyki europejskiej znanej większości z nas, w tym kanonu Pachelbela i czterech pór roku Vivaldiego, Epoka baroku znacznie poszerzyła nasze horyzonty. Przyjęcie szesnastowiecznej teorii Kopernika, że planety nie krążą wokół Ziemi, uczyniło wszechświat znacznie większym miejscem, podczas gdy praca Galileusza pomogła nam lepiej zapoznać się z kosmosem., Postęp technologiczny, taki jak wynalezienie teleskopu, sprawił, że to, co uważano za skończone, wydawało się nieskończone. Wielcy myśliciele, tacy jak Kartezjusz, Hobbes, Spinoza i Locke, zajmowali się ważnymi kwestiami egzystencji. Geniusze, tacy jak Rubens, Rembrandt i Szekspir, oferowali wyjątkowe perspektywy dzięki swojej sztuce. Narody europejskie coraz bardziej angażowały się w handel zagraniczny i kolonizację, nawiązując bezpośredni kontakt z częściami globu, które wcześniej były nieznane., A rozwój nowej Klasy średniej tchnął życie w kulturę artystyczną długo zależną od kaprysów kościoła i dworu.
powrót do góry
kim byli główni Kompozytorzy baroku i skąd pochodzili?
wiele znanych osobistości z pierwszej części okresu baroku pochodzi z Włoch, w tym Monteverdi, Corelli i Vivaldi. (W połowie XVIII wieku skupiamy się na kompozytorach niemieckich Bach i Haendel.) Wiele form utożsamianych z muzyką barokową pochodziło z Włoch, m.in. kantata, koncert, sonata, oratorium i opera., Chociaż Włochy odegrały istotną rolę w rozwoju tych gatunków, nowe koncepcje tego, co oznacza naród, zwiększyły imperatyw ” stylu narodowego.”Różnice między narodami są często słyszalne w muzyce z tego okresu, nie tylko w sposobie komponowania muzyki, ale także w konwencjach wykonawczych; szczególnie oczywisty był kontrast między Włochami a Francją. Podczas gdy niektóre kraje mogą wydawać się rościć sobie prawo do większego fragmentu naszego dzisiejszego doświadczenia muzyki barokowej, jednak każdy naród odegrał pewną rolę., Kiedy muzycy i kompozytorzy podróżowali po całej Europie i słuchali nawzajem swojej muzyki, nowe konwencje, z którymi się zetknęli, wywarły na nich subtelne wrażenie. Do najbardziej znanych kompozytorów z tego okresu należą:
Włochy: Monteverdi, Frescobaldi, Corelli, Vivaldi, Domenico i Alessandro Scarlatti
Francja: Couperin, Lully, Charpentier i Rameau
Niemcy: Praetorius, Schein, Scheidt, Schutz, Telemann, Handel i Bach
Anglia: Purcell
Back to Top
jaka jest filozofia muzyki barokowej?,
chociaż jedna filozofia nie może opisać 150 lat muzyki z Całej Europy, w okresie baroku ważne jest kilka pojęć.
wiara w muzykę jako potężne narzędzie komunikacji
Jeden z głównych nurtów filozoficznych w muzyce baroku wywodzi się z renesansowego zainteresowania ideami starożytnej Grecji i Rzymu. Grecy i Rzymianie wierzyli, że muzyka jest potężnym narzędziem komunikacji i może wzbudzić w słuchaczach wszelkie emocje., W wyniku ożywienia tych idei Kompozytorzy coraz bardziej zdawali sobie sprawę z potencjalnej mocy muzyki i kultywowali przekonanie, że ich własne kompozycje mogą mieć podobne efekty, jeśli poprawnie naśladują muzykę starożytną.,ance pod koniec XVI wieku,
często słyszałem, jak mówił o Sieur Claudin Le Jeune (który, nie chcąc nikogo lekceważyć, znacznie przewyższył muzyków minionych wieków w swoim zrozumieniu tych kwestii), że zaśpiewał powietrze (które skomponował w częściach)…i że kiedy to powietrze było ćwiczone na prywatnym koncercie, spowodowało to, że dżentelmen złożył rękę do ramion i zaczął głośno przeklinać, tak, że wydawało się, że nie jest to po czym claudin zaczął śpiewać kolejne powietrze…co sprawiło, że dżentelmen był tak spokojny, jak wcześniej., Zostało to potwierdzone przez kilku, którzy tam byli. Taka jest moc i siła melodii, rytmu i harmonii nad umysłem.
