Qu’est-ce que la musique Baroque?

qu’est-ce que le « baroque”, et quand était la période Baroque?

dérivé du portugais barroco, ou « perle de forme étrange”, le terme « baroque” a été largement utilisé depuis le XIXe siècle pour décrire la période dans la musique artistique D’Europe occidentale d’environ 1600 à 1750. Comparer certains des plus grands chefs-d’œuvre de l’histoire de la musique à une perle difforme peut nous sembler étrange aujourd’hui, mais pour les critiques du XIXe siècle qui ont appliqué le terme, la musique de Bach et de Haendel semblait trop ornementée et exagérée., Ayant depuis longtemps perdu ses connotations péjoratives,” baroque  » est maintenant simplement un fourre-tout pratique pour l’une des périodes les plus riches et les plus diverses de l’histoire de la musique.

en plus de produire la première musique européenne familière à la plupart d’entre nous, y compris le Canon de Pachelbel et les Quatre Saisons de Vivaldi, l’ère Baroque a également considérablement élargi nos horizons. L’acceptation de la théorie de Copernic du 16ème siècle selon laquelle les planètes ne tournaient pas autour de la terre a fait de l’univers une place beaucoup plus grande, tandis que le travail de Galilée nous a aidés à mieux connaître le cosmos., Les progrès technologiques, tels que l’invention du télescope, ont rendu ce que l’on croyait être fini semble infini. De grands penseurs comme Descartes, Hobbes, Spinoza et Locke ont abordé les grandes questions de l’existence. Des génies comme Rubens, Rembrandt et Shakespeare ont offert des perspectives uniques à travers leur art. Les nations européennes se sont impliquées de plus en plus dans le commerce extérieur et la colonisation, nous mettant en contact direct avec des parties du globe qui étaient auparavant inconnues., Et la croissance d’une nouvelle classe moyenne insufflé la vie dans une culture artistique longtemps dépendante des caprices de l’église et la cour.

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qui étaient les principaux compositeurs baroques et d’où venaient-ils?

de nombreuses personnalités connues de la première partie de la période Baroque sont originaires d’Italie, notamment Monteverdi, Corelli et Vivaldi. (Au milieu du XVIIIe siècle, nous nous concentrons sur les compositeurs allemands Bach et Haendel.) De nombreuses formes identifiées à la musique Baroque sont originaires d’Italie, notamment la cantate, le concerto, la Sonate, l’oratorio et l’Opéra., Bien que L’Italie ait joué un rôle vital dans le développement de ces genres, de nouveaux concepts de ce que signifiait être une nation ont accru l’impératif d’un « style national. »Les différences entre les nations sont souvent audibles dans la musique de l’époque, non seulement dans la manière dont la musique était composée, mais aussi dans les conventions d’exécution; le contraste entre L’Italie et la France était particulièrement évident. Alors que certains pays peuvent sembler revendiquer une plus grande partie de notre expérience de la musique Baroque aujourd’hui, Cependant, chaque nation a joué un rôle., Comme les musiciens et les compositeurs ont voyagé dans toute l’Europe et entendu la musique de l’autre, les nouvelles conventions qu’ils ont rencontrées ont fait des impressions subtiles sur eux. Parmi les compositeurs les plus connus de l’époque, citons:

Italie: Monteverdi, Frescobaldi, Corelli, Vivaldi, Domenico et Alessandro Scarlatti

France: Couperin, Lully, Charpentier et Rameau

Allemagne: Praetorius, Schein, Scheidt, Schutz, Telemann, Haendel et Bach

Angleterre: Purcell

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Quelle est la philosophie de la musique baroque?,

bien qu’une seule philosophie ne puisse décrire 150 ans de musique de toute l’Europe, plusieurs concepts sont importants dans la période Baroque.

