アールヌーボーの歴史
“アールヌーボー”という用語は、アバンギャルドなアートコレクタージークフリート-ビング（1838-1905）が所有する”ラ-メゾン-ド-ラルール-ヌーボー”と呼ばれるパリのアートギャラリーの名前から生まれたものであり、アールヌーボー様式で制作された作品を展示していた。 ギャラリーの評判と名声は、1900年の万国博覧会でモダンな家具、タペストリー、オブジェダートのインストールによってかなり後押しされ、その後ギャラリーの名はスタイルとほぼ同義になった。,
同時に、ベルギーではLes VingtとLa Libre Esthetiqueによってスタイルが推進され、ドイツではJugend:Münchner illustrierte Wochenschrift für Kunst und Leben（若者：ミュンヘンの芸術と生活の図解週刊誌）という雑誌によって普及-推進されました。-スタイル）。, オーストリアでは、アールヌーボーは最初にウィーン分離運動の芸術家によって普及し、”Sezessionstil”という名前の採用につながった。 実際、ヨーゼフ-マリア-オルブリッヒ（1867年-1908年）のようなウィーンの分離主義者は、オーストリア＝ハンガリー全体の芸術と建築に影響を与えました。 ドイツでは、ミュンヘン分離（1892年）とベルリン分離（1898年）の後、その主要な実践者の多くは、ドイツ労働連盟（Deutscher Werkbund）のメンバーとして1907年に再び集まった。,
スタイルの新規性、またはそのリボンのような曲線のデザインを反映した他の一時的な名前が使用されました。 たとえば、フランスでは”le style moderne”または”le style nouille”（ヌードルスタイル）、スペインでは”arte joven”（若い芸術）、イタリアでは”arte nuova”、オランダでは”Nieuwe kunst”（両方とも新しい芸術）とも呼ばれていました。 のスタイルと呼ばれることがあります後の指数やプロモーター。, アメリカでは、アールヌーボーのガラス職人で宝石商のルイ-コンフォート-ティファニーとの関係から、このムーブメントは”ティファニー-スタイル”と呼ばれていました。
アール-ヌーヴォーの進化
アール-ヌーヴォーの起源は不明であるが、ほとんどの美術史家は、そのルーツは中世のウィリアム-モリスによって提唱されたイギリスの美術工芸運動、そして日本の木版画の平らな視点と強い色にあると同意している。, このイディオムは、1880年代と1890年代にヨーロッパを席巻したジャポニズムの波によって強化され、ブルターニュのポンタヴァン学校で開発された合成（ゴーギャン）と七宝（ベルナール、アンケタン）の装飾画様式によって強化された。 詳細については、を参照してください：ポスト印象派の絵画（1880-95）。
運動として、アールヌーボーはロマン主義、ラファエロ前派、象徴主義者、美術工芸運動と一定の特徴を共有していましたが、それぞれにはさまざまな点, 例えば、象徴主義の絵画とは異なり、アールヌーボーは独特の視覚的な外観を持っており、職人志向の芸術&工芸品の動きとは対照的に、アールヌーボーのアーティストは容易に新しい材料を採用し、大量生産または機械加工された表面に背を向けなかった。
ユーゲントシュティールの実践者とケルトスタイルのアーティスト、特に抽象的なパターンワークの分野での間にもつながりが築かれました。 クリストファー-ドレッサーの”多様性における統一”（1859年）は、芸術家のための植物学に関する論文でもあり、影響力があった。, しかし、Arthur Heygate Mackmurdo（1851-1942）は、新しいモードがはっきりと示されるように、歴史的な先例が十分に抑制された最初のデザイナーとしてしばしば識別されています。 確かに、アールヌーボーの最も初期の例は、サークリストファー*レンの都市教会（1883）のための彼の本の表紙でマックマードによって使用されるリズミカルな花のパター 彼の建物、家具、グラフィックス、テキスタイルは、自然界から排他的ではないが、間違いなく派生し、その材料の強い感覚を伝え、構造的に元素です。