w 1605 roku włoski kompozytor Claudio Monteverdi zdefiniował praktykę „pierwszą” i „drugą”: w pierwszej harmonia i kontrapunkt miały pierwszeństwo przed tekstem; w drugiej potrzeba wyrażenia znaczenia słów przewyższyła wszelkie inne obawy. W baroku to właśnie duch drugiej praktyki—posługiwania się mocą muzyki do komunikowania się—zaczął dominować w tej epoce.,
realia mecenatu
wszelkie dyskusje na temat filozofii artystycznej barokowego kompozytora powinny być przynajmniej nieco złagodzone przez rzeczywistość ich życia. W dzisiejszych czasach artyści często zarabiają na życie, produkując dokładnie taki rodzaj sztuki, do którego są poruszani. W związku z tym często myślimy o artyście – i stopniu jego inspiracji artystycznej—jako o punkcie wyjścia dla dzieła sztuki. Przez większość epoki baroku Kompozytorzy zarabiali na życie pisząc muzykę tylko wtedy, gdy mieli szczęście być na liście płac instytucji politycznej lub religijnej., Potrzeby muzyczne tej instytucji dyktowały więc muzykę, którą stworzył kompozytor. Bach napisał liczbę kantat, które wykonał, na przykład, niekoniecznie dlatego, że uważał formę za inspirującą, ale ze względu na wymagania liturgiczne kościoła w Lipsku, które go zatrudniały. W tym świetle muzyka barokowa może być fascynującym oknem do historii.
powrót do góry
jakie są cechy muzyki barokowej?
nowe zainteresowanie możliwościami dramatycznymi i retorycznymi muzyki zaowocowało bogactwem nowych ideałów dźwiękowych w okresie baroku.,
kontrast jako element dramatyczny
kontrast jest ważnym składnikiem dramatu kompozycji barokowej. W wielu utworach barokowych ważną rolę odgrywają różnice między głośnym i miękkim, solowym i zespołowym (jak w koncercie), różnymi instrumentami i barwami. Kompozytorzy zaczęli również bardziej precyzyjnie określać instrumentację, często określając instrumenty, na których utwór powinien być grany, zamiast pozwalać wykonawcy na wybór. Popularność zyskały także genialne instrumenty takie jak trąbka i skrzypce.,
Monody i the advent of the basso continuo
w poprzednich epokach muzycznych utwór muzyczny składał się z jednej melodii, być może z improwizowanym akompaniamentem lub kilku melodii granych jednocześnie. Dopiero w okresie baroku pojęcie „melodii” i „harmonii” naprawdę zaczęło być artykułowane. W ramach prób naśladowania muzyki starożytnej Kompozytorzy zaczęli skupiać się mniej na skomplikowanej polifonii, która dominowała w XV i XVI wieku, a bardziej na jednym głosie z uproszczonym akompaniamentem, czyli monodii., Jeśli muzyka była formą retoryki, jak wskazują pisma Greków i Rzymian, potrzebny jest potężny orator—a kto jest lepszy do tej pracy niż solista wokalny? Nowe połączenie ekspresji uczuć i śpiewaka solowego pojawia się głośno i wyraźnie w przedmowie Monteverdiego do Combattimento di Tancredi e Clorinda z jego ósmej Księgi madrygałów (1638), w której pisze: „wydawało mi się, że główne namiętności lub uczucia naszego umysłu są trzy w liczbie, a mianowicie gniew, spokój i pokora., Najlepsi filozofowie są zgodni, a sama natura naszego głosu, z jego wysokimi, niskimi i średnimi zakresami, wskazywałaby na tyle.”Najwcześniejsze Opery są doskonałą ilustracją tej nowej estetyki.
