Bitte Lesen Sie diese Seite auf unsere erste Kunst-Lied: „Der Erlkonig.“Dieses Stück ist einer der bekanntesten Lieder der Romantik und sicherlich eine der berühmtesten Kompositionen Schuberts. Es ist in der Form durchkomponiert und der dramatische Text wird durch die Tatsache verstärkt, dass Sänger den vier Charakteren des Gedichts im Allgemeinen leicht unterschiedliche Tonqualitäten verleihen.ein bisschen wie ein Schauspieler, der mehrere Teile spielt., Da die Musik den Text des Gedichts so ausdrucksstark macht, möchte ich Sie ermutigen, das Stück auf der Wiedergabeliste anzuhören, sobald Sie den Artikel gelesen haben.
Einführung
Abbildung 1. „Erlkönig“ illustration Moritz von Schwind
„Erlkönig“ (auch genannt „Der Erlkönig“) ist ein Gedicht von Johann Wolfgang von Goethe. Es zeigt den Tod eines Kindes, das von einem übernatürlichen Wesen, dem Erlkönig oder „Erlkönig“, angegriffen wurde (was auf die wörtliche Übersetzung „Erlenkönig“ hindeutet, aber siehe unten)., Es wurde ursprünglich von Goethe im Rahmen eines Singspiels von 1782 mit dem Titel Die Fischerin komponiert.
Das Gedicht wurde von vielen klassischen Komponisten als Text für Lieder (Kunstlieder für Stimme und Klavier) verwendet.
Zusammenfassung
Ein ängstlicher kleiner Junge wird nachts von seinem Vater zu Pferd nach Hause getragen. Zu welcher Art von Haus ist nicht geschrieben; Deutscher Hof hat eine ziemlich breite Bedeutung von „Hof“, „Hof“, „Bauernhof“ oder (königlicher) “ Hof.“Der Mangel an Spezifität der sozialen Position des Vaters ermöglicht es dem Leser, sich die Details vorzustellen.,
Während sich das Gedicht entfaltet, scheint der Sohn zu sehen und zu hören, was sein Vater nicht tut; Der Leser kann nicht wissen, ob der Vater sich der Gegenwart tatsächlich bewusst ist, aber er beschließt, seinen Sohn zu trösten, indem er beruhigend naturalistische Erklärungen für das behauptet, was das Kind sieht—ein Hauch von Nebel, raschelnde Blätter, schimmernde Weiden. Schließlich schreit das Kind, dass er angegriffen wurde. Der Vater macht schneller für den Hof. Dort erkennt er, dass der junge tot ist.,
Text
| Original German | Literal translation | Adaptation |
|---|---|---|
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Wer reitet so spät durch Nacht und Wind? „Mein Sohn, was birgst du so bang dein Gesicht?” – „Du liebes Kind, komm, geh mit mir!, „Mein Vater, mein Vater, und hörest du nicht, „Willst, feiner Knabe, du mit mir gehn? „Mein Vater, mein Vater, und siehst du nicht dort „Ich liebe dich, mich reizt deine schöne Gestalt; Dem Vater grauset’s, er reitet geschwind, |
Who rides, so late, through night and wind? “ Mein Sohn, warum versteckst du dein Gesicht in Angst?“ „Du Liebes Kind, komm, geh mit mir! “ Mein Vater, mein Vater, und du nicht, “ Willst du, feiner Junge, mit mir gehen? “ Mein Vater, mein Vater, und siehst du nicht dort “ Ich liebe dich, deine schöne Form lockt mich; Es entsetzt den Vater; er reitet schnell weiter, |
Wer reitet da so spät durch die Nacht dunkel und düster? „Mein Sohn, warum suchst du dein Angesicht so, um dich zu verstecken?“ “ Oh, komm, du lieber Säugling! oh, komm du mit mir! “ Mein Vater, mein Vater, und hörst du nicht Die Worte, die der Erl-König jetzt in meinem Ohr atmet?“ “ Wilt go, dann, lieber Säugling, wilt go mit mir dort?, “ Mein Vater, mein Vater, und siehst du nicht, „ich Liebe dich, I‘ m charm ‚ D von thy beauty, dear boy! Der Vater galoppiert jetzt, mit Schrecken halb wild, |
Die Legende
Die Geschichte des Erlkönigs leitet sich von der traditionellen dänischen Ballade Elveskud ab: Goethes Gedicht wurde von Johann Gottfried Herders Übersetzung einer Variante der Ballade (Danmarks gamle Folkeviser 47B, aus Peter Syvs 1695er Ausgabe) ins Deutsche als „Erlkönigs Tochter“ in seiner Volksliedersammlung Stimmen der Völker in Liedern (erschienen 1778). Goethes Gedicht nahm dann ein Eigenleben an und inspirierte das romantische Konzept des Erlings., Niels Gades Kantate Elverskud opus 30 (1854, Text von Chr. K. F. Molbech) wurde in Übersetzung als Erlkönigs Tochter veröffentlicht.
