“バロック”とは何ですか、そしてバロック時代はいつでしたか？
ポルトガルのbarroco、または”奇妙な形の真珠”に由来する”バロック”という用語は、1600年から1750年頃までの西ヨーロッパの芸術音楽の期間を記述するために十九世紀以来広く使用されています。 音楽史の偉大な傑作のいくつかを不格好な真珠と比較すると、今日の私たちには奇妙に見えるかもしれませんが、この用語を適用した十九世紀の, 長い間、その軽蔑的な意味合いを流してきた”バロック”は、音楽史の中で最も豊かで最も多様な期間の一つにとって、今や便利なキャッチオールです。
パッヘルベルのカノンやヴィヴァルディの四季を含む、私たちのほとんどに馴染みのある最も初期のヨーロッパの音楽を生産することに加えて、バロック時代も私たちの視野を大きく拡大しました。 惑星が地球の周りを回っていないというコペルニクスの16世紀の理論の受け入れは、宇宙をはるかに大きな場所にしましたが、ガリレオの仕事は私たちが宇宙とよりよく知り合うのを助けました。, 望遠鏡の発明のような技術の進歩は、有限であると信じられていたものを無限に見えるようにしました。 デカルト、ホッブズ、スピノザ、ロックのような偉大な思想家は、存在の大きな問題に取り組んだ。 ルーベンス、レンブラント、シェイクスピアのような天才は、彼らの芸術を通じてユニークな視点を提供しました。 ヨーロッパ諸国は、以前は馴染みのなかった世界の一部と直接接触するように私たちをもたらし、外国貿易と植民地化にますます関与して成長しまし, そして、新しい中産階級の成長は、教会と裁判所の気まぐれに長い間依存していた芸術文化に命を吹き込んだ。
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バロックの主要な作曲家は誰で、彼らはどこから来ましたか？
モンテヴェルディ、コレッリ、ヴィヴァルディなど、バロック時代の最初の部分からよく知られている人格の多くは、イタリアから来ています。 （十八世紀半ばまでに、私たちの焦点は、ドイツの作曲家バッハとヘンデルにシフトします。）バロック音楽で識別される形態の多くは、カンタータ、協奏曲、ソナタ、オラトリオ、オペラなど、イタリア発祥のものです。, イタリアはこれらのジャンルの発展に重要な役割を果たしましたが、それが国家であることを意味するものの新しい概念は、”国家スタイル”の不可欠”国家間の違いは、音楽が作曲された方法だけでなく、パフォーマンスの慣習においても、時代からの音楽でしばしば聞こえる。 しかし、今日のバロック音楽の経験のより大きな部分を主張しているように見える国もありますが、すべての国が役割を果たしました。, としてミュージシャンや作曲家旅ヨーロッパと聞いてお互いの音楽の新しい条約った微妙な感想です。 イタリア：モンテヴェルディ、フレスコバルディ、コレッリ、ヴィヴァルディ、ドメニコ、アレッサンドロ-スカルラッティ
フランス：クーペラン、ルリー、シャルパンティエ、ラモー
ドイツ：プラエトリウス、シャイン、シャイト、シュッツ、テレマン、ヘンデル、バッハ
イングランド：パーセル
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バロック音楽の哲学は何ですか？,
単一の哲学は、ヨーロッパ各地からの音楽の150年を記述することはできませんが、いくつかの概念は、バロック時代に重要です。
コミュニケーションの強力なツールとしての音楽への信念
バロック音楽の主要な哲学的流れの一つは、古代ギリシャとローマからのアイデアにルネサンスの関心から来ています。 のギリシャ-ローマとした音楽は強力なコミュニケーション-ツールが潜在的なマーケットが存在載情緒はそのリスナー., これらのアイデアの復活の結果、作曲家はますます音楽の潜在的な力を認識し、彼らが正しく古代音楽をエミュレートすれば、自分の作曲は同様の効果を持つことができるという信念を培った。,ance,
私はしばしばそれがSieur Claudin Le Jeuneについて言った聞いたことがあります（誰も軽視することを望まずに、これらの問題の理解において過去のミュージシャンをはるかに上回っています）。誰かを攻撃することから彼：するとクローディンは別の空気を歌い始めた…それは紳士を以前と同じように穏やかにした。, これは、そこにいた何人かによって以来、私に確認されています。 これは、心の上のメロディー、リズム、調和の力と力です。
