div>
a 20.század közepe óta az Egyesült Államok vezető szerepet tölt be a művészeti piacon. Az Arany Oroszlán odaítélése az amerikai Rauschenbergnek az 1964-es Velencei Biennálén arról tanúskodik, hogy a párizsi iskolából a New York-i iskolába vált az elsőbbség., Ma a legrangosabb gyűjteményekkel rendelkező múzeumok mellett a “Big Apple” a város a legtöbb galériával. Valójában több mint 100 000 művész hozta létre stúdióját ott, kihasználva a lehetőséget, hogy szerencsét próbáljanak több mint 1500 galériával. A 20. századi amerikai művészek a modern és kortárs művészet katalizátorai voltak. Artsper most bemutatja 10 a leghíresebb közülük!,
A modern művészet mentorai
Edward Hopper (1882-1967): az amerikai életmód realizmusa és szimbolizmusa között
a 20.század elején a városi Amerika festője volt. A mindennapi élet ábrázolásainak misztikus légkörét adva Edward Hoppernek sikerült szublimálni a leginkább ártalmatlan témákat.
New Yorkban született, illusztrátorként képzett, mielőtt egy festészeti iskolában tanult., Az 1900-as évek elején többször utazott Európába. ott jobban érdekelték az impresszionisták, mint például Monet és Degas, majd korának kubista avantgárdistái. Az absztrakt ábrázolások helyett Hopper a kortárs tájak és szokások naturalista ábrázolását részesítette előnyben. Az Egyesült Államokba való visszatérése után a művész kereskedelmi művészként kezdte karrierjét, mielőtt végül úgy döntött, hogy teljes egészében a festészetre szenteli magát.
a háború közötti időszakban szerzett bizonyos presztízst., Az építészet iránt szenvedélyesen először a 19. századi tetőtéri házak akvarelljeit készítette, amelyeket a gyűjtők nagyra értékeltek. Az impresszionisták szerint alanyai a nap különböző időpontjaiban festett épületeket foglalják magukban. Kedvelte a napfelkeltét és a naplementét, felfedve vonzerejét a fényesség változásainak ábrázolására.
később a változó amerikai társadalmat ábrázolta, most az amerikai realizmus egyik fő képviselőjének tekintik. Egy bizonyos melankólia mindig a jeleneteiből származik., Nighthawks munkájában a karakterek magányossága, elszigeteltsége és hallgatása testesíti meg. Ez is a nosztalgia jele egy letűnt Amerika számára, amely annyira urbanizálódik, mint az egyénivé válik …
mint korának értékes tanúja, sikerül halhatatlanná tenni a felfüggesztett időt a vászonján. Az árnyékok és a nyers fény közötti erőteljes kontraszt révén létrejött kompozícióinak teatralitása inspirálja majd a fényképészeti és Filmművészeti világot.,
Man Ray (1890-1976): a Dadaizmustól a Szürrealizmusig
festő, rajzoló, rendező, tervező… ez a művész, akinek művei az artsper-en elérhetők, a szürrealisták fotósaként volt ismert.
az ipari formatervezés tanulmányozása után nem volt hajlandó belépni egy építészeti iskolába, hogy teljes mértékben szentelje magát a művészetnek. Az 1910-es évek elején New Yorkban telepedett le, Alfred Stieglitz “291” galériáját látogatta meg., Stieglitz bemutatta őt a fotózás technikájának, valamint az európai avantgárd számos művészének. 1913-ban részt vett az Armory Show-ban. Ez volt a modern művészet első nemzetközi kiállítása, amely a fauvizmus, a kubizmus és a futurizmus képviselőit tömörítette. Az 1915-ös első önálló kiállítás után csatlakozott a Dada mozgalomhoz. Az első világháború abszurditására adott reakcióként született, ezt az intellektuális, irodalmi és művészeti mozgalmat a társadalom politikai, társadalmi és ideológiai értékeinek radikális elutasítása jellemezte., Ebben az időszakban kezdett kísérletezni a fényképezéssel.