Une croyance en la musique comme un puissant outil de communication
l’un des principaux courants philosophiques de la musique Baroque provient de l’intérêt de la Renaissance pour les idées de la Grèce antique et de Rome. Les Grecs et les Romains croyaient que la musique était un puissant outil de communication et pouvait susciter n’importe quelle émotion chez ses auditeurs., À la suite de la renaissance de ces idées, les compositeurs sont devenus de plus en plus conscients du pouvoir potentiel de la musique et ont cultivé la conviction que leurs propres compositions pourraient avoir des effets similaires si elles imitaient correctement la musique ancienne.,à la fin du XVIe siècle,

j’ai souvent entendu dire du Sieur Claudin Le Jeune (qui a, sans vouloir égarer personne, surpassé de loin les musiciens d’autrefois dans sa compréhension de ces questions) qu’il avait chanté un air (qu’il avait composé en parties)…et que lorsque cet air était répété lors d’un concert privé, il y avait un gentilhomme qui mettait la main aux armes et commençait à jurer à haute voix, de sorte qu’il semblait impossible d’empêcher après quoi claudin se mit à chanter un autre air rendered qui rendit le monsieur aussi calme qu’avant., Cela m’a été confirmé depuis par plusieurs qui étaient là. Tel est le pouvoir et la force de la mélodie, du rythme et de l’harmonie sur l’esprit.

en 1605, le compositeur italien Claudio Monteverdi définit effectivement une « première” et une « seconde” pratique: dans la première, l’harmonie et le contrepoint priment sur le texte; dans la seconde, la nécessité d’exprimer le sens des mots dépasse toute autre préoccupation. Dans le baroque, c’est l’esprit de la seconde pratique—utilisant le pouvoir de la musique pour communiquer—qui est venu dominer l’époque.,

Les réalités du mécénat
toute discussion sur la philosophie artistique D’un compositeur Baroque devrait être tempérée, au moins légèrement, par la réalité de leur vie. Dans les temps modernes, les artistes gagnent souvent leur vie en produisant exactement le genre d’art qu’ils sont amenés à créer. En conséquence, nous pensons souvent de l’artiste—et le degré de son inspiration artistique—comme le point de départ d’une œuvre d’art. Pendant une grande partie de l’ère Baroque, cependant, les compositeurs ne gagnaient leur vie à écrire de la musique que s’ils avaient la chance d’être à la solde d’une institution politique ou religieuse., Les besoins musicaux de cette institution ont donc dicté la musique produite par le compositeur. Bach a écrit le nombre de cantates qu’il a faites, par exemple, pas nécessairement parce qu’il trouvait la forme inspirante, mais à cause des exigences liturgiques de l’église de Leipzig qui l’employait. Vue sous cet angle, la musique Baroque peut offrir une fenêtre fascinante sur l’histoire.

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Quelles sont les caractéristiques de la musique Baroque?

Le nouvel intérêt pour les possibilités dramatiques et rhétoriques de la musique a donné lieu à une multitude de nouveaux idéaux sonores dans la période Baroque.,

le contraste comme élément dramatique
Le contraste est un ingrédient important dans le drame D’une composition Baroque. Les différences entre fort et doux, solo et ensemble (comme dans le concerto), différents instruments et timbres jouent tous un rôle important dans de nombreuses compositions baroques. Les compositeurs ont également commencé à être plus précis sur l’instrumentation, spécifiant souvent les instruments sur lesquels une pièce doit être jouée au lieu de laisser l’interprète choisir. Des instruments brillants comme la trompette et le violon ont également gagné en popularité.,

la monodie et l’avènement de la basse continue
dans les époques musicales précédentes, un morceau de musique avait tendance à se composer d’une seule mélodie, peut-être avec un accompagnement improvisé, ou de plusieurs mélodies jouées simultanément. Ce n’est qu’à la période Baroque que le concept de « mélodie” et d’ « harmonie” a vraiment commencé à être articulé. Dans le cadre de l’effort d’imitation de la musique ancienne, les compositeurs ont commencé à se concentrer moins sur la polyphonie compliquée qui a dominé les XVe et XVIe siècles et plus sur une seule voix avec un accompagnement simplifié, ou monodie., Si la musique était une forme de rhétorique, comme l’indiquent les écrits des Grecs et des Romains, un orateur puissant est nécessaire—et qui de mieux pour le travail qu’un soliste vocal? La nouvelle fusion entre l’expression du sentiment et le chanteur solo apparaît clairement dans la préface de Monteverdi au Combattimento di Tancredi e Clorinda de son huitième Livre de madrigaux (1638), dans laquelle il écrit: « il m’a semblé que les principales passions ou affections de notre esprit sont au nombre de trois, à savoir la colère, l’équanimité et l’humilité., Les meilleurs philosophes sont d’accord, et la nature même de notre voix, avec ses gammes hautes, basses et moyennes, en indiquerait autant.” Les premiers opéras sont une excellente illustration de cette nouvelle esthétique.

