Depuis le milieu du 20e siècle, les États-Unis sont le leader du marché de l’art. L’attribution du Lion D’or à L’américain Rauschenberg à la Biennale de Venise en 1964 témoigne du passage de la primauté de L’école de Paris à L’école de New York., Aujourd’hui, en plus de ses musées avec les collections les plus prestigieuses, la « Big Apple” est la ville avec le plus de galeries. En effet, plus de 100 000 artistes y ont installé leurs ateliers, profitant de l’occasion pour tenter leur chance avec plus de 1 500 galeries. Les artistes américains du 20ème siècle ont été les catalyseurs de l’art moderne et contemporain. Artsper présente maintenant 10 des plus célèbres d’entre eux!,
Les Mentors de l’Art Moderne
Edward Hopper (1882-1967): Entre le Réalisme et le Symbolisme de l’American Way of Life
Il était le peintre de l’Amérique urbaine au début du 20e siècle. Donnant à ses représentations de la vie quotidienne une atmosphère mystique, Edward Hopper a réussi à sublimer les sujets les plus anodins.
né à New York, il suit une formation d’illustrateur avant d’étudier dans une école de peinture., Il voyage plusieurs fois en Europe au début des années 1900. là, il s’intéresse davantage aux impressionnistes, comme Monet et Degas, puis aux avant-gardistes cubistes de son temps. Au lieu de représentations abstraites, Hopper a préféré des représentations naturalistes de paysages et de coutumes contemporains. À son retour aux États-Unis, l’artiste a commencé une carrière d’artiste commercial avant de finalement décider de se consacrer entièrement à la peinture.
c’est dans l’entre-deux-guerres qu’il acquiert un certain prestige., Passionné d’architecture, il réalise d’abord des aquarelles de maisons mansardées du 19ème siècle, très appréciées des collectionneurs. À la manière des impressionnistes, ses sujets impliquent les bâtiments peints à différents moments de la journée. Il a favorisé les levers et les couchers de soleil, révélant son attirance pour la représentation des variations de luminosité.
Il a dépeint plus tard l’évolution de la société américaine et est maintenant considéré comme l’un des principaux représentants du Réalisme américain. Une certaine mélancolie émane toujours de ses scènes., Dans son travail Nighthawks, il est incarné par la solitude des personnages, isolés et silencieux. C’est aussi le signe de la nostalgie d’une Amérique révolue, qui s’urbanise autant qu’individualisée
témoin précieux de son temps, il parvient à immortaliser le temps suspendu sur sa toile. La théâtralité de ses compositions, obtenue par un puissant contraste entre ombres et lumière brute, sera une source d’inspiration pour le monde photographique et cinématographique.,
Man Ray (1890-1976): Du Dadaïsme au Surréalisme
Peintre, dessinateur, réalisateur, designer… Cet artiste, dont les œuvres sont disponibles sur Artsper, a été mieux connu comme le photographe des Surréalistes.
Après des études de design industriel, il refuse d’entrer dans une école d’architecture pour se consacrer pleinement à l’art. Installé à New York au début des années 1910, il fréquente la galerie « 291” D’Alfred Stieglitz., Stieglitz l’initie à la technique de la photographie et de nombreux artistes de l’avant-garde Européenne. En 1913, il participe à L’Armory Show. Ce fut la première exposition internationale d’art moderne, réunissant des représentants du fauvisme, du cubisme et du futurisme. Après une première exposition personnelle en 1915, il rejoint le mouvement Dada. Né en réaction à l’absurdité de la Première Guerre mondiale, ce mouvement intellectuel, littéraire et artistique se caractérise par un rejet radical des valeurs politiques, sociales et idéologiques de la société., C’est à cette période qu’il commence à expérimenter la photographie.
en 1921, il quitte L’Amérique pour Paris où il poursuit ses recherches et découvre par hasard une nouvelle technique photographique: la « rayographie”. En exposant une feuille de papier blanc sensible à la lumière, les parties non couvertes par les objets deviennent noircies. Il obtient alors des représentations aux formes spectrales, constituant des paysages oniriques et mystérieux dans lesquels les objets du quotidien sont transcendés. Parallèlement, il s’implique dans le mouvement surréaliste, dans lequel il participe à toutes les expositions à partir de 1925., En 1929, il rencontre Lee Miller, qui devient sa maîtresse et son assistante. Ensemble, ils ont exploité le potentiel esthétique de la solarisation, un procédé photographique consistant à exposer une photographie trop tôt. De cette façon, les zones d’obscurité et de luminosité sont inversées.
