20世紀半ば以来、米国は芸術のリーダーとなっていますマーケット。 1964年のヴェネツィア-ビエンナーレでアメリカのラウシェンバーグに金獅子の授与は、パリの学校からニューヨークの学校への優位性のシフトを証する。, 今日では、最も権威のあるコレクションを持つ博物館に加えて、”ビッグアップル”は、ほとんどのギャラリーを持つ都市です。 実際には、100,000以上のアーティストが1,500以上のギャラリーで彼らの運を試す機会を利用して、そこに彼らのスタジオを設定しています。 20世紀のアメリカのアーティストは、近現代美術の触媒でした。 Artsperは今、それらの中で最も有名なの10を提示！,
現代美術のメンター
エドワード-ホッパー(1882-1967):リアリズムとアメリカの生き方の象徴の間
彼20世紀初頭のアメリカの都市の画家でした。 日常生活の彼の描写に神秘的な雰囲気を与えて、エドワード-ホッパーは最も無害な主題を昇華させることができました。
ニューヨークで生まれ、絵画学校で学ぶ前にイラストレーターとして訓練を受けました。, 1900年代初頭に何度かヨーロッパを訪れ、モネやドガなどの印象派、そして当時のキュビズムの前衛的なものに興味を持っていました。 抽象的な表現の代わりに、ホッパーは現代の風景や習慣の自然主義的な表現を好んだ。 アメリカに戻ると、アーティストは最終的に絵画に完全に専念することを決定する前に、商業アーティストとしてのキャリアを始めました。
彼が一定の威信を獲得したのは戦間期でした。, 建築に情熱を注いで、彼は最初にコレクターによって高く評価された19世紀の屋根裏部屋の家の水彩画を制作しました。 印象派のやり方では、彼の主題は、その日の異なる時間に描かれた建物を含みます。 彼は日の出と夕日を好み、明るさの変化を描くための彼の魅力を明らかにした。
彼は後に変化するアメリカ社会を描き、現在はアメリカのリアリズムの主要な代表者の一人と考えられています。 特定の憂鬱は、常に彼のシーンから発せられます。, 彼の作品ナイトホークスでは、それは孤立した静かな文字の孤独によって具現化されています。 それはまた、それが個別化されているように都市化になってきている過ぎ去ったアメリカのための郷愁の兆候です…
彼の時間の貴重な証人として、彼は彼のキャンバスに中断された時間を不死化するために管理します。 影と生の光の強力なコントラストによって得られた彼の組成物の演劇性は、写真と映画の世界のためのインスピレーションの源となります。,
マン-レイ(1890-1976):ダダイズムからシュルレアリスムへ
画家、製図工、ディレクター、デザイナー…その作品Artsper上で利用可能であるこのアーティストは、最高のシュルレアリストの写真家として知られていました。
工業デザインを学んだ後、彼は芸術に完全に専念するために建築の学校に入学することを拒否しました。 1910年代初頭にニューヨークに定住し、彼はアルフレッド-スティーグリッツの”291″ギャラリーを頻繁に訪れました。, スティーグリッツは、写真の技術とヨーロッパの前衛の多くのアーティストに彼を紹介しました。 1913年、彼は武器庫のショーに参加しました。 これは、フォーヴィズム、キュビズム、そして未来主義の代表者を結集し、現代美術の最初の国際展示会でした。 1915年に初めて個展を開いた後、ダダ運動に参加した。 第一次世界大戦の不条理への反応として生まれたこの知的、文学、芸術運動は、社会の政治的、社会的、イデオロギー的価値の根本的な拒絶によって特徴付けら, 彼が写真を試し始めたのはこの時期でした。
1921年、彼はアメリカを離れてパリに向かい、そこで研究を続け、偶然に新しい写真技術”レイグラフィー”を発見しました。 白色の感光性の紙を光にさらすことにより、物体で覆われていない部分が黒くなります。 彼はその後、日常のオブジェクトが超越されている夢のような神秘的な風景を構成するスペクトル形式で表現を取得します。 同時に、彼は1925年以降のすべての展覧会に参加したシュルレアリスム運動に関与するようになりました。, 1929年、彼はリー-ミラーと出会い、彼は彼の愛人と助手になった。 これ搾取される美の可能性ソラリゼーション、写真処理からなる触写真を考慮したほうが良いと思います。 このようにして、暗闇と明るさのゾーンが逆転します。