parallèlement à l’accent mis sur une seule mélodie et une seule ligne de basse est venue la pratique de la basse continue, une méthode de notation musicale dans laquelle la mélodie et la ligne de basse sont écrites et la charge harmonique indiquée Dans un type de raccourci., Comme L’expliquait le musicien italien Agostino Agazzari en 1607:

puisque le véritable style d’expression des mots a enfin été trouvé, à savoir, en reproduisant leur sens de la meilleure manière possible, qui réussit le mieux avec une seule voix (ou pas plus de quelques-unes), comme dans les airs modernes de divers hommes capables, et comme c’est la pratique constante à Rome dans la musique concertée, je dis qu’il n’est pas nécessaire de faire une partition A une basse, avec ses signes pour les harmonies, est suffisant., Mais si quelqu’un me disait que, pour jouer les œuvres anciennes, pleines de fugue et de contrepoints, une basse ne suffit pas, ma réponse est que les œuvres vocales de ce genre ne sont plus utilisées.

parce que la basse continue, ou basse approfondie, est restée pratique courante jusqu’à la fin de la période Baroque, l’époque est parfois connue comme « l’âge de la basse approfondie. »

différents sons instrumentaux
Après avoir été ignorée pendant des décennies, la musique Baroque est devenue de plus en plus populaire au cours des cinquante dernières années., Dans le cadre de ce nouvel intérêt, les chercheurs et les musiciens ont passé d’innombrables heures à essayer de comprendre comment la musique aurait pu sonner au public du 17e et du 18e siècle. Bien que nous ne puissions jamais recréer une performance avec précision, leur travail a mis au jour plusieurs différences majeures entre les ensembles baroques et modernes:

hauteur: en 1939, les orchestres modernes ont accepté d’accorder un’=440Hz (la note A lancée à 440 cycles par seconde), qui a remplacé une hauteur précédemment plus basse (a’=435hz) adoptée en 1859. Avant 1859, cependant, il n’y avait pas de norme de hauteur., La note à laquelle les ensembles baroques s’accordaient variait donc beaucoup à différents moments et à différents endroits. En conséquence, la musique notée sur une partition aurait pu sonner jusqu’à un demi-ton plus bas que la façon dont elle serait traditionnellement interprétée aujourd’hui. Afin de tenir compte de cette divergence, de nombreux ensembles baroques ajustent leur accord au répertoire interprété: a’= 415hz pour la musique baroque tardive, a’=392hz pour la musique française, a’=440Hz pour la musique italienne ancienne et a’=430Hz pour le répertoire classique.,

timbre: bien que la plupart des instruments d’un ensemble baroque soient familiers, il y a plusieurs membres éminents qui ne figurent plus dans les ensembles modernes. Le clavecin était le principal instrument à clavier (et un membre important du groupe de continuo), et des instruments importants aux XVIe et XVIIe siècles comme le luth et la viole, continuaient encore à être utilisés. Les Variations d’instruments encore populaires aujourd’hui ont également donné à l’ensemble baroque un son différent., Les instruments à cordes comme le violon, l’Alto et le violoncelle utilisaient des cordes en boyau plutôt que les cordes enveloppées dans du métal avec lesquelles elles sont enfilées aujourd’hui, par exemple, ce qui leur donnait un son plus doux et plus doux.