1921-ben elhagyta Amerikát Párizsba, ahol folytatta kutatásait, és véletlenül új fotográfiai technikát fedezett fel: “rayography”. A fehér fényérzékeny papírlap fénynek való kitettségével az objektumok által nem lefedett részek megfeketednek. Ezután spektrális formákkal reprezentálja a reprezentációkat, álomszerű és titokzatos tájakat alkotva, amelyekben a mindennapi tárgyak túllépnek. Ugyanakkor részt vett a szürrealista mozgalomban, amelyben 1925-től minden kiállításon részt vett., 1929-ben találkozott Lee Millerrel, aki szeretője és asszisztense lett. Együtt kihasználták a Szolarizáció esztétikai potenciálját, egy fényképészeti folyamatot, amely a fénykép túl korai felfedéséből áll. Ily módon a sötétség és a fényesség zónái megfordul.
a művészet történetének legfontosabb amerikai művészei közül ő forradalmasította a fotózás művészetét!,
Norman Rockwell (1894-1978): A Hyperrealism az Amerika Mesemondó
Ismert a magazin illusztrációk, Norman Rockwell működik nyomon követni a történelem, az Egyesült Államok a két világháború közötti időszakban, hogy a háború utáni időszakban.
gyermekkora óta rajzolt, 16 éves korában belépett a New York-i amerikai formatervezési Akadémiába., Ezután második alkalommal csatlakozott a művészeti hallgatók Ligájához, egy rangos Képzőművészeti iskolához. Tehetséges, még mielőtt elérte volna a nagykorúságot, az ifjúsági magazinok megrendelték első illusztrációit.
az 1922-es év fordulópontot jelentett karrierje során. Ő festette az első fedelet a híres újság a Saturday Evening Post. Ezt követte egy 47 éves együttműködés, amelynek során a Rockwell 321 további borítót készített. Reális, fotószerű stílusban ábrázolta az amerikai középosztály mindennapi életét, mindig kedvességgel, néha humorral., Ilyen módon kapcsolódik az amerikai regionalizmus mozgalomhoz.
a második világháború alatt illusztrációi megerősítik részvételét a háborús erőfeszítésekben. Roosevelt elnök beszéde ihlette, 1943-ban négy festményből álló sorozatot készített a négy szabadság címmel. Franklin Roosevelt beszédének célja az amerikai morál fellendítése volt egy jobb jövő bejelentésével. Ez az emberi jogokon és négy szabadságon alapulna: a szólásszabadságon, az imádat szabadságán, valamint a félelemtől és a vágytól való szabadságon. A festő ezután úgy döntött, hogy átírja ezt a négy fogalmat a mindennapi élet jeleneteire., Meg akarja mutatni az amerikaiaknak, hogy nem csak elvont eszmék.
a következő években, mivel e négy kép sikere nagyon népszerűvé tette, jutalékai csökkentek. Valójában az újságok inkább a fotózást részesítették előnyben, mint a rajzfilmeket. Ennek ellenére életének végéig arra törekszik, hogy művészetét a szívéhez közel álló okok védelmére használja: polgári jogok, szegregáció elleni küzdelem, szegénység és háború. Korának egyik legnagyobb politikai szerepet játszó amerikai művésze volt.,
Jackson Pollock (1912-1956):
az absztrakt expresszionizmus amerikai festője, különösen a cselekvési festészet gyakorlatáról híres, Jackson Pollock nagy hatással volt a kortárs amerikai festőkre. Halála a teljes világ megszentelésében elősegítette ennek az átkozott művésznek a legendáját.,
gyermekkorát bizonytalan környezetben töltötte, apja távolléte és anyja tekintélye között nagyon fiatalon alkoholista lett. 11 éves korában egy indiai rezervátumba tett látogatása, valamint az úgynevezett “primitív” művészet absztrakt motívumainak felfedezése mély benyomást hagy rá. Pollock számára a művészet mindenekelőtt műalkotás. Ez lehetővé teszi számára, hogy kifejezze érzelmeit, és megszabadítsa magát szorongásaitól, haragjától és haragjától. Az ő akció festmények, közel előadások, ez az intézkedés a festészet, nem a festmény, ami fontos.,
életének nagy részét a Nagy Depresszió idején nyomorúságban élte, részesül a szövetségi Művészeti projektből. A Roosevelt-kormány által a New Deal-politika részeként létrehozott program nagy állami bizottságokon keresztül támogatta az amerikai művészeket. 1935-ben csatlakozott a “falfestmény” szekcióhoz, de 1938-ban kizárták a távollét miatt. Ebben az időben méregtelenítő programot indított.