芸術の歴史の中で最も重要なアメリカのアーティストの中で、彼は写真の芸術に革命をもたらした人です！,
ノーマン-ロックウェル(1894-1978):アメリカのストーリーテラーのハイパーリアリズム
彼の雑誌のイラストで知られているノーマン-ロックウェルの作品は、戦間期から戦後までのアメリカ合衆国の歴史をたどっています。
幼少期から絵を描くことに魅了され、16歳でニューヨークのアメリカデザインアカデミーに入学しました。, その後、二度目に、彼は美術の名門学校である美術学生リーグに参加しました。 才能のある、大多数の年齢に達する前でさえ、青年雑誌は彼の最初のイラストを依頼しました。
1922年は彼のキャリアの転換期を迎えました。 彼は有名な新聞the Saturday Evening Postのための彼の最初のカバーを描いた。 これに続いて47年間のコラボレーションが行われ、ロックウェルは321枚のカバーを制作した。 現実的な、写真のようなスタイルで、彼は常に優しさと時にはユーモアで、アメリカの中産階級の日常生活を描いた。, このようにして、彼はアメリカの地域主義運動に結びついています。
第二次世界大戦中、彼のイラストは戦争の努力への彼の参加を肯定します。 ルーズベルト大統領の演説に触発され、1943年に彼は四つの自由と題する四つの絵画のシリーズを制作しました。 フランクリン-ルーズベ これは、人権と四つの自由に基づいているでしょう：言論の自由、崇拝の自由、恐怖と欲望からの自由。 画家はその後、日常生活のシーンにこれらの四つの概念を転写することを選びました。, 彼は、彼らが抽象的な理想ではないことをアメリカ人に示したい。
次の年に、これら四つの画像の成功は彼を非常に人気があったので、彼の手数料は減少しました。 確かに、新聞は漫画を押すよりも写真を好むようになった。 それにもかかわらず、彼の人生の終わりまで、彼は彼の心に近い原因を守るために彼の芸術を使用しようとします：公民権、分離、貧困、戦争との戦い。 彼は最も政治的に関与する彼の時間のアメリカのアーティストの一人でした。,
Jackson Pollock(1912-1956):ドリッピングパイオニア
抽象画のアメリカの画家表現主義、特にアクション絵画の彼の練習のために有名な、ジャクソン*ポロックは、現代のアメリカの画家に大きな影響を与えた。 完全な世界の奉献での彼の死は、この呪われた芸術家の伝説を育んできました。,
父親の不在と母親の権威との間の不安定な環境で幼少期を過ごし、彼は非常に若い頃にアルコール依存症になった。 11歳の時、インドの保護区への彼の訪問と、いわゆる”原始的な”芸術の抽象的なモチーフの発見は、彼に深い印象を残すでしょう。 ポロックにとって、アートは何よりも芸術作品です。 それは彼が彼の感情を表現し、彼の不安、憤り、怒りから自分自身を解放することを可能にします。 パフォーマンスに近い彼のアクションペインティングでは、重要なのは絵画ではなく、絵画のアクションです。,
大恐慌の間に貧困の中で彼の人生の大部分を生きて、彼は連邦アートプロジェクトの恩恵を受けます。 ニューディール政策の一環としてルーズベルト政権によって設立されたこのプログラムは、主要な公共委員会を通じてアメリカの芸術家を支援した。 1935年に”壁画”部門に参加したが、1938年に欠勤のため除外された。 この時、彼は解毒プログラムを開始しました。
1943年に、彼は有名なアメリカの現代美術コレクター、ペギー*グッゲンハイムが主催する最初の主要な展覧会に参加しました。, 陪審員の中で、Piet MondrianとMarcel Duchampは彼に好意的な意見を与え、有名な芸術の後援者が彼に毎月の給料を提供し、彼に個展を捧げました。 彼は徐々に芸術の世界で自分自身のために名前を作ったが、1947年に彼はドリブルの練習を始めました。 それは、キャンバスに直接塗料のバケツを注ぐことからなる。 水平に作業するこの新しい技術を通じて、彼は最も総抽象芸術に自分自身を放棄しながら、絵の練習の伝統的なコードで壊れます。,