technique de performance: une partition baroque contient peu d’informations (voire aucune) sur des éléments tels que l’articulation, l’ornementation ou la dynamique, et les ensembles modernes doivent donc faire leurs propres choix éclairés avant chaque performance., Les différences mécaniques entre les instruments baroques et modernes suggèrent également que les instruments plus anciens auraient sonné différemment, de sorte que des ensembles comme la musique Baroque ajustent souvent leur technique pour permettre cela. Parce que les arcs baroques et modernes sont structurellement différents, par exemple, les joueurs de cordes utilisant des arcs modernes utilisent souvent une attaque plus douce sur la corde et des crescendos et des diminuendos sur des notes plus longues., Les traités de performance du 17e et du 18e siècle impliquent également que le vibrato au doigt (une technique dans laquelle un joueur de cordes balance son doigt sur la corde pour enrichir le ton) était utilisé avec parcimonie pour les moments expressifs, tandis que le vibrato à l’arc (un mouvement ondulatoire de l’archet) était généralement préféré.

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quelles formes musicales sont venues définir l’ère baroque?

alors que des formes d’époques antérieures ont continué à être utilisées, comme le motet ou des danses particulières, l’intérêt pour la musique en tant que forme de rhétorique a déclenché le développement de nouveaux genres, en particulier dans le domaine de la musique vocale., Beaucoup de formes associées à l’époque baroque sortent directement de cette nouvelle impulsion dramatique, en particulier l’Opéra, l’oratorio et la cantate. Dans le domaine de la musique instrumentale, la notion de contraste et le désir de créer des formes à grande échelle ont donné naissance au concerto, à la sonate et à la suite.

musique vocale

opéra: un drame principalement chanté, accompagné d’instruments et présenté sur scène. Les opéras alternent généralement entre des récitatifs, des chants qui font avancer l’intrigue, et des arias, des chansons dans lesquelles les personnages expriment des sentiments à des moments particuliers de l’action., Des refrains et des danses sont également fréquemment inclus. L’avènement du genre au tournant du XVIIe siècle est souvent associé aux activités d’un groupe de poètes, de musiciens et d’érudits à Florence connu aujourd’hui sous le nom de Camerata Florentine. Le premier opéra qui a survécu est Dafne de Jacopo Peri, basé sur un livret d’Ottavio Rinuccini et joué à Florence en 1598; le premier opéra encore joué aujourd’hui est Orfeo de Claudio Monteverdi (1607)., Les sujets des premiers opéras sont tous tirés du mythe grec, reflétant les alliances étroites du genre avec les tentatives de recréer la musique et le drame des cultures anciennes, et ont été joués uniquement dans des cercles aristocratiques pour les invités.

lorsque les premiers opéras publics ouvrirent à Venise en 1637, le genre fut modifié pour s’adapter aux préférences du public. Les chanteurs solistes ont pris une sorte de statut de célébrité, et un plus grand accent a été mis sur l’aria en conséquence. Le récitatif a perdu de son importance et les chœurs et les danses ont pratiquement disparu de l’opéra italien., Les réalités financières de la mise en scène de productions d’Opéra fréquentes ont également eu un effet. Les effets scéniques spectaculaires associés à l’Opéra à la Cour ont été grandement minimisés, et les livrets ont été construits pour tirer parti des dispositifs scéniques courants. Au début du XVIIIe siècle (en particulier à Naples), deux sous-genres de l’opéra sont devenus évidents: opera seria, dans lequel l’accent était mis sur des sujets sérieux et l’aria da capo, et opera buffa, qui avait un ton plus léger, même comique et utilisait parfois des duos, des trios et des ensembles plus grands. La tradition italienne de l’opéra a progressivement dominé la plupart des pays européens., À la fin du 17ème siècle en France, cependant, L’Italien d’origine Jean-Baptiste Lully et le librettiste Philippe Quinault ont créé une version française unique de l’Opéra connu sous le nom de tragédie-lyrique.