, マックマードはラスキンの芸術の社会的-経済的条件への関与をかなり受け入れ、最終的には政治的区域の構成に変わった。 その正確な起源が何であれ、アールヌーボーは、パリ万国博覧会（1900年）やトリノEsposizione Internazionale d’Arte Decorativa Moderna（1902年）などの国際展示会や、ロンドンのLiberty&Coやジークフリート-ビングの”Maison de l’Art Nouveau”などの個々の店で受け取った露出から大きく恩恵を受けた。,
このスタイルは、Glasgow School of Painting（1880-1915）のキーパーソンであるCharles Rennie Mackintosh（1868-1928）の作品で終わると言われています。 画家、建築家、デザイナー、彼は最初にアールヌーボーの創造的な自由と架空のその励ましに魅了されましたが、彼はより涼しい治療を使用しました。 彼の通路の本質は、一つの場所、グラスゴー芸術学校にトレースすることができます。 本館（1897年9月）で繰り返される湾曲した形態のシステムは、図書館（1907年9月）で厳格な垂直および水平に道を譲った：新しい秩序は新しい秩序に落ちた。, それから、手段の必要性と経済への願い、簡単な機械的複製を利用したいという欲求が支配的になった。 アーキテクチャと応用芸術の両方は、ユーティリティの意地悪な概念に基づいて倫理と美学を考案しました。
アプリケーション
アールヌーボーのデザインは、ガラス製品、ジュエリー、および陶器のような他の装飾品で最も一般的でした。 しかし、このスタイルは、織物、家庭用銀、家庭用道具、タバコケース、家具および照明、ならびに図面、ポスターアート、絵画および本のイラストにも適用された。, セットや衣装の演劇デザインは、新しいスタイルが栄えた別の領域でした。 最もよい例はDiaghilevおよびバレエRussesのためのLeon Bakst（1866-1924）およびAlexander Benois（1870-1960）によって作成される設計である。 アールヌーボーにも強い分野への応用建築-インテリアデザイン。 この分野では、都市環境に対するより人文主義的で機能主義的なアプローチを例示しました。 窓、アーチ、およびドアの双曲線および放物線は、成形品のための植物由来の形態と同様に典型的であった。, アールヌーボーのインテリアデザイナーは、炎や殻のテクスチャなどのロココ様式のより抽象的な要素のいくつかを更新し、高度に様式化された有機的な形を採用し、海藻、草、昆虫などの”自然な”レパートリーを拡大した。 アールヌーボー様式の建築デザインは、露出した鉄と大きく不規則なガラス片を幅広く使用しました。,
アールヌーボー装飾ガラスとジュエリー
ニューヨークのルイ-コンフォート-ティファニー、グラスゴーのチャールズ-レニー-マッキントッシュ、フランスのナンシーのエミール-ガレ、ドーム兄弟の作品に例示されるように、これらの分野では、アール-ヌーボーは驚異的な表現を見つけた。 アールヌーボー時代のジュエリーは、成形ガラス、ホーン、象牙などの新しい材料の導入だけでなく、エナメル加工における新しいレベルの妙技を見ました。, 日本美術（Japonismeとして知られているファッション）への関心の高まりは、日本の金属加工スキルへの尊敬の高まりとともに、装飾への新しいテーマやアプローチを刺激しました。 その結果、宝石商は、ダイヤモンドのような貴重な石の設定を提供することだった単なる職人として自分自身を見るのをやめ、アーティストデザイナーと 宝石の内容に依存しない新しいタイプのアールヌーボージュエリーが登場し、そのデザインワークにもっと依存していました。, パリとブリュッセルの宝石商は、アールヌーボー運動の最前線にあり、それが最大の成功を収めたのはこれらの都市でした。 アメリカでは、ルイ-コンフォート-ティファニー（1848-92）は、主にガラスで、しばしば金属虹色のショットシルクの輝きを利用し、花と羽に触発された豪華なオブジェクトの冒険的な創造者でした。 ティファニーの会社は非常に成功し、彼の商品は多くの模倣されました。,