しかし、彼の成功の高さで、彼の古い悪魔はまだ彼を悩ませました。 アルコールに溺れ、彼は酔っている間に運転し、車の事故で死亡しました。 まあ彼の版のArtsperます。,
アメリカの主要なポップカルチャーアーティスト
アンディ-ウォーホル(1928-1987):ポップアートの父
彼は芸術を消費者製品に変えると同時に、日常のオブジェクトに芸術作品の地位を与えました。 アンディ-ウォーホルは正当にポップアートの創設者の一人と考えられています。,
その作品はArtsperで利用可能であるウォーホルは、ピッツバーグの貧しい労働者階級の背景から来ており、スロバキアの移民の息子です。 彼は美術を勉強するために大学に入ることができました。 卒業後、彼は1949年にニューヨークに移りました。 そこで彼はファッション雑誌の商業アーティストとしてのキャリアを始め、すぐに広告の世界で大きな評判を得ました。
1950年代の終わりに、彼は絵画に専念しました。 彼は最初に漫画本のグラフィックに触発されました。, しかし、キャンベルのスープ缶から始まる消費者のオブジェクトに関する彼の絵画は、美術史の中でダウンするでしょう。 ほぼ大量の需要に応えるために、彼は1962年にシルクスクリーン印刷を使用し始めました。 このステンシルベースの印刷技術は、彼が印象的な色の多数の工業量で彼の作品を生産することを可能にしました。 このようなマリリン*モンローなどの有名人の彼の肖像画は、今日、世界最大の近代美術機関のピクチャーレール上に存在しています。
その後、1964年に、彼は彼の工場、ニューヨークの芸術生活のメッカをオープンしました。, それは彼の実験映画の制作ワークショップとレコーディングスタジオの両方です。
彼の生涯の間に祝われ、ポップアートのアイコンとして認識され、彼は彼の人生の終わりに1980年代後半に芸術のパトロンになりました。,
Keith Haring(1958-1990):ストリートアートを通じた行動主義
カラフルな人物のフレスコ画で世界的に知られています厚い黒の輪郭、キース*ヘリングはまた、同性愛嫌悪やエイズとの戦いにコミットアメリカのアーティストの一人として知られています。
アンディ*ウォーホルのように、彼はピッツバーグで生まれ、広告グラフィックスを勉強し始めました。 しかし、彼自身の芸術的研究で自由に実験したいと思って、彼はニューヨークに出発しました。, そこで、落書きが彼に影響を与えた。 広い聴衆に到達するために、そのフレームからアートを取り出すことを熱望し、彼は地下鉄の黒い広告黒板にチョークで描くことから始めました。 同時に、ニューヨークの地下の芸術的環境を頻繁に、彼はギャラリーで彼の最初の展覧会を持っていた。 最終的に、彼は彼の国際的な上昇の真っ只中にあった間、1985年のパリビエンナーレに招待されました。,
Artsperのウェブサイトで見つけることができるそのうちのいくつかの合成フォームで、子供の絵の外観の背後に、彼はそのような人種差別、暴力、薬物、環境破壊などの深刻なテーマを扱う…路上で自分自身を表現することによって、彼は社会的偏見を非難するために、より多くの可視性を持つことを目指しています。 この目的のために、彼は若者のための芸術教育プログラムに参加し、いくつかの公共委員会に対応しています。 例えば、彼は1987年にネッカー病院の壁の一つにフレスコ画を描いた。,
彼は1988年にエイズに苦しんでいたことを知って、彼はLGBTの原因とこの病気との戦いのサービスで彼の芸術と彼の悪評を置きました。 この目的のために、彼は1989年にキース-ヘリング財団を創設しました。 世界を変えたいという願望に駆られ、彼はわずか31歳で亡くなりました。 彼の短い人生にもかかわらず、彼の遺産は、芸術的および社会的な両方で、それほど重要ではなかった。,
Jean-Michel Basquiat(1960-1988):美術のランクへの都市芸術の昇格
彼は世界で最も有名なアフリカ系アメリカ人のアーティストの一人です。 2017年、彼の死から約30年後、彼の作品の一つは110万ユーロ以上の記録的な価格でオークションで販売されました。, これは、ジャン*ミシェル*バスキア、その図面のいくつかはArtsperのウェブサイト、世界で最も高価なアメリカのアーティストの一つで見ることができます。