Oratorio: un drame musical étendu avec un texte basé sur des sujets religieux, destiné à une performance sans décor, costume ou action. Oratorio signifiait à l’origine salle de prière, un bâtiment situé à côté d’une église qui a été conçu comme un lieu pour des expériences religieuses distinctes de la liturgie., Bien qu’il existe des précédents de la fin du XVIe siècle pour l’oratorio dans le répertoire des motets et des madrigaux, l’oratorio en tant que genre musical distinct a émergé au milieu de l’excellente acoustique de ces espaces au début des années 1600. Au milieu du 17ème siècle, les oratorios ont été joués dans les palais et les théâtres publics et se rapprochaient de plus en plus des opéras, bien que le sujet, la division en deux parties (plutôt que trois actes) et l’absence d’action mise en scène le distinguent encore., Parmi les compositeurs associés au genre en Italie, citons Giocomo Carissimi, Alessandro Scarlatti et Antonio Vivaldi. L’oratorio a gagné en popularité dans d’autres parties de l’Europe. Dans L’Allemagne protestante, la musique dramatique composée pour l’église luthérienne s’est progressivement fusionnée avec des éléments de l’oratorio, en particulier dans l’inclusion de textes non bibliques. La passion de l’oratorio, comme on en est venu à l’appeler, a culminé dans les grandes œuvres de J. S. Bach., D’autres exemples bien connus en dehors de L’Italie incluent les oratorios anglais de George Frideric Haendel, qui a popularisé le genre à Londres en raison du dégoût anglais pour l’opéra italien. Des œuvres telles que Messie, Israël en Egypte et Judas Maccabée restent les Favoris du public à ce jour.

Cantate: une pièce étendue composée d’une succession de récitatifs et de pièces de théâtre telles que des airs, des duos et des chœurs., Originaire du début du 17ème siècle en Italie, la cantate a commencé comme une œuvre profane composée pour voix solo et basse continue, très probablement destinée à être jouée lors de rassemblements sociaux privés. Beaucoup de ces œuvres ont été publiées, ce qui suggère qu’elles ont été interprétées par des musiciens professionnels et des amateurs. Vers le milieu du siècle, les cantates sont publiées moins fréquemment, ce qui suggère que les interprétations sont de plus en plus faites par des professionnels. À la fin du XVIIe siècle, les cantates ont commencé à incorporer l’aria da capo et ont souvent des accompagnements orchestraux., Les principaux compositeurs du genre de la cantate italienne comprennent Luigi Rossi, Antonio Cesti, Alessandro Stradella, et dans la première moitié du 18ème siècle Alessandro Scarlatti, Haendel, Benedetto Marcello et Johann Adolf Hasse. En dehors de l’Italie, le genre en expansion du motet luthérien a commencé à incorporer de nombreux éléments de la cantate italienne, en particulier des techniques d’expression dramatique comme le récitatif et l’aria. Les nombreuses cantates de Bach montrent la grande influence de leurs homologues italiens.,

musique instrumentale

Sonate: utilisé pour décrire plusieurs types de pièces à l’époque baroque, le terme Sonate désignait le plus souvent une œuvre en plusieurs mouvements pour un ou plusieurs instruments (le plus souvent violons) et bassocontinuo; une sonate pour deux violons ou autres instruments aigus plus basse était généralement appelée Sonate en trio., Dans les années 1650, Les sonates étaient souvent classées soit comme sonates da chiesa (« sonates d’Église”), généralement composées de quatre mouvements alternant entre tempos lents et rapides et jouées à l’Église, soit comme sonates da camera (« sonate de chambre”), qui consistait en une série de danses semblables à la suite. Des exemples des deux types peuvent être trouvés dans les œuvres de Corelli à la fin du 17ème siècle. Au 18ème siècle, Telemann, Bach ethandel a écrit de nombreuses sonates sur le modèle des sonates da chiesa de Corelli., La montée en puissance des sonates solistes pour instruments à clavier commence à la fin de la période baroque, y compris celles pour orgue (Bach) et clavecin (Haendel, Domenico Scarlatti). D’autres exemples célèbres de sonates solo incluent les œuvres de Bach pour violon et violoncelle non accompagnés.