Die Natur des Erlkönigs war Gegenstand einiger Debatten. Der Name übersetzt wörtlich aus dem Deutschen als“ Erlenkönig “ und nicht als seine übliche englische Übersetzung,“ Elfenkönig “ (der als Elfenkönig auf Deutsch gerendert würde). Es wurde oft vorgeschlagen, dass Erlkönig eine falsche Übersetzung aus dem ursprünglichen dänischen Elverkonge ist, was „König der Elfen“ bedeutet.,“
In der ursprünglichen skandinavischen Version der Geschichte war der Antagonist eher die Tochter des Erlkönigs als der Erlkönig selbst; die weiblichen Elfen oder elvermøer versuchten, Menschen zu verführen, um ihren Wunsch, ihre Eifersucht und ihre Rachsucht zu befriedigen.
Einstellungen zur Musik
Das Gedicht wurde oft mit Franz Schuberts Wiedergabe vertont, wobei sein Opus 1 (D. 328) das bekannteste ist. Weitere bemerkenswerte Schauplätze sind Mitglieder des Goethe-Kreises, darunter die Schauspielerin Corona Schröter (1782), Andreas Romberg (1793), Johann Friedrich Reichardt (1794) und Carl Friedrich Zelter (1797)., Beethoven versuchte, es zu vertonen, gab aber die Anstrengung auf; Seine Skizze war jedoch vollständig genug, um in einem Buch von Reinhold Becker (1897) veröffentlicht zu werden. Jahrhunderts sind die Vonváclav Tomášek (1815), Carl Loewe (1818) und Ludwig Spohr (1856, mit Obbligato-Violine) und Heinrich Wilhelm Ernst (Polyphone Studien für Solovioline). beispiele des 21. Jahrhunderts sind die „Etüde Nr. 8 (nach Goethe)“ des Pianisten Marc-André Hamelin für Soloklavier nach Erlkönig.“und der deutsche Rocksänger Achim Reichel auf seinem Album Wilder Wassermann (2002).,
Die Franz Schubert Komposition
Franz Schubert komponierte 1815 sein Lied „Der Erlkönig“ für Solostimme und Klavier und setzte Text aus Goethes Gedicht. Schubert revidierte das Lied dreimal, bevor er 1821 seine vierte Fassung als sein Opus 1 veröffentlichte; Es wurde von Otto Erich Deutsch als D. 328 in seinem 1951 erschienenen Katalog von Schuberts Werken katalogisiert. Dezember 1820 bei einem privaten Treffen in Wien uraufgeführt und am 7.März 1821 im Wiener Theater am Kärntnertor uraufgeführt.,
Die vier Charaktere des Liedes—Erzähler, Vater, Sohn und Erlking—werden normalerweise alle von einem einzigen Sänger gesungen; gelegentlich wird das Werk jedoch von vier einzelnen Sängern (oder drei, wobei einer die Teile sowohl des Erzählers als auch des Erlking übernimmt) aufgeführt. Schubert platzierte jede Figur weitgehend in einem anderen Stimmbereich und jeder hat seine eigenen rhythmischen Nuancen; Außerdem bemühen sich die meisten Sänger, für jeden Teil eine andere Stimmfarbe zu verwenden., Das Stück moduliert häufig, obwohl jeder Charakter zwischen Moll-oder Dur-Modus wechseln, je nachdem, wie jeder Charakter beabsichtigt, mit den anderen Zeichen zu interagieren.
- Der Erzähler liegt im mittleren Bereich und beginnt im Minor-Modus.