ハイチ人の父とヒスパニック系の母にブルックリンで生まれ、この早熟な描画の天才は16歳で彼の最初の落書きを生産しました。 彼はペンネームSAMO（”同じ古いたわごと”、文字通り”同じ古いたわごと”）の下で署名し始めます。 バスキアはトーンを設定します：プロテスタントの気質の、彼は社会の指示に従うことを拒否します。,
野の国際的に知られる黒色絵を管理する見人のアイドル、アンディ-ウォーホル. 後者は、最大のニューヨークのギャラリー所有者に彼を紹介しました。
彼の作品は、偉大な特異点の、彼らは魅了と同じくらい怖がっています。 確かに、彼らは偉大な暴力のものです。 数多くの死の呼び起こしで、彼の作品は彼の文化遺産からの部族要素の導入によって特徴付けられています。 アイデンティティのための彼の探求は、強力な象徴を運んで、混沌とした世界を表す少数民族の抑圧を非難するために彼をプッシュします。, グラフィティ、絵画、コラージュ：最後に、ポップカルチャーの子供として、彼は同じ組成で異なる技術をミックスします。 彼は絵の伝統を無視し、美術の境界をぼかしています。
過剰摂取による彼の死は、28歳での彼のキャリアに終止符を打った。 キャリアは、確かに短いが、特に多作：彼は800以上の絵画と1,500の図面を生産しました。 彼の慢性的な倦怠感は、彼の作品の積極的な特徴で知覚可能であり、逆説的に彼の成功と同じくらい彼の終わりを沈殿させた。,
新興現代アーティスト
ジェフ*クーンズ(1955):商業芸術のApogee
ながら21世紀の最も有名なアメリカのアーティストの一人であること、ジェフ*クーンズはまた、最も論争の一つです。 彼の作品は、産業芸術としていくつかによって侮辱されたり、他の人によると偽造されただけです。 しかし、彼らは世界で最も高価であり、世界有数の芸術機関に展示されています。, サクセスストーリー！
非常に若い年齢で芸術に魅了され、ジェフ*クーンズは、彼が彼の最初の作品で期待していた成功を満たしていませんでした。 金融ブローカーとして働くことを余儀なくされ、それはそのような彼のバルーン犬やインフレータブルウサギなどの大量消費財を表す彼の記念碑的な彫刻は、1980 その後、アンディ-ウォーホルのように、ニューヨークに約三十人のアシスタントとスタジオを作りました。 今日、それは100人以上の従業員が付いている工場のよう多く、です。 したがって、jeff Koonsに刻印された作品は、もはや彼の手で作られていません。,
実際には、Artsperで利用可能なジェフ*クーンズのステンレス鋼の作品は、人気の想像力から彼らのインスピレーションを描く、ポップアートに沿っています。 彼は彼らに工業的な性格を与えることによってそれらをそらし、マルセル-デュシャンの既製との特定の親和性を明らかにする。 しかし、アンディ-ウォーホルが産業時代に芸術をもたらした場合、金融の男はグローバル化の時代にそれをもたらしました。 彼のキッチュアイコンで見かけられる世界—それだけではないこすことなく、少数のスキャンダル!,
2008年、彼は”フランスの芸術的純度”を守るためにイベントが開催されたヴェルサイユ宮殿で彼の彫刻のダースを展示しました。 最近では、それは論争の多くを引き起こしたチューリップの彼の花束でした。 確かに、2015年と2016年のパリ攻撃の犠牲者へのオマージュは、公共空間の醜さに貢献していると批判されています。
さらに、アーティストは、既存の写真や広告から被験者を再利用し、盗作のいくつかのケースで起訴されています。, 実情にあるこのJeff Koons’統治という明るい未来を先に行くこともできます。 2019年には91.1万ユーロの価格に達し、彼のウサギの作品のオークションは彼を世界で最も高価な生きているアーティストにしました。,
JonOne(1963):第11回芸術における落書きの奉献
抽象表現主義の最も重要なアメリカのアーティストの一人として考えられArtsperサイトで発見されるグラフィティの世界、jononeは、ジャン＝ミシェル-バスキアのようにジャクソン-ポロックの子孫です。 この承継にブラックマウンテン-カレッジは安心!,
ニューヨーク市、ハーレムの労働者階級の近所で生まれ、ジャン＝ミシェル-バスキアのようなアフリカ系アメリカ人の出身で、若いジョンはまたフッキーを演じる。 として代を放浪のニューヨークの地下鉄がその最初のタグです。 彼によると、”地下鉄は街を横切る博物館です”と、グラフィティを芸術形式として考えています。
フランスのグラフィティアーティスト坂東との出会いは、彼のキャリアの残りのために決定的でした。 後者は彼にパリで彼に加わるよう説得した。, そこで、彼の塗料の爆弾を放棄せずにアスファルトを放棄し、彼は1990年代に一時的な病院のワークショップで落ち着きます。 そこで彼は彼の最初の絵画を制作しました。 彼はすぐに発見され、最も重要なフランスの現代美術ギャラリーで展示されました。
JonOneは、彼の絵画から発せられる感受性と詩で公衆に触れることができます。 彼の想像力を自由に動かすことを可能にして、彼らは彼の言葉で彼が自分自身に開放することを可能にします。 比喩的な参照を避難させると、彼は都市の動き、色、エネルギーによって自分自身を奪われるようにします。, それから、彼の感情の衝動だけが彼のジェスチャーを導く。 明るく自発的な色の縞がそれらからのみ現れます。
叙情的な抽象化と都市芸術、現代美術と現代美術の交差点で、JonOneは私たちに彼のリニューアルを提供するために彼のアメリカの芸術的遺産を利用 芸術の歴史の中でアメリカのアーティストの覇権は終わりに近づいてはほど遠いです！,
Shepard Fairey(1970):ストリートアートの政治的コミットメント
彼はバラク-オバマのキャンペーンポスターをデザインしたことで有名である。2008年アメリカ合衆国大統領選挙。 を発揮しては、所政治学、ボストン研究所現代美術が認められたとして最も影響力のあるストリートアート作家。,
tシャツやスケートボードのデザインティーンエイジャーとして、シェパード*フェアリーは、Artsperに代表される、1989年にデザインのロードアイランド州の学校に入った。 学生のグループで、彼はフランスのレスラーアンドレ巨人を描いたステッカーやポスターを作成しました。 ビジュアルはウイルスになり、世界中に広がりました。 1998年、このイメージを”従う”（”従う”という意味）という言葉に関連付け、彼はこの宣伝パロディを彼の署名にしました。
しかし、彼が国際的な評判を得たのは、彼の希望のポスターのおかげです。, 将来のバラク-オバマ大統領の立候補を支援し、彼は一連のポスターを作成しました。 最も有名なのは、アメリカの色の政治家の肖像画です。 オバマ氏の大統領選挙のエンブレムは、それが断固として将来に向かってなっ候補者を表しています。 世界中に広がり、それはタイム誌のフロントページを作りました。 ワシントンの国立Portrait像画美術館は最終的にオリジナルを買った。
その後、ストリートアーティストとしての活動を続けながら、数々の展覧会を開催しています。, 彼は特に、パリの13区の建物の壁にいくつかのフレスコ画を2012年と2016年に上演しました。 そのうちの一つは、国のモットー”自由、平等、友愛”に囲まれたマリアンヌを表しています。 それはの攻撃に続いて作成されました13十一月2015. したがって、それは民主主義や自由などの大義の防衛に対する彼女の永遠のコミットメントを証するものです。 選挙運動に身を投じてから8年後、シェパード-フェアリーは繰り返し述べた。 同じグラフィックコードを替えていったのスローガンは”雲仙の旅館”に対抗するための選挙のドナルド-トランプ., グルノーブルのストリートアートフェストで彼の30年のキャリアを祝う2019、シェパードフェアリーは決定的に国際的な芸術的（そして都市）風景の中で自分自身を確立しているようです！
したがって、近現代のアメリカのアーティストのこの概要は、芸術的創造の発祥地としての米国の重要な役割を明らかにする。 20世紀の初めから、芸術史の主要な芸術家が生まれたのはその土壌にあります。 ヨーロッパの絵画の伝統へのタイ無しで、それらはずっと新しいプラスチック解決を提案できる。, 当初はナショナリズムを帯び、アメリカの芸術は20世紀半ばにより人気があり普遍的になりました。 その結果、世界中の同化と、主要な芸術的力としての米国の奉献が行われました。