1605年、イタリアの作曲家クラウディオ-モンテヴェルディは、実際に”第一”と”第二”の練習を定義しました。 バロックでは、音楽の力を使ってコミュニケーションをとることが第二の練習の精神であり、時代を支配するようになりました。,
後援の現実
バロック作曲家の芸術哲学についての議論は、少なくともわずかに、彼らの生活の現実によって和らげられるべきである。 現代では、芸術家は頻繁に作成するために動かされる一種の芸術を丁度作成する生計を立てる。 したがって、私たちはしばしば、アーティスト—そして彼または彼女の芸術的なインスピレーションの程度—を芸術作品の出発点と考えます。 しかし、バロック時代の多くを通じて、作曲家は、政治的または宗教的機関の給与水準にあるほど幸運であれば、音楽を書くことで生計を立てるだけであった。, したがって、その機関の音楽的ニーズは、作曲家が制作した音楽を決定付けました。 バッハは、例えば、彼がやったカンタータの数を書いたが、必ずしも彼がフォームをインスピレーションを見つけたのではなく、彼を雇ったライプツィヒ教会の典礼的要求のために。 この光の中で見ると、バロック音楽は歴史に魅力的な窓を提供することができます。
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バロック音楽の特徴は何ですか？
音楽の劇的で修辞的な可能性に対する新しい関心は、バロック時代に新しい音の理想を生み出しました。,
劇的な要素としてのコントラスト
コントラストは、バロック組成物のドラマにおいて重要な要素です。 大音量と柔らかさ、ソロとアンサンブル（協奏曲のように）の違い、異なる楽器と音色はすべて、多くのバロック組成物において重要な役割を果たします。 作曲家はまた、楽器についてより正確になり始め、演奏者が選択できるようにするのではなく、曲を演奏する楽器を指定することがよくありました。 トランペットやヴァイオリンのような華麗な楽器も人気が高まった。,
Monodyとbasso continuoの出現
以前の音楽時代では、音楽の一部は、おそらく即興伴奏を伴う単一のメロディー、または同時に演奏されるいくつかのメロディーで構成される傾向がありました。 バロック時代までは、”メロディー”と”ハーモニー”の概念が本当に明確になり始めました。 古代音楽を模倣する努力の一環として、作曲家は、第十五と第十六世紀を支配した複雑なポリフォニーにはあまり焦点を当て始め、単純化された伴奏、またはモノディを持つ単一の声により焦点を当て始めました。, ギリシャ人やローマ人の著作が示すように、音楽が修辞の一形態であったならば、強力な雄弁家が必要であり、ボーカルソリストよりも仕事のために誰が良いのでしょうか？ 感情の表現とソロ歌手の間の新しい合併は、彼が書いているマドリガルの彼の第八の本（1638）からCombattimento di Tancredi e Clorindaへのモンテヴェルディの序文で大声で明確に通って来る：”それは私たちの心のチーフ情熱や愛情は、数の三つ、すなわち怒り、平静と謙虚さであることを私には思えました。, 最高の哲学者は同意し、私たちの声の本質は、その高、低、中の範囲で、同じくらいを示すでしょう。”最も初期のオペラは、この新しい美学の優れた実例です。
単一のメロディーとベースラインに重点を置くとともに、メロディーとベースラインを書き出し、ハーモニックフィラーを速記の一種で示す楽譜法であるbasso continuoの練習が来た。, イタリアのミュージシャンAgostino Agazzariが1607年に説明したように：
言葉を表現する真のスタイルは、ついに見つかったので、すなわち、単一の声（または少数よりも多く）で最もよく成功する、可能な限り最良の方法でその感覚を再現することによって、様々な有能な男性による現代の放送のように、そして協調音楽におけるローマでの絶え間ない練習のように、私はスコアを作る必要はないと言います…低音、その兆候を持つ低音を作る必要はないと言います。ハーモニーは、十分です。, しかし、フーガと対位法でいっぱいの古い作品を演奏するために、低音では十分ではないと言う人がいたら、私の答えは、この種のボーカル作品はもはや使用されていないということです。
basso continuo、または徹底した低音は、バロック時代の終わりまで標準的な練習のままであったため、この時代は”徹底した低音の時代”として知られることもある。”
