mi a “barokk”, és mikor volt a barokk korszak?
a portugál barrocóból, vagy “furcsa alakú gyöngyből” származik, a “barokk” kifejezést a tizenkilencedik század óta széles körben használják a nyugat-európai művészeti zene korszakának leírására 1600-tól 1750-ig. A zenetörténet néhány remekművének egy-egy elhibázott gyöngyhöz való összehasonlítása talán furcsának tűnhet számunkra ma, de a kifejezést alkalmazó tizenkilencedik századi kritikusok számára Bach és Handel korszakának zenéje túlságosan díszesnek és eltúlzottnak hangzott., A “barokk” már réges-régen megvető konnotációja, ma már egyszerűen egy kényelmes fogás – mindezt a zenetörténet egyik leggazdagabb és legkülönbözőbb korszakában.
amellett, hogy a legtöbbünk számára ismert legkorábbi európai zenét készítettük, beleértve Pachelbel Kánonját és Vivaldi a négy évszakot, a barokk korszak is jelentősen kibővítette látókörünket. Kopernikusz 16. századi elméletének elfogadása, miszerint a bolygók nem a Föld körül forogtak, sokkal nagyobb helyet tett az univerzumnak, míg Galileo munkája segített jobban megismerni a kozmoszt., A technológia fejlődése, mint például a távcső találmánya, végesnek hitt dolgot végesnek tűnt. Az olyan nagy gondolkodók, mint Descartes, Hobbes, Spinoza és Locke, megoldották a létezés nagy kérdéseit. Az olyan zsenik, mint Rubens, Rembrandt és Shakespeare, egyedi perspektívákat kínáltak művészetükön keresztül. Az európai nemzetek egyre inkább bekapcsolódtak a külkereskedelembe és a gyarmatosításba, közvetlen kapcsolatba hozva minket a világ olyan részeivel, amelyek korábban ismeretlenek voltak., Az új középosztály növekedése pedig olyan művészi kultúrába sodorta az életet, amely már régóta függ az egyház és az udvar szeszélyeitől.
vissza a tetejére
kik voltak a nagy barokk zeneszerzők,és honnan származtak?
a barokk korszak első részéből ismert személyiségek közül sokan Olaszországból származnak, köztük Monteverdi, Corelli és Vivaldi. (A tizennyolcadik század közepére a német zeneszerzőkre, Bach-ra és Handel-re koncentrálunk.) Számos, a barokk zenével azonosított forma Olaszországból származik, többek között a kantátából, a concerto-ból, a szonátából, az oratóriumból és az Operából., Bár Olaszország létfontosságú szerepet játszott ezeknek a műfajoknak a fejlesztésében, az új fogalmak arról, hogy mit jelent nemzetnek lenni, fokozták a “nemzeti stílus” követelményét.”A nemzetek közötti különbségek gyakran hallhatók a zenében az időszakból, nemcsak a zene összeállításában, hanem a teljesítmény egyezményeiben is; különösen nyilvánvaló volt az Olaszország és Franciaország közötti kontraszt. Bár egyes országok úgy tűnik, hogy azt állítják, egy nagyobb darab tapasztalatunk barokk zene ma, azonban minden nemzet szerepet játszott., Ahogy a zenészek és zeneszerzők bejárták egész Európát, és hallották egymás zenéjét, az új egyezmények finom benyomásokat keltettek rajtuk. A korszak legismertebb zeneszerzői közé tartoznak a következők:
Olaszország: Monteverdi, Frescobaldi, Corelli, Vivaldi, Domenico és Alessandro Scarlatti
Franciaország: Couperin, Lully, Charpentier és Rameau
Németország: Praetorius, Schein, Scheidt, Schutz, Telemann, Handel és Bach
Anglia: Purcell
top
mi a barokk zene filozófiája?,
bár egyetlen filozófia sem képes leírni Európa-szerte a 150 éves zenét, számos fogalom fontos a barokk korban.