wraz z naciskiem na pojedynczą melodię i linię basu pojawiła się praktyka basso continuo, metody notacji muzycznej, w której melodia i linia basu są zapisywane, a wypełniacz harmoniczny wskazany w rodzaju skrótu., Jak wyjaśnił włoski muzyk Agostino Agazzari w 1607 roku:
ponieważ prawdziwy styl wyrażania słów został w końcu znaleziony, a mianowicie poprzez odtwarzanie ich sensu w najlepszy możliwy sposób, który najlepiej udaje się jednym głosem (lub nie więcej niż kilkoma), jak we współczesnych antenach przez różnych zdolnych ludzi i jak jest stała praktyka w Rzymie w muzyce uzgodnionej, mówię, że nie jest konieczne, aby partytura… bas, z jego znakami dla harmonii, wystarczy., Gdyby jednak ktoś mi powiedział, że do grania starych utworów, pełnych fug i kontrapunktów, BAS to za mało, odpowiadam, że tego typu utwory wokalne nie są już używane.
ponieważ basso continuo, czyli dokładny bas, pozostał standardową praktyką do końca okresu baroku, era ta jest czasami znana jako ” era dokładnego basu.”
różne brzmienia instrumentalne
po ignorowaniu przez dziesięciolecia, muzyka barokowa staje się coraz bardziej popularna w ciągu ostatnich pięćdziesięciu lat., W ramach tego nowego zainteresowania uczeni i muzycy spędzili niezliczone godziny próbując dowiedzieć się, jak muzyka mogła brzmieć dla XVII i XVIII-wiecznej publiczności. Chociaż nigdy nie będziemy w stanie dokładnie odtworzyć występu, ich praca odkryła kilka istotnych różnic między zespołami barokowymi i nowoczesnymi:
pitch: w 1939 roku nowoczesne orkiestry zgodziły się dostroić się do a’=440Hz (nuta a brzmiała 440 cykli na sekundę), która zastąpiła wcześniej niższą tonację (a’=435hz) przyjętą w 1859 roku. Przed 1859 r. nie było jednak standardu boiska., Nuta, do której nastrojono zespoły barokowe, różniła się więc w różnym czasie i w różnych miejscach. W rezultacie muzyka zapisana na partyturze mogła brzmieć o pół tonu mniej niż tradycyjnie wykonywana dzisiaj. Aby umożliwić tę rozbieżność, wiele zespołów barokowych dostosowuje strojenie do wykonywanego repertuaru: a '= 415hz dla muzyki późnego baroku, a '=392hz dla muzyki francuskiej, a’=440Hz dla wczesnej muzyki włoskiej i a ' =430Hz dla repertuaru klasycznego.,
barwa: podczas gdy większość instrumentów w zespole barokowym jest znana, istnieje kilku wybitnych członków, którzy nie występują już w nowoczesnych zespołach. Klawesyn był podstawowym instrumentem klawiszowym (i ważnym członkiem grupy continuo), a Instrumenty ważne w XVI i XVII wieku, takie jak lutnia i wiolonczela, nadal były używane. Popularne do dziś wariacje na temat instrumentów również nadały zespołowi barokowemu inne brzmienie., Instrumenty smyczkowe, takie jak skrzypce, altówka i wiolonczela, używały strun jelitowych, a nie strun owiniętych metalem, którymi są dziś nawleczone, na przykład, nadając im łagodniejszy, słodszy ton.
technika wykonania: partytura barokowa zawiera niewiele (jeśli w ogóle) informacji o elementach, takich jak artykulacja, ornamentyka lub dynamika, więc współczesne zespoły muszą dokonać własnych świadomych wyborów przed każdym występem., Mechaniczne różnice między instrumentami barokowymi i nowoczesnymi sugerują również, że starsze Instrumenty brzmiałyby inaczej, więc zespoły, takie jak muzyka barokowa, często dostosowują swoją technikę, aby na to pozwolić. Ponieważ smyczki barokowe i współczesne różnią się od siebie konstrukcyjnie, na przykład, smyczkowicze używający nowoczesnych smyczków często używają łagodniejszego ataku na smyczek, a crescendos i diminuendos na dłuższych nutach., XVII i XVIII-wieczne traktaty performatywne sugerują również, że finger vibrato (Technika, w której gracz strunowy kołysa palcem na strunie, aby wzbogacić dźwięk) było oszczędnie używane do momentów ekspresyjnych, podczas gdy bow vibrato (falisty ruch łuku) było ogólnie preferowane.