異なる楽器の音
数十年間無視された後、バロック音楽は過去五十年間にわたってますます人気が高まっています。, この新しい関心の一環として、学者やミュージシャンは、音楽が17世紀と18世紀の観客にどのように聞こえたかを理解しようとする無数の時間を費や ピッチ：1939年、現代のオーケストラはa’=440hz（440サイクル/秒でピッチされた音符A）に調整することに同意し、以前は低いピッチ（a’=435hz）を1859年に採用した。 しかし、1859年以前には、ピッチの標準はありませんでした。, したがって、バロックのアンサンブルが調整された音符は、異なる時間と異なる場所で広く変化しました。 その結果、スコアに記譜された音楽は、伝統的に今日の演奏方法よりも半音低く聞こえたかもしれません。 この矛盾を許容するために、多くのバロックアンサンブルは、後期バロック音楽の場合はa’=415hz、フランス音楽の場合はa’=392hz、初期イタリア音楽の場合はa’=440hz、クラシックレパートリーの場合はa’=430hzである。,
音色：バロックアンサンブルの楽器のほとんどはおなじみですが、現代のアンサンブルではもはや紹介されていない著名なメンバーがいます。 チェンバロは主要な鍵盤楽器であり（コンティオグループの重要なメンバーであった）、リュートやヴィオールのような16世紀と17世紀に重要な楽器は依然として使用され続けた。 の変動機器の現在でもその人気はまた、バロック様式のアンサンブル異音がします。, ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロのような弦楽器は、金属で包まれた弦ではなく、ガット弦を使用しており、例えば、彼らにまろやかで甘い音色を与えていました。
パフォーマンステクニック：バロックスコアは、関節、装飾やダイナミクスのような要素についてのほとんど（もしあれば）情報が含まれているので、現代のアンサンブルは、各パフォーマンス, バロックと現代の楽器の機械的な違いは、古い楽器が異なって聞こえたことを示唆しているので、バロックの音楽のようなアンサンブルは、しばしば たとえば、バロックとモダンの弓は構造的に異なるため、現代の弓を使用する弦楽器は、弦に対してより穏やかな攻撃を使用し、長い音符にはクレッシェンドとディミニュエンドを使用することが多い。, 17世紀から18世紀にかけての演奏論文では、フィンガービブラート（弦楽器の奏者が弦の上で指先を揺らして音色を豊かにする技術）が表現力豊かな瞬間に控えめに使用され、ボウビブラート（弓の起伏のある動き）が一般的に好まれていたことが示唆されている。
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バロック時代を定義するためにどのような音楽形式が登場しましたか？
モテットや特定のダンスなど、以前の時代の形式が引き続き使用されていましたが、レトリックの一形態としての音楽への関心は、特に声楽の分野で、新しいジャンルの発展を引き起こしました。, バロック時代に関連付けられているフォームの多くは、この新しい劇的な衝動、特にオペラ、オラトリオ、カンタータから直接出てきます。 器楽の分野では、コントラストの概念と大規模な形を作りたいという欲求が協奏曲、ソナタ、組曲を生み出しました。
声楽
オペラ：主に歌われ、楽器を伴い、ステージ上で提示されるドラマ。 オペラは、通常、プロットを進める朗読、スピーチのような歌とアリア、文字がアクションの特定のポイントで感情を表現する歌の間で交互に。, コーラスやダンスも頻繁に含まれています。 十七世紀の変わり目にジャンルの出現は、多くの場合、フィレンツェのカメラータとして今日知られているフィレンツェの詩人、ミュージシャンや学者のグループの活動に関連付けられています。 現存する最初のオペラは、オッタヴィオ-リヌッチーニの台本に基づいて1598年にフィレンツェで上演されたヤコポ-ペリの”ダフネ”であり、今日でも上演されている最古のオペラはクラウディオ-モンテヴェルディの”オルフェオ”（1607年）である。, 最初のオペラの主題はすべてギリシャ神話から取られており、古代文化の音楽とドラマを再現しようとする試みとの密接な提携を反映しており、招待されたゲストのために貴族のサークルでのみ行われていた。