a zenébe, mint a kommunikáció hatékony eszközébe vetett hit
A barokk zene egyik fő filozófiai áramlása az ókori Görögország és Róma eszméinek reneszánsz érdeklődéséből származik. A görögök és a rómaiak úgy vélték, hogy a zene a kommunikáció hatékony eszköze, és bármilyen érzelmet kelthet a hallgatókban., Ennek eredményeként a megújulás ezeket a gondolatokat, a zeneszerzők egyre inkább tisztában van a zene potenciális erő, művelt az a hit, hogy a saját kompozíciók is hasonló hatást, ha helyesen emulált ősi zene.,ance a késő tizenhatodik században,
van ofttimes hallottam, azt mondta, a Sieur Claudin Le Jeune (aki, anélkül, akik enyhe valaki, messze felülmúlta a zenészek a régi korokban a megértése, hogy ezek az ügyek), hogy ő énekelt egy levegőben (ami ő komponálta a részek)…valamint, hogy amikor ez a levegő megbeszéltünk egy magán koncert okozott urat, hogy tegye kezét, a karját, majd kezdje el a káromkodás hangosan, hogy úgy tűnt, lehetetlen, hogy megakadályozza őt a támadó valaki: mire Claudin kezdett énekelni egy másik levegőt, amelyek tette az úriember, olyan nyugodt, mint korábban., Ezt azóta többen megerősítették nekem, akik ott voltak. Ilyen a dallam, a ritmus és a harmónia ereje és ereje az elme felett.
1605-ben Claudio Monteverdi olasz zeneszerző ténylegesen meghatározta az “első” és a “második” gyakorlatot: az elsőben a harmónia és az ellenpont elsőbbséget élvezett a szöveggel szemben; a másodikban a szavak jelentésének kifejezésének szükségessége meghaladta a többi aggodalmat. A barokk korban a második gyakorlat szelleme—a zene kommunikációs erejének felhasználásával—uralta a korszakot.,
a mecenatúra realitásait
A barokk zeneszerző művészi filozófiájának minden vitáját legalább kissé meg kell enyhíteni életük valóságával. A modern időkben, művészek gyakran keresnek megélhetést termelő pontosan az a fajta művészet, ők költözött létrehozni. Ennek megfelelően gyakran úgy tekintünk a művészre—és művészi inspirációjának mértékére -, mint egy műalkotás kiindulópontjára. Egész sok a Barokk korszak, azonban a zeneszerzők csak szerzett egy élő zenét írni, ha elég szerencsések, hogy a bérszámfejtés, a politikai vagy vallási intézmény., Ennek az intézménynek a zenei igényei tehát diktálták a zeneszerző által készített zenét. Bach például nem feltétlenül azért írta a kantáták számát, mert inspirálónak találta a formát, hanem az őt foglalkoztató Lipcsei egyház liturgikus igényei miatt. Ebben a fényben nézve a barokk zene lenyűgöző ablakot nyújthat a történelembe.
vissza a tetejére
mik a barokk zene jellemzői?
a zene drámai és retorikai lehetőségei iránti új érdeklődés a barokk korszakban számos új hangzásvilágot eredményezett.,
a kontraszt mint drámai elem
a kontraszt fontos összetevője a barokk kompozíció drámájának. Számos barokk kompozícióban fontos szerepet játszanak a hangos és a lágy, a szóló és az együttes (mint a concerto-ban), a különböző hangszerek és a hangszerek közötti különbségek. Zeneszerzők is kezdődött, pontosabban arról, műszerek, gyakran meghatározza az eszközök, amelyeken egy darab kellene játszani, ahelyett, amely lehetővé teszi a szereplőt választani. A briliáns hangszerek, mint a trombita és a hegedű is egyre népszerűbbek lettek.,
Monody and the advent of the basso continuo
A korábbi zenei korszakokban egy darab zene inkább egyetlen dallamból állt, talán improvizált kísérettel,vagy egyszerre több dallam. A barokk korszakig nem kezdődött el a “dallam” és a “harmónia” fogalma. Az ősi zene utánzására tett erőfeszítések részeként a zeneszerzők kevésbé a bonyolult polifóniára összpontosítottak, amely a tizenötödik és tizenhatodik századot uralta, és inkább egyetlen hangon, egyszerűsített kísérettel, vagy monódiával., Ha a zene a retorika egyik formája volt, amint azt a görögök és a rómaiak írásai is jelzik, akkor erős szónokra van szükség—és ki jobb a munkához, mint egy vokális szólista? Az új egyesülés között a kifejezés érzés a szólóénekes gyere át tisztán a jól sikerült interpretációját van előszó a di Combattimento Tancredi e Clorinda a Nyolcadik Könyv Madrigálokhoz (1638), amelyben azt írja: “Úgy tűnt nekem, hogy a főnök szenvedélyek, vagy érzelmei, az elme három számot, nevezetesen a harag, a nyugalom pedig az alázat., A legjobb filozófusok egyetértenek, és a hangunk természete, magas, alacsony és középső tartományaival, ugyanannyit jelezne.”A legkorábbi operák kiváló illusztrációja ennek az új esztétikának.