Parmi les plus importantes de l’Amérique les artistes dans l’histoire de l’art, il est celui qui a révolutionné l’art de la photographie!,
Norman Rockwell (1894-1978): L’hyperréalisme du conteur américain
connu pour ses illustrations de magazines, les œuvres de Norman Rockwell retracent l’histoire des États-Unis de l’entre-deux-guerres à l’après-guerre.
passionné par le dessin depuis son enfance, il entre à L’American Academy of Design de New York à L’âge de 16 ans., Puis, dans un deuxième temps, il a rejoint l’Art students League, une prestigieuse école des Beaux-Arts. Talentueux, avant même d’atteindre l’âge de la majorité, des magazines pour la jeunesse lui commandent ses premières illustrations.
L’année 1922 marque un tournant dans sa carrière. Il a peint sa première couverture pour le célèbre Journal The Saturday Evening Post. Cela a été suivi par une collaboration de 47 ans au cours de laquelle Rockwell a produit 321 Autres Couvertures. Dans un style réaliste et photographique, il dépeint la vie quotidienne de la classe moyenne américaine, toujours avec gentillesse et parfois avec humour., C’est de cette manière qu’il est lié au mouvement régionaliste américain.
pendant la Seconde Guerre mondiale, ses illustrations confirment sa participation à l’effort de guerre. Inspiré par le discours du Président Roosevelt, il réalise en 1943 une série de quatre tableaux intitulée Les quatre libertés. Le discours de Franklin Roosevelt visait à stimuler le moral des Américains en annonçant un avenir meilleur. Cela serait basé sur les droits de l’homme et quatre libertés: la liberté d’expression, la liberté de culte et la liberté de la peur et du besoin. Le peintre choisit alors de retranscrire ces quatre concepts en scènes de la vie quotidienne., Il veut montrer aux Américains qu’ils ne sont pas seulement des idéaux abstraits.
dans les années qui suivent, le succès de ces quatre images le rendant très populaire, ses commandes déclinent. En effet, les journaux ont commencé à préférer la photographie aux dessins de presse. Néanmoins, jusqu’à la fin de sa vie, il cherchera à utiliser son art pour défendre les causes qui lui tiennent à cœur: les droits civiques, la lutte contre la ségrégation, la pauvreté et la guerre. Il était l’un des artistes américains de son temps à être le plus impliqué politiquement.,
Jackson Pollock (1912-1956): dripping Pioneer
peintre américain de l’Expressionnisme abstrait, particulièrement célèbre pour sa pratique de l’action painting, Jackson Pollock a eu une influence majeure sur les peintres américains contemporains. Sa mort en pleine consécration mondiale a nourri la légende de cet artiste maudit.,
passant son enfance dans un environnement précaire, entre l’absence de son père et l’autorité de sa mère, il devient alcoolique très jeune. À l’âge de 11 ans, sa visite dans une réserve indienne et la découverte de motifs abstraits d’un art dit « primitif” le laisseront profondément marqué. Pour Pollock, l’art est avant tout une œuvre d’art. Il lui permet d’exprimer ses émotions et à se libérer de ses angoisses, de ressentiment et de colère. Dans ses peintures d’action, proches des performances, c’est l’action de la peinture et non la peinture qui est importante.,
vivant une grande partie de sa vie dans le dénuement pendant la Grande Dépression, il bénéficie du Federal Art Project. Mis en place par le gouvernement Roosevelt dans le cadre de la politique du New Deal, ce programme a soutenu les artistes américains par le biais d’importantes commandes publiques. Il rejoint la section « peinture murale » en 1935 mais en est exclu en 1938 pour absentéisme. À cette époque, il a commencé un programme de désintoxication.