powrót do góry
jakie formy muzyczne zdefiniowały epokę baroku?
podczas gdy nadal używano form z wcześniejszych epok, takich jak motet czy poszczególne tańce, zainteresowanie muzyką jako formą retoryki zapoczątkowało rozwój nowych gatunków, szczególnie w obszarze muzyki wokalnej., Wiele form związanych z epoką baroku pochodzi bezpośrednio z tego nowego impulsu dramatycznego, zwłaszcza opery, oratorium i kantaty. W dziedzinie muzyki instrumentalnej pojęcie kontrastu i chęć tworzenia wielkoformatowych form dały początek koncertowi, Sonacie i suicie.
muzyka wokalna
Opera-dramat, który jest przede wszystkim śpiewany, z towarzyszeniem instrumentów i prezentowany na scenie. Opery zazwyczaj przeplatają się między recytatorską, przypominającą mowę piosenką, która rozwija fabułę, a ariami, w których bohaterowie wyrażają uczucia w określonych momentach akcji., Często pojawiają się także chórki i tańce. Pojawienie się gatunku na przełomie XVII i XVIII wieku jest często związane z działalnością grupy poetów, muzyków i uczonych we Florencji, znanej dziś jako Camerata Florencka. Pierwszą Operą, która przetrwała, była Dafne Jacopo Periego, oparta na libretcie Ottavio Rinucciniego, wystawiona we Florencji w 1598 roku; najwcześniejszą Operą wykonaną do dziś jest Orfeo Claudio Monteverdiego (1607)., Tematy pierwszych oper zaczerpnięte są z mitu greckiego, odzwierciedlając bliskie związki gatunku z próbami odtworzenia muzyki i dramatu starożytnych kultur i były wykonywane wyłącznie w kręgach arystokratycznych dla zaproszonych gości.
Kiedy w 1637 roku otwarto pierwsze publiczne opery w Wenecji, gatunek został zmieniony, aby dostosować się do preferencji publiczności. Solowi śpiewacy zyskali status gwiazdy, a w rezultacie większy nacisk położono na arię. Recytatorski stał się mniej ważny, a chóry i tańce praktycznie zniknęły z włoskiej opery., Wpływ miały także realia finansowe wystawiania częstych przedstawień operowych. Spektakularne efekty sceniczne związane z Operą na dworze były znacznie bagatelizowane, a libretta były konstruowane tak, aby wykorzystywały standardowe urządzenia sceniczne. Na początku XVIII w. (szczególnie w Neapolu) widoczne stały się dwa podgatunki opery: opera seria, w której skupiono się na poważnej tematyce i Arii da capo, oraz opera buffa, która miała lżejszy, wręcz komiczny ton i czasami używała duetów, triów i większych zespołów. Włoska tradycja opery stopniowo zdominowała większość Krajów Europejskich., Pod koniec XVII wieku we Francji Jean-Baptiste Lully i librecista Philippe Quinault stworzyli wyjątkową francuską wersję Opery, znaną jako tragédie-lyrique.