- Der Vater liegt im unteren Bereich und singt sowohl im Moll-als auch im Dur-Modus.
- Der Sohn liegt in einem höheren Bereich, auch im Moll-Modus.,
- Die Vokallinie des Erlkings wellt sich in verschiedenen Dur-Tonarten auf und ab zur arpeggierten Begleitung und bietet die einzige Pause von den Ostinato-Bassdreiecken in der Begleitung bis zum Tod des Jungen. Als der Erlenmensch zum ersten Mal versucht, den Sohn mitzunehmen, singt er in C-Dur. Wenn es vom Singenden zum Sohn übergeht, tritt die Modulation auf und der Sohn singt in g-Moll.Die Linien des Erlkings werden typischerweise in einer weicheren Dynamik gesungen, um zu einer anderen Klangfarbe beizutragen als die zuvor verwendete., Schubert markierte es Pianissimo im Manuskript, um zu zeigen, dass sich die Farbe ändern musste.
Ein fünfter Charakter, das Pferd, wird in schnellen Dreifachfiguren impliziert, die der Pianist während der gesamten Arbeit spielt und Hufschläge nachahmt.
„Der Erlkönig“ beginnt mit dem Klavierspiel von Drillingen, um ein Gefühl der Dringlichkeit zu erzeugen und das Galoppieren des Pferdes zu simulieren. Die linke Hand des Klavierparts führt ein Low-Register-Leitmotiv ein, das aus aufeinanderfolgenden Drillingen besteht. Die rechte Hand besteht aus Drillingen über das ganze Stück, bis zu den letzten drei Takten., Die konstanten Drillinge treiben die häufigen Modulationen des Friedens voran, wenn er zwischen den Charakteren wechselt. Dieses dunkle und bedrohliche Leitmotiv ist direkt mit dem Erlkönig verbunden und wiederholt sich im gesamten Stück. Diese Motive setzen sich durchgehend fort. Während das Stück weitergeht, wird jedes Plädoyer des Sohnes lauter und höher in der Tonhöhe als das letzte. Gegen Ende des Stücks beschleunigt sich die Musik und verlangsamt sich dann, während der Vater sein Pferd anspornt, schneller zu gehen, und kommt dann an seinem Ziel an. Das Fehlen des Klaviers erzeugt mehrere Effekte auf Text und Musik., Die Stille macht auf den dramatischen Text aufmerksam und verstärkt den immensen Verlust und die Trauer, die durch den Tod des Sohnes verursacht werden. Diese Stille vom Klavier liefert auch einen Schock, den der Vater erlebt, als er feststellte, dass er gerade seinen Sohn an den Elfenkönig verloren hatte, obwohl er verzweifelt darum kämpfte, den Sohn vor dem Griff des Elfenkönigs zu retten. Das Stück wird aufgrund der vielfältigen Charaktere, die der Sänger darstellen muss, sowie seiner schwierigen Begleitung, die schnell wiederholte Akkorde und Oktaven umfasst, die zum Drama und zur Dringlichkeit des Stücks beitragen, als äußerst herausfordernd angesehen.,
Der Erlkönig ist ein durchkomponiertes Stück, was bedeutet, dass es mit jeder Textzeile neue Musik gibt. Obwohl die melodischen Motive wiederkehren, verändert sich die harmonische Struktur ständig und das Stück moduliert innerhalb der Charaktere. Der Elfenkönig bleibt hauptsächlich im Hauptmodus, da er versucht, den Sohn dazu zu verführen, das Leben aufzugeben. Die Verwendung eines Dur-Modus erzeugt einen Effekt, bei dem der Elfenkönig eine warme und einladende Aura darstellen kann, um den Sohn davon zu überzeugen, dass das Leben nach dem Tod große Freuden und Vermögen verspricht.,Der Sohn beginnt immer im Moll-Modus zu singen und bleibt normalerweise für seine ganze Linie darin. Dies wird verwendet, um seine Angst vor dem Elfenkönig darzustellen. Jedes Mal, wenn er die berühmte Zeile „Mein Vater“ singt, singt er sie in jedem Vers einen Schritt höher, beginnend mit einem D und bis zu einem F in seiner letzten Zeile. Dies deutet auf seine Dringlichkeit hin, um seinen Vater dazu zu bringen, ihm zu glauben, wenn der Elfenkönig näher kommt. Für die meisten Zeilen des Vaters beginnen sie in Moll und enden in Dur, als er versucht, seinen Sohn zu beruhigen, indem er die „Halluzinationen“ seines Sohnes rational erklärt und den Elfenkönig entlässt., Die Konstante in Dur und Moll für den Vater kann auch den ständigen Kampf und Kontrollverlust darstellen, wenn er versucht, seinen Sohn vor der Überzeugung des Elfenkönigs zu retten.