en 1943, il participe à la première grande exposition organisée par une célèbre collectionneuse d’art moderne américaine, Peggy Guggenheim., Parmi les membres du jury, Piet Mondrian et Marcel Duchamp lui ont donné un avis favorable, à tel point que le célèbre mécène des arts lui a offert un salaire mensuel et lui a consacré une exposition personnelle. Alors qu’il se fait progressivement un nom dans le monde de l’art, en 1947, il commence à pratiquer le dribble. Il consiste à verser des seaux de peinture directement sur la toile. Par cette nouvelle technique de travail horizontal, il rompt avec les codes traditionnels de la pratique picturale, tout en s’abandonnant à l’Art abstrait le plus total.,
au sommet de son succès, cependant, ses vieux démons le hantaient encore. Noyé dans l’alcool, il est mort dans un accident de voiture, conduisant en état d’ébriété. Vous pouvez retrouver certaines de ses éditions sur le site D’Artsper.,
les grands artistes de la Pop Culture américaine
Andy Warhol (1928-1987): le Père du Pop Art
Il a transformé L’art en un produit de consommation tout en donnant aux objets du quotidien le statut d’œuvres d’art. Andy Warhol est à juste titre considéré comme l’un des fondateurs du Pop art.,
Warhol, dont les créations sont disponibles sur Artsper, vient du milieu ouvrier pauvre de Pittsburgh et est le fils de migrants slovaques. Il a réussi à entrer à l’université pour étudier les Beaux-Arts. Après l’obtention de son diplôme, il s’installe à New York en 1949. Là, il a commencé une carrière d’artiste commercial pour des magazines de mode et a rapidement acquis une réputation importante dans le monde de la publicité.
À la fin des années 1950, il se consacre à la peinture. Il a d’abord été inspiré par les graphiques de bandes dessinées., Mais ce sont ses peintures sur des objets de consommation, à commencer par les boîtes de soupe de Campbell, qui entreront dans l’histoire de l’art. Afin de répondre à une demande presque massive, il commence à utiliser la sérigraphie en 1962. Cette technique d’impression au pochoir lui a permis de produire ses œuvres en quantités industrielles dans une multitude de couleurs saisissantes. Ses portraits de célébrités, comme Marilyn Monroe, sont aujourd’hui présents sur les rails des plus grandes institutions d’art moderne du monde.
plus tard, en 1964, il ouvre son usine, La Mecque de la vie artistique New-yorkaise., C’est à la fois un atelier de production et un studio d’enregistrement pour ses films expérimentaux.
célébré de son vivant et reconnu comme une icône du Pop Art, il devient à la fin de sa vie un mécène des arts à la fin des années 1980. collaborant avec des artistes émergents tels que Jean-Michel Basquiat et Keith Haring, il fait de son nom une marque.,
Keith Haring (1958-1990): activisme à travers le Street Art
connu dans le monde entier pour ses fresques de figures colorées aux contours noirs épais, Keith Haring est également connu comme l’un des artistes américains engagés dans la lutte contre l’homophobie et le sida.
comme Andy Warhol, il est né à Pittsburgh et a commencé à étudier le graphisme publicitaire. Cependant, souhaitant expérimenter librement sa propre recherche artistique, il part pour New York., Là, les graffitis l’ont inspiré. Désireux de sortir l’art de son cadre pour toucher un large public, il commence par dessiner à la craie sur les tableaux publicitaires noirs du métro. Parallèlement, fréquentant le milieu artistique de L’underground New-yorkais, il fait ses premières expositions dans des galeries. Enfin, il est invité à la Biennale de Paris en 1985, alors qu’il est en pleine ascension internationale.,
derrière l’apparition de dessins d’enfants, aux formes synthétiques, dont certains se retrouvent sur le site Artsper, il aborde des thèmes graves tels que le racisme, la violence, la drogue, la destruction de l’environnement… en s’exprimant dans la rue, il cherche à avoir plus de visibilité pour dénoncer les préjugés sociaux. À cette fin, il participe à des programmes d’éducation artistique pour les jeunes et répond à plusieurs commandes publiques. Par exemple, il a exécuté une fresque sur l’un des murs de l’Hôpital Necker en 1987.,
se sachant atteint du SIDA en 1988, il met son art et sa notoriété au service de la cause LGBT et de la lutte contre cette maladie. À cette fin, il a créé la Fondation Keith Haring en 1989. Animé par le désir de transformer le monde, il meurt à seulement 31 ans. Malgré sa courte vie, son héritage, à la fois artistique et sociale, n’en est pas moins considérable.,
Jean-Michel Basquiat (1960-1988): L’Élévation de l’Art Urbain au Rang des Beaux-Arts
Il est l’un des plus célèbres afro-Américaine des artistes dans le monde. En 2017, près de 30 ans après sa mort, une de ses œuvres a été vendue aux enchères pour un prix record de plus de 110 millions d’euros., Cela fait de Jean-Michel Basquiat, dont certains dessins sont visibles sur le site Artsper, l’un des artistes américains les plus chers au monde.