oratorium-Rozszerzony dramat muzyczny z tekstem opartym na tematyce religijnej, przeznaczony do przedstawienia bez scenografii, kostiumu lub akcji. Oratorium pierwotnie oznaczało salę modlitewną, budynek przylegający do kościoła, który został zaprojektowany jako miejsce przeżyć religijnych odmiennych od liturgii., Mimo że w repertuarze motetu i madrygału istnieją precedensy dla oratorium z końca XVI wieku, oratorium jako odrębny gatunek muzyczny pojawiło się wśród doskonałej akustyki tych przestrzeni na początku XVI wieku. do połowy XVII wieku oratoria były wykonywane w pałacach i teatrach publicznych i stawały się coraz bardziej zbliżone do oper, chociaż tematyka, podział na dwie części (a nie trzy akty) i brak akcji inscenizacyjnej wciąż go odróżniały., Niektórzy z kompozytorów związanych z tym gatunkiem we Włoszech to Giocomo Carissimi, Alessandro Scarlatti i Antonio Vivaldi. Oratorium zyskało popularność również w innych częściach Europy. W protestanckich Niemczech muzyka dramatyczna skomponowana do użytku w Kościele luterańskim stopniowo łączyła się z elementami oratorium, zwłaszcza w włączaniu tekstów niebiblijnych. Pasja oratoryjna, jak ją nazywano, kulminowała w wielkich dziełach J. S. Bacha., Inne znane przykłady poza Włochami to angielskie oratoria George ' a Friderica Haendla, który spopularyzował ten gatunek w Londynie w wyniku Angielskiej niechęci do włoskiej opery. Utwory takie jak Mesjasz, Izrael W Egipcie i Judasz Machabeusz pozostają ulubieńcami publiczności do dziś.
kantata: rozbudowany utwór składający się z szeregu recytacji i utworów setowych, takich jak arie, duety i chóry., Kantata powstała na początku XVII wieku we Włoszech jako świecki utwór skomponowany na głos solowy i basso continuo, najprawdopodobniej przeznaczony do występów na prywatnych spotkaniach towarzyskich. Wiele z tych utworów zostało opublikowanych, sugerując, że były wykonywane zarówno przez profesjonalnych muzyków,jak i amatorów. Do połowy wieku kantaty były publikowane rzadziej, co sugeruje, że coraz częściej wykonywali je profesjonaliści. Pod koniec XVII wieku kantaty zaczęły zawierać arię da capo i często miały akompaniamenty orkiestrowe., Do najważniejszych kompozytorów włoskiego gatunku kantat należą Luigi Rossi, Antonio Cesti, Alessandro Stradella, a w pierwszej połowie XVIII wieku Alessandro Scarlatti, Handel, Benedetto Marcello i Johann Adolf Hasse. Poza Włochami rozwijający się gatunek motetu Luterańskiego zaczął zawierać wiele elementów kantaty włoskiej, zwłaszcza techniki dramatycznej ekspresji, takie jak Recytacja i aria. Wiele kantat Bacha wykazuje szerokie wpływy ich włoskich odpowiedników.,
Muzyka instrumentalna
Sonata: używana do opisania kilku rodzajów utworów w epoce baroku, termin sonata najczęściej określał utwór w kilku częściach na jeden lub więcej instrumentów (najczęściej skrzypiec) i bassocontinuo; sonata na dwoje skrzypiec lub inne instrumenty wysokie z basem była zwykle nazywana Sonatą trio., Do 1650 roku Sonaty były często klasyfikowane jako sonatas da chiesa („Sonaty kościelne”), zwykle składające się z czterech części na przemian z tempami wolnymi i szybkimi i wykonywane w kościele, lub sonatas da camera („sonata kameralna”), która składała się z serii tańców zbliżonych do suity. Przykłady obu typów można znaleźć w późnych XVII-wiecznych dziełach Corellego. W XVIII wieku Telemann, Bach i handel napisali liczne Sonaty wzorowane na sonatach Corellego da chiesa., Początki sonat solowych na instrumenty klawiszowe sięgają późnego baroku, w tym na organy (Bach) i klawesyn (Handel, Domenico Scarlatti). Inne znane przykłady sonat solowych to utwory Bacha na skrzypce i wiolonczelę a cappella.