Der Rhythmus der Klavierbegleitung ändert sich auch innerhalb der Charaktere. Das erste Mal, wenn der Elfenkönig in Maß 57 singt, verschwindet das galoppierende Motiv. Wenn der Elfenkönig aber wieder im Takt 87 singt, ist die Klavierbegleitung eher arpeggierend als akkordspielend. Das Verschwinden des galoppierenden Motivs symbolisiert auch den halluzinatorischen Zustand des Sohnes.,
Der Erlkönig wurde für verschiedene Einstellungen transkribiert: für Soloklavier von Franz Liszt; für Solostimme und Orchester von Hector Berlioz; für Solovioline von Heinrich Wilhelm Ernst.
Die Carl Loewe Komposition
Carl Loewes Vertonung erschien als Op. 1, Nr. 3 und komponierte 1817-18, zu Lebzeiten des Gedichtautors und auch von Schubert, dessen Fassung Loewe damals nicht kannte. 1, Edward (1818; eine Übersetzung der schottischen Ballade) und Nr. 2, Der Wirthin Töchterlein (1823; Die Tochter des Gastwirts), ein Gedicht Ludwig Uhlands., Inspiriert von einer deutschen Übersetzung schottischer Grenzballaden setzte Loewe mehrere Gedichte mit einem elbischen Thema; obwohl sich alle drei Op. 1 mit dem vorzeitigen Tod befassen, hat in diesem Satz nur der „Erlkönig“ das übernatürliche Element.
Loewes Begleitung erfolgt in halbstündigen Gruppen von sechs in neun-acht Zeit und markiert Geschwind (schnell). Die Gesangslinie erinnert an den galoppierenden Effekt durch wiederholte Figuren von Crotchet und Quaver oder manchmal drei Quavers, die das binäre Tremolo der Semiquavers im Klavier überlagern., Neben einem ungewöhnlichen Bewegungsgefühl entsteht dadurch eine sehr flexible Schablone, damit die Spannungen in den Wörtern korrekt in die rhythmische Struktur fallen.
Loewe-version ist weniger melodisch als Schuberts, mit der Sie eine eindringliche, repetitive harmonische Struktur zwischen dem Eröffnungs-Moll, und die Beantwortung Sätze in der Dur-Tonart der dominante, die eine stark Qualität aufgrund Ihrer ungewöhnlichen Beziehung auf die home-Taste., Die Sätze des Erzählers werden von den Stimmen von Vater und Sohn widergespiegelt, der Vater nimmt die tiefere, aufsteigende Phrase auf und der Sohn ein leicht welliges, beantwortendes Thema um die dominante fünfte. Diese beiden Themen rufen auch das Aufstehen und Stöhnen des Windes hervor. Der Elfenkönig, der immer Pianissimo hört, singt keine Melodien, sondern liefert unwesentlich aufsteigende Arpeggien, die einen einzigen Dur-Akkord (den der Home-Taste) umreißen, der gleichzeitig auf dem Klavier in una corda Tremolo klingt. Erst mit seinem letzten bedrohlichen Wort, „Gewalt“, weicht er von diesem Akkord ab., Loewes Implikation ist, dass das Streicheln keine Substanz hat, sondern nur in der fiebrigen Vorstellungskraft des Kindes existiert. Während das Stück fortschreitet, werden die ersten in den Gruppen von drei Quavers punktiert, um ein atemloses Tempo zu erzeugen, das dann eine Bassfigur im Klavier bildet, die bis zur letzten Krise durchdringt. Die letzten Worte, war tot, springen von der unteren Dominante zum geschärften Drittel der Home-Taste, diesmal nicht zum Dur, sondern zu einem verminderten Akkord,der sich chromatisch durch die Home-Taste in Dur und dann zum Moll setzt.