1637年にヴェネツィアに最初の公共オペラハウスがオープンしたとき、ジャンルは観客の好みに合わせて変更されました。 ソロ歌手は一種の有名人の地位を取り、その結果としてアリアに重点が置かれました。 Recitative増加の必要性が大きくなり、歌や踊りのほぼ消失してからイタリアオペラ座があります。, 頻繁にオペラを上演することの財政的現実も影響を与えました。 宮廷でのオペラに関連する壮大な舞台効果は大幅に軽視され、台本はストックシーニックデバイスを利用するために構築されました。 18世紀初頭までに（特にナポリで）、オペラの二つのサブジャンルが明らかになった：深刻な主題とダ-カーポ-アリアに焦点を当てたオペラ-セリアと、軽くて滑稽なトーンを持ち、時にはデュエット、トリオ、大きなアンサンブルを使用したオペラ-ブッファ。 イタリアの伝統のオペラは徐々に支配はほとんどの欧州諸国。, しかし、17世紀後半のフランスでは、イタリア生まれのジャン＝バティスト-リュリーと台本作家のフィリップ-キノーが、tragédie-lyriqueとして知られるオペラのユニークなフランス版を作りました。
オラトリオ：風景、衣装やアクションのないパフォーマンスのために意図された宗教的な主題に基づいてテキストと拡張された音楽ドラマ。 オラトリオは、もともと祈りのホール、典礼とは異なる宗教的経験のための場所として設計された教会に隣接する建物を意味しました。, モテットとマドリガルのレパートリーにおけるオラトリオのための十六世紀後半の先例がありますが、明確な音楽ジャンルとしてのオラトリオは、1600年代初頭にこれらのスペースの優れた音響の中で浮上しました。17世紀半ばまでに、オラトリオは宮殿や公共劇場で演奏され、ますますオペラに似て成長していましたが、主題、二つの部分（三つの幕ではなく）に分割され、上演されたアクションの欠如はまだそれを離れて設定しました。, イタリアのジャンルに関連する作曲家の中には、ジョコモ-カリッシミ、アレッサンドロ-スカルラッティ、アントニオ-ヴィヴァルディなどがいる。 オラトリオはヨーロッパの他の地域でも人気が高まった。 プロテスタントのドイツでは、ルター派教会で使用するために作曲された劇的な音楽は、特に非聖書的なテキストを含めることで、徐々にオラトリオの要素と融合するようになった。 オラトリオの情熱は、それが呼び出されるようになったとして、J.S.バッハの偉大な作品で最高潮に達しました。, イタリア以外の有名な例としては、イタリアのオペラに対するイギリスの嫌悪感の結果としてロンドンでこのジャンルを普及させたジョージ-フリデリック-ヘンデルの英語のオラトリオがある。 このような救世主、エジプトのイスラエルとユダMaccabeusなどの作品は、この日に観客のお気に入りのままです。
カンタータ：朗読の連続と、アリア、デュエット、コーラスなどのセットピースからなる拡張された作品。, 17世紀初頭のイタリアに起源を持つカンタータは、独唱と通奏低音のために作曲された世俗的な作品として始まり、おそらく私的な社交の集まりでの演奏を目的としていた。 これらの多くの作品が出版された、こうしたプロのミュージシャンからもアマチュアます。 世紀の半ばまでにカンタータはあまり頻繁に出版されず、演奏はますます専門家によって行われていたことを示唆している。 17世紀末までに、カンタータはダ-カーポ-アリアを取り入れ始め、しばしばオーケストラ伴奏を持っていた。, イタリアのカンタータジャンルの主要な作曲家には、ルイージ-ロッシ、アントニオ-セスティ、アレッサンドロ-ストラデッラ、18世紀前半にはアレッサンドロ-スカルラッティ、ヘンデル、ベネデット-マルチェロ、ヨハン-アドルフ-ハッセがいる。 イタリア以外では、ルター派のモテットのジャンルが拡大し、イタリアのカンタータの多くの要素、特にレチタティブやアリアのような劇的な表現の技 バッハの多くのカンタータは、彼らのイタリアの対応の幅広い影響を示しています。,
器楽曲
ソナタ：バロック時代にいくつかのタイプの作品を記述するために使用され、用語ソナタは、最も一般的に一つ以上の楽器（最も頻繁にバイオリン）とファゴットのためのいくつかの楽章の作品を指定しました。, 1650年代までに、ソナタはしばしばソナタ-ダ-キエーザ（”教会のソナタ”）として分類され、通常は遅いテンポと速いテンポを交互に四つの楽章で構成され、教会で演奏されるか、組曲に似た一連の踊りで構成されるソナタ-ダ-カメラ（”室内のソナタ”）のいずれかに分類された。 両方のタイプの例は、17世紀後半のCorelliの作品に見ることができます。 18世紀、テレマン、バッハ、ハンデルはコレッリの”ソナタ-ダ-キエーザ”をモデルにした数多くのソナタを書いた。, 鍵盤楽器のためのソロソナタの卓越性への上昇は、オルガン（バッハ）とチェンバロ（ヘンデル、ドメニコ-スカルラッティ）のためのものを含む、バロック期 ソロソナタの他の有名な例は、無伴奏ヴァイオリンとチェロのためのバッハの作品が含まれています。