Koncert: pochodzący z włoskiego concertare (połączyć się, zjednoczyć), koncert przybrał kilka form w epoce baroku. Do początku XVIII wieku koncert był po prostu kompozycją, która łączyła zróżnicowany zespół składający się z głosów, instrumentów lub obu., Utwory sakralne na głosy i instrumenty były często nazywane koncertami, podczas gdy podobne świeckie utwory były ogólnie określane jako arie( airs), kantaty lub musiche. Podczas gdy w dziełach Claudio Monteverdiego można znaleźć koncerty sakralne na dużą skalę, bardziej intymne kompozycje na od jednego do czterech głosów, continuo i dodatkowe instrumenty solowe były znacznie powszechniejsze. W Niemczech wspaniałe przykłady koncertu sakralnego można znaleźć w dziełach Johanna Hermanna Scheina, Michaela Praetoriusa, Samuela Scheidta i Heinricha Schütza (zwłaszcza jego Kleine geistliche Concerte, czyli „małe koncerty sakralne” z lat 1636-39).,
pod koniec XVII wieku koncert zaczął przyjmować swoją współczesną definicję: utwór wielogłosowy na solistę Instrumentalnego (lub grupę solistów) i orkiestrę. Odwołując się do kanonady i sonat z przełomu XVI i XVII wieku, w których z wielkim skutkiem stosowano kontrastujące grupy instrumentów, concerto grosso na przemian grupuje niewielką grupę solistów z większym zespołem. Dzieła Corellego, w szczególności jego kolekcja op. 6, stanowią prawdopodobnie najbardziej znane przykłady XVII-wiecznego concerto grosso., Podczas gdy utwory Corellego były naśladowane w XVIII wieku, przede wszystkim w kolekcji Händla op. 6, wiele XVIII-wiecznych przykładów concerto grosso wykazuje coraz większy wpływ koncertu solowego (na przykład Koncerty brandenburskie J. S. Bacha).
najbardziej dominującym typem koncertu w XVIII wieku był koncert solowy, w którym występował pojedynczy instrument w przeciwieństwie do zespołu., Najbardziej płodnym kompozytorem koncertu solowego był Antonio Vivaldi, który napisał około 350 i ustanowił standardową trzyczęściową formę koncertu (dwie szybkie Części zewnętrzne, jedna Środkowa w wolniejszym tempie). Podczas gdy większość koncertów solowych została napisana na skrzypce, popularne były również koncerty na trąbkę, a także koncerty skomponowane na wiolonczelę, obój, flet i fagot. W 1730 roku Haendel napisał 16 koncertów organowych, a Bach skomponował również kilka koncertów na klawesyn w tym samym czasie (większość z nich to aranżacje utworów wcześniej istniejących).,
Suita: oparta na tradycyjnym parowaniu tańców w renesansie, Suita była pierwszym wieloczęściowym dziełem na instrumenty. Suita była zasadniczo serią tańców w tej samej tonacji, większość lub wszystkie w formie dwuczęściowej. Około połowy XVII wieku w Niemczech Sekwencja allemande, courante, sarabande i gigue stała się stosunkowo standardem, chociaż często wstawiano inne ruchy taneczne,takie jak dodatkowe allemandes lub courantes, bourreés, gavottes i menuets. Większość Suit zaczynała się również od części wprowadzającej, takiej jak preludium, ouverture czy fantasia., Dla wielu kompozytorów barokowych poszczególne tańce uosabiały określone postacie. W swoim Der volkommene Capellmeister (1739) niemiecki teoretyk Johann Mattheson podał listę charakteru każdego tańca: Menuet był „umiarkowaną wesołością”, gavotte” radosną radością”, bourreé” zadowoleniem”, courante” nadzieją”, Sarabande” ambicją”, a gigue mógł oznaczać wiele emocji, od gniewu do rozbiegania., Suity barokowe zostały skomponowane zarówno na instrumenty solowe, jak i na orkiestrę; te napisane na jeden lub dwa instrumenty melodyczne i continuo nazywane są niekiedy Sonatą da camera. Francuskie suity na klawiaturę nazywane są czasami ordres (jak w dziełach François Couperina, który wstawiał wiele ruchów nieanglojęzycznych, w tym sugestywne szkice postaci personelu dworskiego.
powrót do góry
Jak to było uczestniczyć w koncercie w epoce baroku?