アールヌーボー建築
アールヌーボー建築は、ヨーロッパやスカンジナビア、そしてアメリカにも現れる、ユビキタスな文化的衝動の一つでした。
ベルギーでは、アンリ-ファン-ド-ヴェルデ（1863年-1937年）が、かなり厳格な花のスタイルを支持して芸術と建築の慣習を離れて（Uccleの家、1895年）、ヴィクトル-オルタ（1861年-1947年）が、植物の迷路を通してルールブックを通過したようである（ホテル-タッセル、1892年3月、ブリュッセルのメゾン-デュ-ペプル、1896年9月）。, オルタは、基本的な設計上の問題を再考する準備ができていることと、有機的な原則の適応の流暢さによって広く賞賛されました。 房の家のために彼は露出された鋳鉄サポートがそれ自身によって様式化される植物である一種の温室スペースに中心を開けた。 そして、Maison du Peuple彼はしなやかな鉄のフレームの周りに構築され、そのすべての装飾的な要素は、ストレスの封じ込めから生じました。, “彼は不変で常に調和のとれた形で成長する植生に従う秘密の法則に従うが、彼は決してモチーフを描くことを余儀なくされ、自然の形のパスティーシュとして見ることができる孤独な曲線を記述することはない”と言われていた。
フランスでは、ギマールのパリ地下鉄駅のデザインが受け入れられたとき、アールヌーボー様式の建築は、1898年から1900年にかけて、大きな豆の芽や種さやに似た鉄とガラスの精巧な配置を発芽させた。, エクトル-ギマール（1867年-1942年）は、ブリュッセルでのオルタの作品を好んでおり、期待される建築的行動の根本的な混乱を拡大することを望んでいた。 しかし、ゼロからデザインを再考する決定の最も壮大な結果は、いわば、スペインで発見されるべきです。 アントニ*ガウディ（1852-1926）は、明らかにそのあまり魅力的な症状で自然の思考に浸透建築の贅沢のシリーズを、バルセロナのために考案-ウサギウォーレンやシロアリの丘、reptilean解剖学、大暴れの雑草。, パラシオ-グエル（1885年9月）は、すでに彼の成熟した努力のリズミカルな非対称性である減退と流れを持っていますが、比較的都会的です。 カサミラ（1905-07）は、ピット石とねじれ鉄の騒々しいアセンブリであり、直角を完全に無視する地上計画があります。 そして、サグラダ-ファミリア教会（1884年、未完成）は、モンスターがキュウリを腐敗させるような四つの塔で、訪問者を困惑させる：それは全体として、いくつかの猛烈なウイルスのグリップで菜園に似ており、自由に変異している。, 一方、アメリカでは、Louis Sullivan（1856-1924）の巨大なオフィスブロック-Wainwright Building、St Louis（1890）、Guaranty Building、Buffalo（1894）、Carson、Pirie&Scott Store、Chicago（1899-1904）-は、ファサード、ハニカムの内部、細胞を分割するストリップとパネルに植物のような装飾の暴動を明らかにした。,
アールヌーボー様式の建築デザインは、ラトビア（リガ）、チェコ（プラハ）、ポーランド（クラクフ）、スロベニア（リュブリャナ）、イタリアを含む中央および東ヨーロッパ, ハンガリーの建築家オドン-レヒナー（1845年-1914年）、フランスの建築家エクトル-ギマール（1867年-1942年）、スペインの建築家アントニ-ガウディ（1852-1926年）、ベルギーの建築家ヴィクトル-オルタ（1861年-1947年）、ウィーンの建築家オットー-ワーグナー（1841-1918年）、ジョセフ-マリア-オルブリッヒ（1867年-1908年）などが挙げられる。 さらに遠く、アールヌーボー様式の建物の例は、南アメリカ（ウラグアイのモンテビデオ）とオーストラリアで見ることができます。