協奏曲：イタリアの協奏曲（一緒に結合する、団結する）から派生し、協奏曲はバロック時代にいくつかの形を取った。 18世紀初頭まで、協奏曲は単に声、楽器、またはその両方からなる多様なアンサンブルを統合した組成物でした。, 声や楽器のための神聖な作品はしばしば協奏曲と呼ばれ、同様の世俗的な作品は一般的にarie（airs）、cantatasまたはmusicheと呼ばれていました。 クラウディオ-モンテヴェルディの作品には大規模な神聖な協奏曲が見られるが、一から四の声、連続音、追加のソロ楽器のためのより親密な組成物ははるかに一般的であった。 ドイツでは、神聖な協奏曲の素晴らしい例は、ヨハン-ヘルマン-シャイン、ミヒャエル-プラエトリウス、サミュエル-シャイト、ハインリヒ-シュッツの作品（特に1636-39年のKleine geistliche Concerte、または”小さな神聖な協奏曲”）に見ることができる。,
その後十七世紀に、協奏曲は、その現代的な定義を仮定し始めた：楽器ソリスト（またはソリストのグループ）とオーケストラのためのマルチムーブメント作品。 大きな効果に楽器の対照的なグループを使用十六と十七世紀のカンツォーナとソナタからそのキューを取って、コンチェルトグロッソは、より大きなアンサンブルとソリストの小さなグループを交互に行います。 コレッリの作品、特に彼の作品6コレクションは、おそらく17世紀後半の協奏曲グロッソの最もよく知られた例を提供します。, コレッリの作品は18世紀にエミュレートされたが、特にヘンデルの作品6コレクションでは、18世紀の協奏曲グロッソの多くの例は、独奏協奏曲の影響が高まっていることを示している（例えば、J.S.バッハのブランデンブルク協奏曲）。
18世紀における協奏曲の最も支配的なタイプは、アンサンブルとは対照的に、単一の楽器を特色にしたソロ協奏曲でした。, 独奏協奏曲の最も多作な作曲家はアントニオ-ヴィヴァルディであり、約350曲を作曲し、協奏曲の標準的な三楽章形式（二つの速い外楽章、より遅いテンポで一つの中間楽章）を確立した。 ほとんどの独奏協奏曲はヴァイオリンのために書かれたが、トランペットの協奏曲も人気があり、チェロ、オーボエ、フルート、ファゴットのための協奏曲も作曲された。 1730年代、ヘンデルは16のオルガン協奏曲を作曲し、バッハは同時期にチェンバロのためのいくつかの協奏曲を作曲した（これらのほとんどは現存する作品の編曲である）。,
組曲：ルネサンスの伝統的な踊りのペアリングに基づいて、組曲は楽器のための最初のマルチ楽章の仕事でした。 組曲は基本的に同じキーでの一連の踊りであり、それらのほとんどまたはすべては二部形式であった。 17世紀半ば頃、ドイツではアレマンド、クーランテ、サラバンド、ジグエのシーケンスが比較的標準的になったが、追加のアレマンドやクーランテ、ブレス、ガヴォット、メヌエットなどの他のダンスムーブメントがしばしば挿入された。 ほとんどの組曲はまた、前奏曲、ウヴェルチュール、ファンタジアなどの入門楽章から始まりました。, 多くのバロック作曲家にとって、異なる踊りは特定の文字を具現化しました。 1739年、ドイツの理論家ヨハン-マテソンは”Der volkommene Capellmeister（完全な音楽監督）”の中で、メヌエットは”穏やかな陽気”、ガヴォット”歓喜の喜び”、ブルレ”満足”、クーランテ”希望”、サラバンド”野心”、ジグエは怒りから飛翔までの多くの感情を意味することができると述べた。, バロックスイーツで採点したソロ楽器としても楽団、記述のために、メロディ楽器やcontinuoることもあり題-ソナタ-ダ-カメラです。 キーボードのためのフランスの組曲は、時にはオルドルと呼ばれる（フランソワ-クープランの作品のように、裁判所の職員の刺激的な文字のスケッチを含む多くの非ダンスの動きを挿入した。
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バロック時代のコンサートに出席したのはどんな感じでしたか？