w dzisiejszych czasach chodzenie na koncert jest wydarzeniem., Słyszymy reklamę w radiu lub widzimy notowanie w gazecie; kupujemy bilety; idziemy do sali koncertowej i siedzimy cicho, aż nadszedł czas na oklaski. W epoce baroku ten rodzaj publicznego koncertu był rzadkością. Wiele z najbardziej znanych barokowych kompozycji wykonywano w kościołach na nabożeństwo lub w ramach prywatnego koncertu lub uroczystości w domu bogatego patrona. W okresie baroku występy publiczne stały się jednak bardziej powszechne, zwłaszcza w gatunkach operowych i oratoryjnych, a nasza współczesna tradycja koncertowa zaczęła się łączyć w wielu miastach europejskich., Jak opisał Roger North występ w jednej z pierwszych serii koncertów, organizowanych w Londynie w latach 70.:
pierwsza próba była niska: projekt starego Banistera, który był dobrym skrzypkiem i kompozytorem teatralnym. Otworzył ciemny pokój w domu publicznym w białych zakonnikach; wypełnił go stołami i siedzeniami, i zrobił boczne pudełko z zasłonami do muzyki. Czasami małżonki, czasami solówki, skrzypiec, flażoletu, altówki, lutni i pieśni all ' italiana, a takie odmiany odwróciły firmę, która zapłaciła za przyjście., Jeden Szyling za sztukę, zadzwoń, co chcesz, zapłać rachunek i powitajcie panów.
pojawienie się publicznego koncertu sprawiło, że rosnąca klasa średnia stała się ważnym źródłem dochodów dla muzyków. Pod koniec baroku ta podgrupa społeczna stała się mecenasem muzycznym niemal tak potężnym jak Kościół czy Dwór.
powrót do góry
co nastąpiło po okresie baroku?
w połowie XVIII wieku atakowano barokową ideę muzyki jako formy retoryki., Muzyka miała niezwykłą moc wyrażania nawet najtrudniejszych pojęć—ale tylko w najbardziej „naturalnej” formie, którą Epoka baroku pozornie zamąciła. Jak powiedział Johann Adolph Scheibe o J. S. Bachu w 1737 roku,
Ten wielki człowiek byłby podziwem całych narodów, gdyby uczynił więcej udogodnień, gdyby nie zabrał naturalnego elementu w swoich utworach, nadając im turgid i zdezorientowany styl, i gdyby nie przyciemnił ich piękna nadmiarem sztuki., Ponieważ osądza według własnych palców, jego utwory są niezwykle trudne do zagrania; żąda bowiem, aby śpiewacy i instrumentaliści mogli robić z gardłami i instrumentami wszystko, co może grać na klawesynie, ale to jest niemożliwe… Turgidalność doprowadziła od tego, co naturalne do tego, co sztuczne, od tego, co wzniosłe do tego, co ponure; i … podziwia się uciążliwą pracę i Niecodzienny wysiłek-które jednak są na próżno wykorzystywane, ponieważ są sprzeczne z naturą.,
nacisk Scheibe ' a na klarowność i łatwość wykonania wskazuje na poważną zmianę w estetyce Muzycznej: w całej jego diatrybie ostatecznym arbitrem gustu nie jest Platon czy Arystoteles, ale ostatecznie sami słuchacze i wykonawcy. Ten nowy nacisk na bezpośrednią ekspresję melodyczną i jasną architekturę muzyczną wskazuje drogę do okresu klasycznego, epoki Mozarta i Haydna.
powrót do góry
Epoka baroku w epoce nowożytnej
chociaż okres baroku zakończył się ponad 250 lat temu, ślady epoki można usłyszeć wszędzie., Niektóre z najbardziej wpływowych i lubianych kompozycji są regularnie wykonywane w salach koncertowych, a bogactwo nagrań sprawia, że barok jest dostępny na żądanie. Wiele gatunków muzycznych, takich jak Oratorium, koncert i opera, powstało w tym okresie. XX wieku Kompozytorzy tacy jak Ralph Vaughn Williams, Igor Stravinsky i Benjamin Britten oddali hołd barokowi w swoich utworach., Jego wpływ można usłyszeć nawet poza sferą muzyki artystycznej: swobodne poruszanie się między solą a grupą w jazzie jest czasami porównywane do muzyki barokowej, a fragmenty Bacha i Vivaldiego często pojawiają się w solówkach gitarzystów heavymetalowych. A duch baroku-niezachwiana wiara w siłę muzyki, która dotyka życia ludzi-na zawsze zmienił historię muzyki.
powrót do góry