Concerto: dérivé du concertare Italien (unir, unir), le concerto a pris plusieurs formes à l’époque baroque. Jusqu’au début du 18e siècle, un concerto était simplement une composition qui réunissait un ensemble diversifié composé de voix, d’instruments ou des deux., Les œuvres sacrées pour voix et instruments étaient souvent appelées concertos, tandis que les œuvres profanes similaires étaient généralement appelées arie (airs), cantates ou musiche. Alors que des concertos sacrés à grande échelle peuvent être trouvés dans les œuvres de Claudio Monteverdi, des compositions plus intimes pour une à quatre voix, continuo et instruments solistes supplémentaires étaient beaucoup plus courantes. En Allemagne, on trouve de merveilleux exemples du concerto sacré dans les œuvres de Johann Hermann Schein, Michael Praetorius, Samuel Scheidt et Heinrich Schütz (en particulier son Kleine geistliche Concerte, ou « petits Concertos sacrés”, de 1636-39).,

plus tard au XVIIe siècle, le concerto a commencé à assumer sa définition moderne: une œuvre à plusieurs mouvements pour soliste instrumental (ou groupe de solistes) et orchestre. S’inspirant des canzonas et des sonates de la fin des XVIe et XVIIe siècles, qui utilisaient des groupes d’instruments contrastés à grand effet, le concerto grosso alterne un petit groupe de solistes avec un ensemble plus large. Les œuvres de Corelli, en particulier sa collection Op.6, fournissent peut-être les exemples les plus connus du concerto grosso de la fin du XVIIe siècle., Alors que les œuvres de Corelli ont été imitées au XVIIIe siècle, notamment dans la collection Op.6 de Haendel, de nombreux exemples du concerto grosso du XVIIIe siècle montrent l’influence croissante du concerto solo (par exemple, les Concertos brandebourgeois de J. S. Bach).

Le type de concerto le plus dominant au XVIIIe siècle était le concerto solo, qui comportait un seul instrument contrairement à un ensemble., Le compositeur le plus prolifique du concerto solo est Antonio Vivaldi, qui en a écrit environ 350 et a établi la forme standard du concerto en trois mouvements (deux mouvements extérieurs rapides, un mouvement central dans un tempo plus lent). Alors que la plupart des concertos solistes étaient écrits pour violon, les concertos pour trompette étaient également populaires, et les concertos étaient également composés pour violoncelle, hautbois, flûte et basson. Dans les années 1730, Haendel a écrit 16 concertos pour orgue, et Bach a également composé plusieurs concertos pour clavecin à la même époque (la plupart sont des arrangements d’œuvres préexistantes).,

Suite: basée sur l’appariement traditionnel des danses de la Renaissance, la suite a été la première œuvre multi-mouvements pour instruments. La suite était essentiellement une série de danses dans la même tonalité, la plupart ou la totalité d’entre elles en deux parties. Vers le milieu du 17ème siècle en Allemagne, la séquence de l’allemande, courante, sarabande et gigue est devenue relativement standard, bien que d’autres mouvements de danse,tels que des allemandes ou courantes supplémentaires, des bourrés, des gavottes et des menuets, aient souvent été insérés. La plupart des suites ont également commencé par un mouvement d’introduction comme un prélude, ouverture ou fantasia., Pour de nombreux compositeurs baroques, les différentes danses incarnaient des caractères spécifiques. Dans son Der volkommene Capellmeister (le directeur musical complet), 1739, le théoricien allemand Johann Mattheson a donné une liste du caractère de chaque danse: le menuet était « gaieté modérée”, La gavotte « joie jubilatoire”, le bourré « contentement”, la courante « espoir”, la sarabande « ambition” et la gigue pouvait signifier un certain nombre d’émotions allant de la colère à la volupté., Les suites baroques ont été écrites pour instruments solistes ainsi que pour orchestre; celles écrites pour un ou deux instruments mélodiques et continuo sont parfois intitulées sonata da camera. Les suites françaises pour clavier sont parfois appelées ordres (comme dans les œuvres de François Couperin, qui a inséré de nombreux mouvements non dansants, y compris des esquisses de personnages évocateurs du personnel de la Cour.