né à Brooklyn d’un père Haïtien et d’une mère hispanique, ce génie précoce du dessin réalise ses premiers graffitis à l’âge de 16 ans. Il commence à signer sous le pseudonyme de SAMO (”Same Old Shit », littéralement”même vieille merde »). Basquiat donne le ton: de tempérament protestant, il refuse de se conformer aux diktats de la société.,
ambitieux de devenir le premier artiste noir internationalement connu, il a réussi à être repéré par son idole, Andy Warhol. Ce dernier le présente aux plus grands galeristes New-Yorkais.
Ses œuvres, d’une grande singularité, effraient autant qu’ils fascinent. En effet, ils sont d’une grande violence. Avec de nombreuses évocations de la mort, ses compositions se caractérisent par l’introduction d’éléments tribaux issus de son héritage culturel. Sa quête identitaire le pousse à dénoncer l’oppression des minorités, représentant un monde chaotique, porteur d’une symbolique puissante., Enfin, enfant de la Pop culture, il mélange différentes techniques dans une même composition: graffiti, Peinture, collages. Il fait fi des traditions picturales et brouille les frontières des Beaux-arts.
Sa mort à la suite d’une surdose de mettre un terme à sa carrière à l’âge de 28 ans. Une carrière certes courte, mais particulièrement prolifique: il a réalisé plus de 800 peintures et 1 500 dessins. Son malaise chronique, perceptible dans les traits agressifs de ses compositions, précipita paradoxalement sa fin autant que son succès.,
L’émergence d’Artistes Contemporains
Jeff Koons (1955): L’Apogée de l’Art Commercial
Tout en étant l’un des plus célèbres artistes Américaines du 21e siècle, Jeff Koons est aussi l’un des plus controversés. Ses œuvres sont dénigrées par certains comme de l’art industriel ou ne sont que contrefaites selon d’autres. Pourtant, ils sont les plus chers du monde et sont exposés dans les principales institutions artistiques du monde., Une histoire à succès!
attiré très jeune par l’art, Jeff Koons ne rencontre pas le succès espéré avec ses premières créations. Contraint de travailler comme courtier financier, il faut attendre les années 1980 pour que ses sculptures monumentales, représentant des biens de consommation de masse tels que ses chiens ballons et ses lapins gonflables, deviennent populaires auprès des collectionneurs. Il crée ensuite, à la manière D’Andy Warhol, un studio à New York avec une trentaine d’assistants. Aujourd’hui, il est plus comme une usine, avec plus de 100 employés. Ainsi, les œuvres estampillées Jeff Koons ne sont plus faites de ses mains.,
en effet, les productions en acier inoxydable de Jeff Koons, disponibles sur Artsper, s’inscrivent dans la lignée du Pop Art, puisant leur inspiration dans l’imaginaire populaire. Il les détourne en leur donnant un caractère industriel, révélant certaines affinités avec le ready-made de Marcel Duchamp. Toutefois, si Andy Warhol a introduit l’art dans l’ère industrielle, l’homme des finances a introduit dans l’ère de la mondialisation. Ses icônes kitsch sont visibles partout dans le monde… et ce n’est pas sans provoquer quelques scandales!,
en 2008, il expose une dizaine de ses sculptures au Château de Versailles, où se tient un événement au nom de la défense de la « pureté artistique française ». Plus récemment, c’est son Bouquet de tulipes qui a suscité beaucoup de controverse. En effet, l’hommage aux victimes des attentats de Paris de 2015 et 2016 a été critiqué comme contribuant à la laideur de l’espace public.
En outre, l’artiste a été inculpé dans plusieurs affaires de plagiat, de réappropriation de sujets de photographies ou de publicités existantes., Il n’en reste pas moins que le règne de Jeff Koons semble avoir un bel avenir devant lui! En mai 2019, atteignant le prix de 91,1 millions d’euros, la vente aux enchères de son œuvre Rabbit a fait de lui l’artiste vivant le plus cher du monde.,
JonOne (1963): la consécration du Graffiti dans le 11e Art
considéré comme L’un des artistes américains les plus importants de l’Expressionnisme abstrait dans le monde du graffiti, JonOne, à découvrir sur le site Artsper, est autant un descendant de Jackson Pollock que de Jean-Michel Basquiat. Nul doute que la relève des artistes américains est assurée!,
né à New York, dans le quartier ouvrier de Harlem, et D’origine afro-américaine, comme Jean-Michel Basquiat, young John joue aussi du hooky. Adolescent, il parcourt les lignes de métro de New York où il fait ses premiers tags. Selon lui, « le métro est un musée qui traverse la ville”, considérant le graffiti comme une forme d’art à part entière.