現代では、コンサートに行くことはイベントです。, 私達はラジオの広告を聞くか、または新聞のリストを見る;私達は切符を購入する;私達はコンサートホールに行き、それが拍手する時間まで静かに坐る。 バロック時代には、この種の公共コンサートはまれでした。 最も有名なバロック様式の作品の多くは、礼拝のために教会で、または裕福なパトロンの家でのプライベートコンサートやお祝いの一環として行われま しかし、バロック時代には、特にオペラやオラトリオのジャンルで公演がより一般的になり、現代のコンサートの伝統は多くのヨーロッパの都市で合体し始めました。, ロジャー-ノースは、1670年代にロンドンで開催された最も初期のコンサートシリーズの一つでパフォーマンスを説明したように：
最初の試みは低かった：良いバイオリンだった古い手すりのプロジェクト、そして演劇作曲。 彼は白い修道士のパブリックハウスにあいまいな部屋を開き、テーブルと席でそれを満たし、音楽のためのカーテン付きのサイドボックスを作った。 時には配偶者、時にはソロ、ヴァイオリン、flageolet、バスヴィオル、リュートと歌all’Italiana、およびそのような品種の会社を転用し、来る時に支払った。, 一つの作品をシリング、あなたがしてください何のために呼び出し、清算を支払う、と紳士を歓迎します。
公共コンサートの出現は、成長する中産階級を音楽家にとって重要な収入源にしました。 バロックの終わりまでに、この社会的なサブセットは、教会や裁判所とほぼ同じくらい強力な音楽のパトロンになっていました。
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バロック時代の後に何が来たのですか？
十八世紀の半ばまでに、レトリックの一形態としての音楽のバロック様式のアイデアは攻撃を受けていました。, 音楽は、最も難しい概念でさえも表現する驚くほど強力な力を持っていました—しかし、バロック時代が表向き混乱していた最も”自然な”形でのみ。 ヨハン-アドルフ-シェイベが1737年にJ.S.バッハについて述べたように、
この偉大な男は、彼がより快適さを作った場合、彼は彼らに膨らんで混乱したスタイルを与えることによって彼の作品の自然な要素を取り除かなかった場合、そして彼は芸術の過剰によって彼らの美しさを暗くしなかった場合、彼はより多くの国の賞賛になるでしょう。, 彼は自分の指で判断するので、彼の作品は演奏するのが非常に難しいです。なぜなら、歌手や楽器奏者は、彼がクラビエで演奏できるものは何でも喉や楽器で行うことができるべきであると要求しているからです。しかし、これは不可能です…膨らみは自然から人工へ、そして高尚から陰鬱につながっています。そして…人は面倒な労働と珍しい努力を賞賛します—しかし、彼らは自然と矛盾するので、無駄に雇われています。,
Scheibeの明快さとパフォーマンスのしやすさに対する主張は、音楽の美学の大きな変化を示唆しています：彼のdiatribeを通して、味の最終的なアービターはプラトンやアリストテレスではなく、最終的にはリスナーとパフォーマー自身です。 直接的な旋律的表現と明確な音楽的建築に対するこの新しい重点は、古典的な時代、モーツァルトとハイドンの時代への道を指しています。
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現代のバロック時代
バロック時代は250年以上前に終わったものの、時代の痕跡はどこにでも聞こえます。, 最も影響力と最愛の組成物のいくつかは、定期的にコンサートホールで実行され、録音の富は、オンデマンドで利用可能なバロックを作ります。 オラトリオ、協奏曲、オペラなど、今日でも使用されている音楽ジャンルの多くは、この時代に始まったものです。 ラルフ-ヴォーン-ウィリアムズ、イーゴリ-ストラヴィンスキー、ベンジャミン-ブリテンなどの二十世紀の作曲家は、彼らの作品でバロックに敬意を表した。, ジャズにおけるソロとグループの自由な動きは、時にはバロック音楽と比較され、バッハやヴィヴァルディのスニペットは、ヘヴィメタルギタリストのソロに頻繁に登場する。 そして、人々の生活に触れる音楽の力に対する揺るぎない信念であるバロックの精神は、音楽の歴史を永遠に変えました。
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