1943-ban részt vett az első nagy kiállításon, amelyet egy híres amerikai modern műgyűjtő, Peggy Guggenheim szervezett., A zsűri tagjai közül Piet Mondrian és Marcel Duchamp kedvező véleményt adott neki, olyannyira, hogy a művészetek híres védőszentje havi fizetést ajánlott neki, és személyes kiállítást szentelt neki. Miközben fokozatosan nevet adott magának a művészeti világban, 1947-ben elkezdett csöpögni. Ez áll öntés vödör festék közvetlenül a vászonra. Ezzel a horizontális munka új technikájával megtöri a képi gyakorlat hagyományos kódjait, miközben elhagyja magát a legteljesebb absztrakt művészetre.,
sikerének csúcsán azonban régi démonjai még mindig kísértették. Alkoholba fulladt, autóbalesetben halt meg, ittas vezetés közben. Néhány kiadása megtalálható az Artsper weboldalán.,
A főbb amerikai popkulturális művészek
Andy Warhol (1928-1987): a Pop Art atyja
a művészetet fogyasztói termékké változtatta, ugyanakkor a mindennapi tárgyaknak a műalkotások állapotát adta. Andy Warhol joggal tekinthető a Pop Art egyik alapítójának.,
Warhol, akinek alkotásai az Artsper-en elérhetők, Pittsburgh szegény munkásosztálybeli hátteréből származik, és szlovák bevándorlók fia. Sikerült bejutnia az egyetemre, hogy képzőművészetet tanuljon. A diploma megszerzése után 1949-ben New Yorkba költözött. Ott kezdte a karrierjét, mint egy kereskedelmi művész a divat magazinok, majd gyorsan szerzett jelentős hírnevet a reklám világában.
az 1950-es évek végén a festészetnek szentelte magát. Először a képregény grafikája ihlette., De a fogyasztói tárgyakról szóló festményei, kezdve Campbell leves dobozaival, a művészettörténetben mentek le. A szinte tömeges kereslet kielégítése érdekében 1962-ben kezdte el használni a szitanyomást. Ez a stencil-alapú nyomtatási technika lehetővé tette számára, hogy munkáit ipari mennyiségben, feltűnő színek sokaságában készítse el. Olyan hírességek portréi, mint például Marilyn Monroe, ma jelen vannak a világ legnagyobb modern művészeti intézményeinek képsorain.
később, 1964-ben megnyitotta gyárát, New York művészeti életének Mekkáját., Ez mind egy termelési műhely, mind egy stúdió kísérleti filmjeihez.
Az 1980-as évek végén a Művészetek védőszentjévé vált, és a Popművészet ikonjaként ismerték el. ,
Keith Haring (1958-1990): Activism Through Street Art
világszerte ismert a vastag fekete körvonalú színes figurák freskóiról, Keith Haring az egyik amerikai művész, aki elkötelezett a homofóbia és az AIDS elleni küzdelemben.
Andy Warholhoz hasonlóan Pittsburghben született, és reklámgrafikát kezdett tanulni. Azonban, hogy szabadon kísérletezzen saját művészi kutatásával, New Yorkba távozott., Ott graffiti inspirálta őt. Alig várja, hogy a művészetet kivegye a keretéből, hogy széles közönséget érjen el, krétával rajzolt a metró fekete reklámtábláira. Ugyanakkor a New York-i underground Művészeti miliőjét látogatva első kiállításai galériákban voltak. Végül meghívták az 1985-ös párizsi Biennáléra, miközben nemzetközi felemelkedése közepén volt.,
a szintetikus formájú gyermekrajzok megjelenése mögött, amelyek közül néhány megtalálható az Artsper honlapján, olyan komoly témákkal foglalkozik, mint a rasszizmus, az erőszak, a kábítószerek és a környezeti pusztítás… azáltal, hogy az utcán kifejezi magát, nagyobb láthatóságot kíván elérni a társadalmi előítéletek elítélésére. Ebből a célból részt vesz a fiatalok művészeti oktatási programjaiban, és több állami jutalékra is válaszol. Például 1987-ben freskót készített a Necker Kórház egyik falán.,
tudván, hogy 1988-ban AIDS-ben szenved, művészetét és hírhedtségét az LMBT-ügy és a betegség elleni küzdelem szolgálatába állította. Ebből a célból 1989-ben létrehozta a Keith Haring Alapítványt. A világ átalakításának vágya miatt csak 31 éves korában halt meg. Rövid élete ellenére öröksége, mind művészi, mind társadalmi szempontból nem volt kevésbé jelentős.,
Jean-Michel Basquiat (1960-1988): the Elevation of Urban Art to the Rank of Fine Arts
a világ egyik leghíresebb afroamerikai művésze. 2017-ben, majdnem 30 évvel halála után, egyik művét aukción adták el, rekord áron, több mint 110 millió euróért., Ez teszi Jean-Michel Basquiat-ot, akinek néhány rajza látható az Artsper honlapján, a világ egyik legdrágább amerikai művésze.