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comment était-ce d’assister à un concert à l’époque baroque?

dans les temps modernes, aller à un concert est un événement., Nous entendons une annonce à la radio ou voyons une liste dans le journal; nous achetons des billets; nous allons dans une salle de concert et nous asseyons tranquillement jusqu’à ce qu’il soit temps d’applaudir. À l’époque baroque, ce genre de concert public était rare. Beaucoup des compositions baroques les plus célèbres ont été jouées dans les églises pour un service, ou dans le cadre d’un concert privé ou d’une célébration dans la maison d’un riche mécène. Au cours du baroque, cependant, les représentations publiques sont devenues plus courantes, en particulier dans les genres de l’opéra et de l’oratorio, et notre tradition de concert moderne a commencé à se fusionner dans de nombreuses villes européennes., Comme Roger North a décrit une performance dans l’une des premières séries de concerts, organisée à Londres dans les années 1670:

la première tentative était faible: un projet de Old Banister, qui était un bon violon, et un compositeur théâtral. Il ouvrit une chambre obscure dans une maison publique en frères blancs; la remplit de tables et de sièges, et fit une boîte latérale avec des rideaux pour la musique. Parfois consort, parfois solos, du violon, flageolet, basse de viole, luth et chanson all’Italiana, et de telles variétés détournaient la compagnie, qui payait à venir., Un shilling par pièce, appelez pour ce que vous voulez, payer le calcul, et bienvenue messieurs.

L’avènement du concert public a fait de la classe moyenne croissante une source importante de revenus pour les musiciens. À la fin du baroque, ce sous-ensemble social était devenu un mécène musical presque aussi puissant que l’église ou la Cour.

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qu’est-ce qui est arrivé après la période baroque?

Au milieu du XVIIIe siècle, l’idée baroque de la musique comme forme de rhétorique était attaquée., La musique avait un pouvoir merveilleusement puissant pour exprimer même les concepts les plus difficiles—mais seulement dans sa forme la plus « naturelle”, que l’ère baroque avait ostensiblement embrouillée. Comme le disait Johann Adolph Scheibe de J. S. Bach en 1737,

ce grand homme ferait l’admiration de nations entières s’il faisait plus d’agrément, s’il n’enlevait pas l’élément naturel de ses pièces en leur donnant un style turgescent et confus, et s’il n’assombrissait pas leur beauté par un excès d’art., Puisqu’il juge selon ses propres doigts, ses pièces sont extrêmement difficiles à jouer; car il exige que les chanteurs et les instrumentistes puissent faire de leur gorge et de leurs instruments tout ce qu’il peut jouer sur le clavier, mais cela est impossible… la Turgidité a conduit du naturel à l’artificiel, et du noble au sombre; et one on admire le travail onéreux et l’effort peu commun—qui, cependant, sont vainement employés, car ils entrent en conflit avec la Nature.,

L’insistance de Scheibe sur la clarté et la facilité d’exécution laisse entrevoir un changement majeur dans l’esthétique musicale: tout au long de sa diatribe, L’arbitre final du goût n’est pas Platon ou Aristote, mais finalement les auditeurs et les interprètes eux-mêmes. Ce nouvel accent mis sur l’expression Mélodique directe et l’architecture musicale claire ouvre la voie à la période classique, à L’époque de Mozart et Haydn.

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l’ère baroque à l’ère moderne

bien que la période baroque ait pris fin il y a plus de 250 ans, des vestiges de l’époque peuvent être entendus partout., Certaines des compositions les plus influentes et les plus appréciées sont régulièrement jouées dans des salles de concert, et une multitude d’enregistrements rendent le baroque disponible à la demande. De nombreux genres musicaux encore en usage aujourd’hui, comme l’oratorio, Le concerto et l’opéra, sont originaires de la période. Des compositeurs du XXe siècle tels que Ralph Vaughn Williams, Igor Stravinsky et Benjamin Britten ont rendu hommage au baroque dans leurs œuvres., Son influence peut même être entendue en dehors du domaine de la musique artistique: la libre circulation entre solo et groupe dans le jazz est parfois comparée à la musique baroque, et des extraits de Bach et Vivaldi apparaissent fréquemment dans les solos des guitaristes de heavy metal. Et l’esprit du baroque-une croyance inébranlable dans le pouvoir de la musique de toucher la vie des gens—a changé l’histoire de la musique pour toujours.

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