sa rencontre avec le graffeur Français Bando sera déterminante pour la suite de sa carrière. Ce dernier le convainc de le rejoindre à Paris., Là, abandonnant l’asphalte sans abandonner ses bombes de peinture, il s’installe dans les années 1990 dans un atelier de l’Hôpital éphémère. Il y produit ses premières peintures. Il est rapidement repéré et exposé dans les plus importantes galeries d’art contemporain françaises.
JonOne parvient à toucher le public avec la sensibilité et la poésie émanant de ses peintures. Laissant libre cours à son imagination, elles lui permettent, selon ses mots, de s’ouvrir à lui-même. L’évacuation de toute référence figurative, il se laisse emporter par le mouvement, les couleurs, et l’énergie des villes., Dès lors, seule l’impulsion de ses émotions guide ses gestes. Des stries de couleurs vives et spontanées n’en émergent que.
Au carrefour de l’abstraction lyrique et de l’art urbain, de l’art moderne et de l’art contemporain, JonOne parvient à profiter de son héritage artistique américain pour nous offrir son renouveau. L’hégémonie des artistes Américains dans l’histoire de l’art est loin de parvenir à une fin!,
Shepard Fairey (1970): L’Engagement Politique des arts de la Rue
Il est célèbre pour la conception de Barack Obama à l’affiche de la campagne pour l’élection présidentielle de 2008. Démontrant que le street art a sa place en politique, le Boston Institute of Contemporary Art l’a reconnu comme l’artiste de street art le plus influent.,
concevant des T-shirts et des planches à roulettes à l’adolescence, Shepard Fairey, représenté sur Artsper, est entré à la Rhode Island School of Design en 1989. Avec un groupe d’étudiants, il crée des autocollants et des affiches représentant le lutteur français André Le Géant. Le visuel est devenu viral et s’est répandu dans le monde entier. En 1998, associant l’image au mot « Obey” (signifiant « obéir”), il fait de cette parodie de propagande sa signature.
Mais c’est plus grâce à son Espoir d’affiches qu’il a acquis une notoriété internationale., Soutenant la candidature du futur président Barack Obama, il a créé une série d’affiches. Le plus célèbre est un portrait du politicien aux couleurs de l’Amérique. Emblème de la campagne présidentielle D’Obama, il représente un candidat résolument tourné vers l’avenir. Répandu dans le monde entier, il a fait la Une du magazine Time. La National Portrait Gallery de Washington a finalement acheté l’original.
Depuis, il a eu une série d’expositions tout en poursuivant ses activités d’artiste de rue., Il a notamment réalisé plusieurs fresques sur les murs d’immeubles du 13e arrondissement de Paris en 2012 et 2016. L’une d’elles représente une Marianne entourée de la devise nationale « Liberté, Égalité, Fraternité”. Il a été créé suite aux attentats du 13 novembre 2015. Ainsi, elle témoigne de son engagement perpétuel pour la défense de grandes causes, telles que la démocratie et les libertés. 8 ans après s’être investi dans la campagne électorale, Shepard Fairey réitère. Utilisant les mêmes codes graphiques, il a changé le slogan en « Nope » pour s’opposer à L’élection de Donald Trump., Célébrant ses 30 ans de carrière au Grenoble Street Art Fest en 2019, Shepard Fairey semble s’être définitivement imposé dans le paysage artistique (et urbain) international!
ainsi, ce panorama des artistes américains modernes et contemporains révèle le rôle crucial des États-Unis en tant que berceau de la création artistique. Depuis le début du 20e siècle, c’est sur son sol que les artistes majeurs de l’histoire de l’art sont nés. Sans lien avec la tradition picturale Européenne, ils ont su proposer de nouvelles solutions plastiques., D’abord teinté de nationalisme, l’art américain est devenu plus populaire et universel au milieu du 20ème siècle. Le résultat a été son assimilation à travers le monde et la consécration des États-Unis en tant que première puissance artistique.