Brooklynban született egy Haiti apának és egy spanyol anyának, ez a koraérett rajzzseni 16 éves korában készítette első graffitijét. SAMO álnéven kezd aláírni (“ugyanaz a régi szar”, szó szerint”ugyanaz a régi szar”). Basquiat meghatározza a hangot: protestáns temperamentum, nem hajlandó megfelelni a társadalom diktátumainak.,
Az első nemzetközileg ismert fekete művész lett, bálványa, Andy Warhol észrevette. Ez utóbbi bemutatta őt a legnagyobb New York-i galériatulajdonosoknak.
nagy szingularitású művei annyira megijesztenek, amennyire lenyűgöznek. Valóban, ezek a nagy erőszak. A halál számos felidézésével kompozícióit a törzsi elemek kulturális örökségéből való bevezetése jellemzi. Az identitás iránti törekvése arra készteti őt, hogy elítélje a kisebbségek elnyomását, egy kaotikus világot képviselve, erőteljes szimbolizmust hordozva., Végül, mint a popkultúra gyermeke, ugyanabban a kompozícióban keveri a különböző technikákat: graffiti, festés, kollázsok. Figyelmen kívül hagyja a képi hagyományokat, és elmossa a képzőművészet határait.
túladagolást követő halála 28 éves korában véget vetett karrierjének. Karrierje kétségkívül rövid, de különösen termékeny volt: több mint 800 festményt és 1500 rajzot készített. Krónikus rossz közérzete, amely kompozícióinak agresszív tulajdonságaiban érzékelhető, paradox módon kicsapta a végét, mint a sikerét.,
A feltörekvő kortárs művészek
Jeff Koons (1955): the Apogee of Commercial Art
miközben a 21.század egyik leghíresebb amerikai művésze, Jeff Koons is az egyik legellentmondásosabb. Műveit egyesek ipari művészetnek bélyegzik,vagy csak mások szerint hamisítják. Mégis ők a legdrágábbak a világon, és a világ vezető művészeti intézményeiben vannak kiállítva., Egy sikertörténet!
nagyon fiatal korban vonzotta a művészet, Jeff Koons nem találkozott az első alkotásaival remélt sikerrel. Kénytelen dolgozni, mint egy pénzügyi bróker, nem volt, amíg az 1980-as években, hogy a monumentális szobrok, képviselő tömeges fogyasztási cikkek, mint a ballon kutyák és felfújható nyulak, népszerűvé vált a gyűjtők. Ezután Andy Warhol útján létrehozott egy stúdiót New Yorkban, körülbelül harminc asszisztenssel. Ma ez több, mint egy gyár, több mint 100 alkalmazottal. Így a Jeff Koons bélyegzővel ellátott munkákat már nem a keze végzi.,
valójában Jeff Koons rozsdamentes acél produkciói, amelyek az Artsper-en elérhetők, összhangban vannak a Pop Art-val, inspirációjukat a népszerű képzeletből merítve. Ő eltereli őket azáltal, hogy nekik egy ipari jellegű, felfedve bizonyos affinitások Marcel Duchamp kész. Ha azonban Andy Warhol művészetet hozott az ipari korszakba, akkor a pénzügyi ember a globalizáció korszakába hozta. A giccs ikonjai a világ minden tájáról láthatók… és ez nem anélkül, hogy néhány botrányt okozna!,
2008-ban egy tucat szobrát mutatta be a Versailles-i palotában, ahol a “francia művészi tisztaság”védelme érdekében rendezvényt tartottak. A közelmúltban a tulipáncsokor nagy vitát váltott ki. Valójában a 2015-ös és 2016-os párizsi támadások áldozatainak tiszteletére a közterület csúnyaságához való hozzájárulásként kritizálták.
ezenkívül a művészt több esetben plágiummal vádolták, a meglévő fényképek vagy hirdetések tárgyainak újrahasznosításával., Az a tény, hogy Jeff Koons uralkodása úgy tűnik, hogy fényes jövő áll előtte! 2019 májusában, elérve a 91, 1 millió euró árat, Nyúlművének aukciója a világ legdrágább élő művészévé tette.,
JonOne (1963): A Graffiti felszentelése a 11.művészetben
az absztrakt expresszionizmus egyik legfontosabb amerikai művészének tekintik a graffiti világában, jonone, amelyet az artsper oldalon fedeztek fel, ugyanolyan Jackson Pollock leszármazottja, mint Jean-Michel Basquiat. Nem kétséges, hogy az amerikai művészek öröklése biztosított!,
New Yorkban született, Harlem munkásosztálybeli szomszédságában, afroamerikai származású, mint Jean-Michel Basquiat, a fiatal John is hooky-t játszik. Tinédzserként bejárta a New York-i metróvonalakat, ahol elkészítette első címkéit. Elmondása szerint “a metró egy múzeum, amely áthalad a városon”, figyelembe véve a graffitit mint művészeti formát saját jogán.