az egy dallamra és a basszusgitárra helyezett hangsúly mellett jött a basso continuo gyakorlata, a zenei jelölés módszere, amelyben a dallam és a basszus vonal ki van írva, és a harmonikus töltőanyag egy típusú gyorsírásban van feltüntetve., Mint az olasz zenész Agostino Agazzari magyarázata 1607:
Mivel az igazi stílus kifejező szavakat, végre találtak, nevezetesen szaporodó az értelemben a lehető legjobb módon, ami sikerül a legjobban, egyetlen hang (vagy legfeljebb néhány), mint a modern leadják a különböző képes a férfiakat, mint az állandó gyakorlat Rómában összehangolt zene, Én azt mondom, hogy nem szükséges, hogy egy gólt… Basszus, a jelek, a harmóniák, elég., De ha valaki azt mondja nekem, hogy a régi művek lejátszásához, tele fúgával és ellenpontokkal, a basszus nem elég, a válaszom az, hogy az ilyen vokális művek már nem használhatók.
mivel basso continuo, vagy alapos basszus, a barokk korszak végéig szokásos gyakorlat maradt, a korszakot néha “az alapos basszus korának” nevezik.”
különböző hangszeres hangok
miután évtizedek óta figyelmen kívül hagyták, a barokk zene egyre népszerűbbé vált az elmúlt ötven évben., Ennek az új érdeklődésnek a részeként a tudósok és zenészek számtalan órát töltöttek azzal, hogy kitalálják, hogyan szólhatott a zene a 17.és 18. századi közönségnek. Míg mi soha nem lesz képes újra egy előadás pontosan, a munka előkerült több jelentős különbségek között, Barokk, modern együttesek:
hangmagasság: 1939-Ben, a modern zenekarok beleegyezett, hogy a dallamot, hogy egy’=440hz (a megjegyzés hangú 440 ciklus másodpercenként), amely felváltotta a korábban alacsonyabb pályán (a’=435hz) elfogadott 1859-ben. 1859 előtt azonban nem volt hangmagasság., Az a megjegyzés, amelyre a barokk együttesek hangoltak, ezért különböző időpontokban, különböző helyeken széles körben változott. Ennek eredményeként, a zenét jegyezték fel a pontszám is hangzott, mint egy fél hang alacsonyabb, mint ahogy azt hagyományosan ma. Annak érdekében, hogy ezt az eltérést lehetővé tegyék, sok barokk együttes hangolását a repertoárhoz igazítja: a ‘= 415hz a késő barokk zenéhez, a ‘= 392hz a francia zenéhez, a’=440Hz a korai olasz zenéhez, a’=430hz a klasszikus repertoárhoz.,
timbre: bár a barokk együttes legtöbb hangszere ismerős, számos kiemelkedő tag már nem szerepel a modern együttesekben. A csembaló volt az elsődleges billentyűs hangszer (és fontos tagja a continuo csoportnak), és a 16.és 17. században fontos hangszerek, mint a lant és a viol, továbbra is használatban voltak. A ma is népszerű hangszerváltozatok a barokk együttest is eltérő hangzással ruházták fel., Az olyan húros hangszerek, mint a hegedű, a brácsa és a cselló, inkább bélhúrokat használtak, mint a fémbe csomagolt húrok, amelyekkel ma feszítik őket, például lágyabb, édesebb hangot adva nekik.
performance technique: a barokk pontszám kevés (ha van ilyen) információt tartalmaz olyan elemekről, mint az artikuláció, a díszítés vagy a dinamika, így a modern együtteseknek minden előadás előtt saját tájékozott döntéseket kell hozniuk., A barokk és a modern hangszerek közötti mechanikai különbségek azt is sugallják, hogy a régebbi hangszerek másképp hangzottak volna, így az olyan együttesek, mint a barokk zenéje, gyakran módosítják technikájukat, hogy ezt lehetővé tegyék. Mivel a barokk és a modern íjak szerkezetileg különbözőek, például a modern íjakat használó húrjátékosok gyakran szelídebb támadást alkalmaznak a húrok, a crescendók és a diminuendók ellen a hosszabb hangjegyeken., 17th and 18th century performance értekezések is jelenti, hogy finger vibrato (a technika, amelyben egy string játékos sziklák ő ujjbeggyel a húr, hogy gazdagítsa a hang) használták takarékosan kifejező pillanatok, míg bow vibrato (hullámzó mozgását az íj) általában előnyös.
vissza a tetejére
milyen zenei formák jöttek a barokk korszak meghatározására?
míg a korábbi korszakokból származó formákat továbbra is használták, mint például a motet vagy az egyes táncok, a zene iránti érdeklődés a retorika egyik formájaként új műfajok fejlődését váltotta ki, különösen a vokális zene területén., A barokk korszakhoz kapcsolódó számos forma közvetlenül ebből az új drámai impulzusból származik, különösen az opera, az oratórium és a kantáta. Az instrumentális zene birodalmában a kontraszt fogalma és a nagyszabású formák megteremtésének vágya a concerto, a szonáta és a suite kialakulásához vezetett.
Vocal music
Opera: olyan dráma, amelyet elsősorban énekelnek, hangszerek kíséretében, és bemutatnak a színpadon. Az operák általában váltakoznak a recitatív, beszédszerű dal között, amely előmozdítja a cselekményt, valamint az áriák, olyan dalok között, amelyekben a karakterek érzelmeket fejeznek ki az akció bizonyos pontjain., Kórusok és táncok is gyakran szerepelnek. A műfaj megjelenése a tizenhetedik század fordulóján gyakran kapcsolódik a firenzei költők, zenészek és tudósok egy csoportjának tevékenységéhez, amelyet ma firenzei Camerata néven ismertek. Az első fennmaradt opera Jacopo Peri Dafne című operája volt, amelyet Ottavio Rinuccini librettója alapján 1598-ban mutattak be Firenzében; a legkorábbi opera, amelyet ma is előadnak, Claudio Monteverdi Orfeo (1607)., A témák, az első operáját minden venni a görög mítosz, ami a műfaj közel szövetségek kísérletet, hogy újra a zene, dráma, az ősi kultúrák, valamint végeztek kizárólag a nemesi körökben a meghívott vendégek.
amikor az első nyilvános Operaház 1637-ben nyílt meg Velencében, a műfajt úgy alakították át, hogy megfeleljen a közönség preferenciáinak. A szólóénekesek egyfajta híresség státuszt vállaltak, ennek eredményeként nagyobb hangsúlyt fektettek az áriára. A recitáció kevésbé lett fontos, a korusok és táncok gyakorlatilag eltűntek az olasz operából., A gyakori opera-produkciók megrendezésének pénzügyi realitásai is hatással voltak. Az udvari Operához kapcsolódó látványos színpadi effektusokat jelentősen lecsökkentették, a librettókat pedig úgy alakították ki, hogy kihasználhassák a készleteket. A 18. század (különösen a Nápoly), két subgenres opera nyilvánvalóvá vált: az opera seria, ahol a hangsúly a súlyos tárgy, a da capo ária, opera buffa, amely egy könnyebb, még a comic hang néha használni, duett, trió, valamint a nagyobb együttesek. Az opera olasz hagyománya fokozatosan uralta a legtöbb európai országot., A 17. század végén Franciaországban az olasz születésű Jean-Baptiste Lully és a librettista Philippe Quinault alkotta meg a tragédie-lyrique néven ismert Opera egyedülálló francia változatát.
Oratorio: bővített zenei dráma vallási tárgyú szöveggel, díszlet, jelmez vagy cselekvés nélküli előadásra. Oratorio eredetileg azt jelentette, imaház, egy épület mellett található egy templom, amelyet úgy terveztek, mint egy hely a vallási élmények különbözik a liturgia., Bár késő tizenhatodik századi előzményei, az oratórium, a motetta, valamint madrigal repertoár, az oratórium, mint a különböző zenei műfaj alakult ki közepette a kiváló akusztikája, ezek a terek, a korai 1600-as években. A közepén a 17. században, oratorios végeztek a paloták, valamint az állami színházak voltak, egyre inkább hasonló operák, bár a téma, osztály két részre (inkább, mint három felvonásban), illetve hiánya megrendezett akció még mindig különböztetik meg., Az olaszországi műfajhoz kapcsolódó zeneszerzők között van Giocomo Carissimi, Alessandro Scarlatti és Antonio Vivaldi. Az oratórium népszerűsége Európa más részein is nőtt. A protestáns Németországban az evangélikus egyházban való használatra komponált drámai zene fokozatosan összeolvadt az oratórium elemeivel, különösen a nem bibliai szövegek beillesztésében. Az oratorio szenvedély, ahogy nevezték, J. S. Bach nagy műveiben csúcsosodott ki., Más jól ismert példák kívül Olaszország közé tartozik az angol oratóriumok George Frideric Handel, aki népszerűsítette a műfaj Londonban eredményeként az angol ellenszenv olasz opera. Az olyan művek, mint a Messiás, az egyiptomi Izrael és a mai napig a közönség kedvencei maradnak.
kantáta: egy bővített darab, amely recitatívok és halmazdarabok, például áriák, duettek és kórusok egymás utáni sorából áll., A 17. század elejéről származó Olaszország, a kantáta világi munkaként kezdődött, amely a solo voice és a basso continuo számára készült,valószínűleg magán társadalmi összejöveteleken való előadásra. Sok ilyen mű jelent meg, ami arra utal, hogy profi zenészek és amatőrök egyaránt előadták őket. Század közepére a kantátákat ritkábban tették közzé, ami arra utal, hogy az előadásokat egyre inkább szakemberek végzik. A 17. század végére a kantáták elkezdték beépíteni a da capo áriát, gyakran zenekari kísérettel., Az olasz kantáta műfajának meghatározó zeneszerzői: Luigi Rossi, Antonio Cesti, Alessandro Stradella, valamint a 18.század első felében Alessandro Scarlatti, Handel, Benedetto Marcello és Johann Adolf Hasse. Olaszországon kívül a lutheránus motet bővülő műfaja az olasz kantáta számos elemét magába foglalta, különösen a drámai kifejezésmód technikáit, mint a recitáció és az ária. Bach számos kantátája olasz társaik széles körű befolyását mutatja.,
Instrumentális zene
szonáta: a barokk korszakban többféle darab leírására használják, a szonáta kifejezés leggyakrabban egy vagy több hangszer (leggyakrabban hegedű) és bassocontinuo több tételében szerepel; két hegedű vagy más magas hangszer, valamint basszus szonáta általában trió szonáta., A 1650s, szonáták, gyakran titkos vagy szonáta da chiesa (“templomi szonáta”), általában álló négy mozgások váltakozó között lassú, majd gyors tempóban, majd végzett a templomban, vagy szonáta da kamera (a”kamara szonáta”), ami abból állt, hogy egy sor táncok hasonlít a lakosztályt. Mindkét típusra példák találhatók Corelli 17. század végi munkáiban. A 18. században Telemann, Bach éshandel számos szonátát írt Corelli sonatas da chiesa-jára., A billentyűs hangszerek szólószonátáinak előtérbe helyezése a barokk korszak végén kezdődik, beleértve az orgona (Bach) és a csembaló (Handel, Domenico Scarlatti) előadóit is. A szólószonáták egyéb híres példái közé tartozik Bach kísérő nélküli hegedű – és csellóművei.
Concerto: az olasz concertare-ből származik (hogy összekapcsolódjon, egyesüljön), a concerto a barokk korszak alatt számos formát öltött. A 18. század elejéig a concerto egyszerűen olyan kompozíció volt, amely egyesítette a hangokból, hangszerekből vagy mindkettőből álló változatos együttest., A hangok és hangszerek Szent műveit gyakran concertos-nak hívták, míg a hasonló világi műveket általában arie-nak (airs), kantátának vagy musiche-nek nevezték. Míg Claudio Monteverdi műveiben nagy léptékű Szent hangversenyek találhatók, az egy-négy hanghoz való intimebb kompozíciók, a continuo és a kiegészítő szólóhangszerek sokkal gyakoribbak voltak. Németországban a Szent concerto csodálatos példái találhatók Johann Hermann Schein, Michael Praetorius, Samuel Scheidt és Heinrich Schütz műveiben (különösen Kleine geistliche Concerte, vagy az 1636-39-es “Kis Szent Concertos”).,
később, a tizenhetedik században, a concerto kezdte, hogy vállalja a modern meghatározás: a multimovement munka instrumentális szólista (vagy csoport szólisták), zenekar. Figyelembe véve a végszó a canzonas és szonáták a késő tizenhatodik és tizenhetedik században, amely használt kontrasztos csoportok eszközök nagy hatással, a concerto grosso váltakozik egy kis csoport szólisták egy nagyobb együttest. Corelli művei, különösen az op. 6 gyűjteménye, talán a 17. század végi concerto grosso legismertebb példáit mutatják be., Míg Corelli műveit a 18. században emulálták, leginkább Handel op. 6 gyűjteményében, a concerto grosso számos 18. századi példája mutatja a szólókoncert növekvő hatását (például J. S. Bach Brandenburgi koncertjei).
a 18. század legmeghatározóbb hangversenytípusa a szólókoncert volt, amelyben egyetlen hangszer szerepelt, szemben az együttessel., A szólókoncert legtermékenyebb zeneszerzője Antonio Vivaldi volt, aki körülbelül 350-et írt, és létrehozta a concerto szokásos hárommozgásos formáját (két gyors külső mozgás, egy középső mozgás lassabb tempóban). Míg a legtöbb egyéni versenyművek írt hegedű, trombita versenyművek is népszerű, versenyművek is áll a cselló, oboa, fuvola, valamint fagott. Az 1730-as években Handel 16 orgonaversenyt írt, és Bach is komponált több zongoraversenyt a csembaló számára nagyjából egy időben (ezek nagy része már létező művekből áll).,
Suite: a reneszánsz táncok hagyományos párosítása alapján a suite volt az első többmozgásos műszer. A lakosztály lényegében egy sor táncok ugyanabban a kulcsban, legtöbbjük vagy mindegyik kétrészes formában. A 17. század közepén Németországban az allemande, a courante, a sarabande és a gigue sorozat viszonylag standard lett, bár más táncmozgásokat, például további allemandes vagy courantes,bourreés, gavottes és minuets gyakran beillesztettek. A legtöbb lakosztály bevezető mozgalommal is kezdődött, mint például előjáték, ouverture vagy fantasia., Sok barokk zeneszerző számára a különböző táncok konkrét karaktereket testesítettek meg. A Der volkommene Capellmeisterben (a teljes zenei rendező), 1739-ben Johann Mattheson német teoretikus felsorolta az egyes táncok karakterét: a minuet “mérsékelt vidámság” volt, a Gavotte “örömteli öröm”, a bourreé “elégedettség”, a courante “remény”, a sarabande “ambíció” és a gigue számos érzelmet jelezhet, a haragtól a fényességig., Barokk lakosztályok voltak szerzett az egyéni eszközök, valamint a zenekar; írt egy vagy két dallam eszközök continuo néha címe: sonata da kamera. A billentyűzet francia lakosztályait néha ordresnek hívják (mint François Couperin műveiben, aki számos nem táncmozgást illesztett be, beleértve a bírósági személyzet idéző karakter vázlatait.
vissza a tetejére
milyen volt részt venni egy koncerten a barokk korban?
a modern időkben a koncertre való belépés esemény., Hallunk egy hirdetést a rádióban, vagy látunk egy hirdetést az újságban; jegyeket vásárolunk; elmegyünk egy koncertterembe, csendben ülünk, amíg ideje tapsolni. A barokk korban ez a fajta nyilvános koncert ritka volt. A leghíresebb barokk kompozíciókat templomokban végezték szolgáltatás céljából, vagy egy magánkoncert vagy ünneplés részeként egy gazdag védőszent otthonában. A barokk kor folyamán azonban egyre gyakoribbá váltak a nyilvános előadások, különösen az opera és az oratórium műfajaiban, és a modern koncert hagyományunk sok európai városban kezdett összeolvadni., Mint Roger North az 1670-es években Londonban megrendezett egyik legkorábbi koncertsorozatban írta le az előadást:
az első kísérlet alacsony volt: egy régi korlát projektje, aki jó hegedű volt, és egy színházi zeneszerző. Nyitott egy homályos szobát egy nyilvános házban, fehér barátokban; megtöltötte asztalokkal és ülésekkel, és készített egy oldalsó dobozt függönyökkel a zene számára. Néha a hegedű, a flageolet, a bass viol, a lant és a song all ‘ italiana együttes tagjai, és az ilyen fajták elterelték a társaságot, akik a belépéskor fizettek., Egy shilling egy darab, hívja, amit kérem, fizetni a számvetés, és Üdvözöljük uraim.
Az advent a nyilvános koncert tette a növekvő középosztály fontos bevételi forrása a zenészek. A barokk végére ez a társadalmi alcsoport majdnem olyan erős zenei védőszentjévé vált, mint az egyház vagy az udvar.
vissza a tetejére
mi jött a barokk időszak után?
a tizennyolcadik század közepére a zene barokk eszméjét, mint retorika formáját támadták meg., A zenének csodálatosan erős ereje volt még a legnehezebb fogalmak kifejezésére is—de csak a leginkább “természetes” formában, amelyet a barokk korszak látszólag összezavart. Mint Johann Adolph Scheibe-mondta J. S. Bach 1737,
Ez a nagy ember lesz, a csodálat, az egész nemzet, ha több rekreációs, ha ő nem vette el a természetes eleme a darab azáltal, hogy modoros, összezavarodva a stílust, ha nem darken a szépség által túlzott art., Mivel a bírák szerint a saját ujjait, a darab rendkívül nehéz játszani; mert azt követeli, hogy az énekesek pedig instrumentalists képesnek kell lennie arra, hogy a torkukat, eszköz, amit csak lehet játszani a clavier, de ez lehetetlen… Turgidity vezetett a természetes, hogy a mesterséges, majd a magasztos, hogy a komor; valamint…egy csodálja a fárasztó munka szokatlan erőfeszítés—amely azonban hiába alkalmazott, mivel ütközik a Természet.,
Scheibe egyértelműségre és könnyű előadásra való ragaszkodása a zenei esztétika jelentős változására utal: diatribája során az íz végső döntője nem Platón vagy Arisztotelész, hanem végső soron maguk a hallgatók és előadók. Ez az új hangsúly a közvetlen dallamos kifejezésen és a tiszta zenei építészeten a klasszikus korszakhoz, Mozart és Haydn korához vezet.
vissza a tetejére
A barokk korszak a modern korban
bár a barokk időszak több mint 250 évvel ezelőtt véget ért, a korszak maradványai mindenütt hallhatók., A legbefolyásosabb és legkedvesebb kompozíciókat rendszeresen adják elő a koncerttermekben, és rengeteg felvétel teszi igény szerint elérhetővé a Barokkot. A ma is használt zenei műfajok közül sok, mint például az oratórium, a concerto és az opera, a korszakból származik. A huszadik századi zeneszerzők, mint Ralph Vaughn Williams, Igor Stravinsky és Benjamin Britten, A barokknak hódoltak műveikben., Hatása a művészeti zene birodalmán kívül is hallható: a szólók és a jazz együttes közötti szabad mozgást néha a barokk zenéhez hasonlítják, és Bach és Vivaldi darabjai gyakran megjelennek a heavy metal gitárosok szólóiban. A barokk szelleme-a zene erejének megingathatatlan hite, hogy megérintse az emberek életét-örökre megváltoztatta a zenetörténetet.
vissza a tetejére