a francia graffiti művész Bando-val való találkozása döntő volt karrierje hátralévő részében. Ez utóbbi meggyőzte őt, hogy csatlakozzon hozzá Párizsban., Ott, elhagyva az aszfaltot anélkül, hogy elhagyná a festékbombáit, az 1990-es években telepedik le az ideiglenes Kórház műhelyében. Ott készítette első festményeit. Gyorsan észrevették és kiállították a legfontosabb francia kortárs művészeti galériákban.
JonOne a festményeiből áradó érzékenységgel és költészettel képes megérinteni a közönséget. Lehetővé téve a képzeletének, hogy szabadon futhasson, lehetővé teszik számára, hogy szavaival megnyíljon magának. Minden jelképes utalást elhagyva hagyja magát elragadni a város mozgalma, színei és energiája., Ettől kezdve csak az érzelmeinek impulzusa irányítja gesztusait. Az élénk, spontán színek csíkjai csak tőlük származnak.
a lírai absztrakció és a városi művészet, a modern művészet és a kortárs művészet kereszteződésénél JonOne kihasználja Amerikai művészi örökségét, hogy megújuljon. Az amerikai művészek hegemóniája a művészet történetében messze nem ér véget!,
Shepard Fairey (1970): A Politikai Elkötelezettség a Street Art
Ő híres tervezése Barack Obama kampány poszter a 2008-as elnökválasztás. Bizonyítva, hogy az utcai művészetnek helye van a politikában, a bostoni Kortárs Művészeti Intézet elismerte őt a legbefolyásosabb utcai művésznek.,
tinédzserként pólókat és gördeszkákat tervezett, az Artsperben képviselt Shepard Fairey 1989-ben lépett be a Rhode Island School of Design-ba. A diákok egy csoportjával matricákat és plakátokat készített, amelyeken a francia birkózó, André the Giant látható. A látvány vírusos lett, és elterjedt az egész világon. 1998-ban, amikor a képet az “engedelmesség” (azaz “engedelmesség”) szóval társította, ezt a propaganda paródiát írta alá.
de inkább a remény poszterének köszönhető, hogy nemzetközi hírnévre tett szert., Barack Obama jövőbeli elnök jelöltségének támogatása érdekében plakátok sorozatát készítette. A leghíresebb a politikus portréja Amerika színeiben. Obama elnökválasztási kampányának emblémája, egy olyan jelöltet képvisel, aki határozottan a jövő felé fordult. Az egész világon elterjedt, a Time magazin címlapjára került. A Washingtoni Nemzeti Portré Galéria végül megvásárolta az eredetit.
azóta számos kiállítása volt, miközben utcai művészként folytatta tevékenységét., 2012-ben és 2016-ban több freskót készített a Párizs 13.kerületében található épületek falain. Egyikük egy Marianne-t képvisel, amelyet a “szabadság, egyenlőség, testvériség”nemzeti mottó vesz körül. A 2015. November 13-i támadások után jött létre. Így bizonyságot tesz örök elkötelezettségéről a nagy ügyek, például a demokrácia és a szabadságjogok védelme iránt. 8 évvel azután, hogy befektetett a választási kampányba, Shepard Fairey megismétli. Ugyanazokat a grafikus kódokat használva megváltoztatta a szlogent “Nope” – ra, hogy ellenzi Donald Trump megválasztását., Úgy tűnik, hogy Shepard Fairey, aki 2019-ben a Grenoble Street Art Fest-en ünnepelte 30 éves karrierjét, véglegesen letelepedett a nemzetközi művészeti (és városi) tájban!
így a modern és kortárs amerikai művészek áttekintése feltárja az Egyesült Államok döntő szerepét, mint a művészi alkotás bölcsőjét. A 20.század eleje óta a talaján született a művészet történetének főbb művészei. Az Európai képi hagyományhoz való kötődés nélkül új műanyag megoldásokat tudtak javasolni., Kezdetben a nacionalizmus, az amerikai művészet egyre népszerűbb és egyetemes közepén a 20.században. Az eredmény az asszimiláció volt az egész világon, valamint az Egyesült Államok mint vezető művészi hatalom felszentelése.
Megosztás: