mikä on ”barokki”, ja milloin oli Barokkikausi?
peräisin portugalin barroco, tai ”omituisen muotoinen helmi,” termi ”barokki” on laajalti käytetty, koska yhdeksästoista luvulla kuvaamaan ajan Länsi-Euroopan taidetta, musiikkia noin 1600 1750. Vertaamalla joitakin musiikin historian suurimpia mestariteoksia on epämuodostunut helmi saattaa tuntua oudolta meille tänään, mutta yhdeksästoista luvulla kriitikot, jotka sovellettu termi, musiikkia Bachin ja Händelin aikakauden kuulosti liian koristeltu ja liioiteltu., Ottaa kauan sitten karistanut halventavia konnotaatioita, ”barokki” on nyt yksinkertaisesti kätevä kiinni-kaikki yhden rikkain ja monipuolisin aikoja musiikin historiassa.
lisäksi tuottaa mahdollisimman Euroopan musiikki tuttu useimmille meistä, mukaan lukien Pachelbel n Canon ja Vivaldin Neljä Vuodenaikaa, Barokin aikakausi myös huomattavasti laajentunut näköaloja. Kopernikuksen 1500-luvun teorian hyväksyminen, jonka mukaan planeetat eivät pyörineet maapallon ympärillä, teki maailmankaikkeudesta paljon suuremman paikan, kun taas Galilein työ auttoi meitä tutustumaan paremmin kosmokseen., Teknologian kehitys, kuten kaukoputken keksiminen, sai sen, minkä uskottiin olevan äärellistä, näyttämään äärettömältä. Suuret ajattelijat, kuten Descartes, Hobbes, Spinoza, ja Locke käsitellä suuria kysymyksiä olemassaolon. Rubensin, Rembrandtin ja Shakespearen kaltaiset nerot tarjosivat ainutlaatuisia näkökulmia taiteensa kautta. Euroopan kansakuntien kasvoi enemmän ja enemmän mukana ulkomaankauppa-ja kolonisaatio, tuo meidät suoraan yhteyttä puolilla maailmaa, jotka olivat aiemmin tuntemattomia., Ja uuden keskiluokan kasvu henkäisi elämää taiteelliseen kulttuuriin, joka oli pitkään riippuvainen kirkon ja hovin päähänpistoista.
takaisin huipulle
ketkä olivat Barokkisäveltäjiä, ja mistä he olivat kotoisin?
Monet tunnettu persoonallisuuksia alkaen ensimmäinen osa Barokin ajan kotoisin Italia, kuten Monteverdi, Corelli ja Vivaldi. (Puolivälissä kahdeksastoista-luvulla, meidän painopiste siirtyy saksan säveltäjät Bach ja Händel.) Monet muodot tunnistetaan Barokki-musiikki syntyi Italiassa, mukaan lukien kantaatti, konsertto, sonaatti, oratorio, ja opera., Vaikka Italialla oli tärkeä rooli näiden lajityyppien kehityksessä, uudet käsitykset siitä, mitä se tarkoitti kansakunnaksi, lisäsivät ”kansallisen tyylin välttämättömyyttä.”Erot kansakuntien välillä ovat usein kuultavissa musiikkia ajalta, ei vain tapa musiikin on säveltänyt, mutta myös yleissopimukset suorituskyky; erityisen selvää oli sitä vastoin Italian ja Ranskan välillä. Vaikka jotkin maat saattavat nykyään vaatia suurempaa osaa Barokkimusiikistamme, jokaisella kansakunnalla oli kuitenkin oma roolinsa., Kuten muusikot ja säveltäjät matkusti ympäri Eurooppaa ja kuulivat toistensa musiikkia, uusia yleissopimuksia he kohtasivat tehty hienovarainen vaikutelmia niitä. Joitakin tunnetuimpia säveltäjiä ajalta ovat seuraavat:
Italia: Monteverdi, Frescobaldi, Corelli, Vivaldi, Domenico ja Alessandro Scarlatti
Ranska: Couperin, Lully, Charpentier ja Rameau
Saksa: Praetorius, Schein, Scheidt, Schutz, Telemann, Händel ja Bach
Englannissa: Purcell
Takaisin Alkuun
Mitä on filosofia Barokin musiikkia?,
Vaikka yhden filosofia ei voi kuvata 150 vuotta musiikkia eri puolilta Eurooppaa, useita käsitteitä ovat tärkeitä Barokin ajan.
usko musiikkiin voimakkaana kommunikaation välineenä
Yksi barokkimusiikin suurimmista filosofisista virtauksista tulee renessanssin kiinnostuksesta antiikin Kreikan ja Rooman ideoihin. Kreikkalaiset ja Roomalaiset uskoivat, että musiikki oli voimakas viestintäväline ja saattoi herättää kuulijoissaan mitä tahansa tunteita., Seurauksena elpyminen näitä ideoita, säveltäjien tuli yhä enemmän tietoisia musiikki on potentiaalista valtaa, ja viljelty uskomus, että omia sävellyksiä voisi olla samanlaisia vaikutuksia, jos ne oikein, emuloi vanha musiikki.,ance myöhään kuudestoista luvulla,
minulla on ofttimes kuullut, se sanoi Sieur Claudin Le Jeune (joka on, haluamatta vähätellä ketään, kaukana ylitti muusikot menneiden aikojen hän ymmärtää näitä asioita), että hän oli laulanut ilma (jonka hän oli säveltänyt osat)…ja että kun tämä ilma oli harjoiteltu klo yksityinen konsertti se aiheutti herrasmies siellä laittaa käden aseisiin ja alkaa kiroilua ääneen, niin että se tuntui mahdotonta estää häntä hyökkäämästä joku: jolloin Claudin alkoi laulaa toinen ilmaa…joka teki herrasmies yhtä rauhallinen kuin ennen., Tämän ovat vahvistaneet minulle sittemmin useat paikalla olleet. Sellainen on melodian, rytmin ja harmonian voima mielen yllä.
Vuonna 1605, Italian säveltäjä Claudio Monteverdi itse määritelty ”ensimmäinen” ja ”toinen” käytäntö: ensimmäinen, harmonia ja kontrapunkti oli etusijalla teksti; toisessa, täytyy ilmaista sanojen ylitti kaikki muut huolta. Barokissa toisen käytännön henki—musiikin voiman käyttäminen viestintään—tuli hallitsemaan aikakautta.,
realiteetit asiakassuhde
Kaikki keskustelut Barokki säveltäjä, taiteellinen filosofiaa pitäisi olla karkaistu, ainakin hieman, todellisuus heidän elämäänsä. Nykyaikana taiteilijat ansaitsevat usein elantonsa tuottaen juuri sellaista taidetta, jota he haluavat luoda. Näin ollen ajattelemme usein taiteilijaa-ja hänen taiteellisen inspiraationsa astetta-taideteoksen lähtökohdaksi. Koko barokin ajan säveltäjät ansaitsivat kuitenkin elantonsa vain, jos he olivat onnekkaita ollakseen poliittisen tai uskonnollisen instituution palkkalistoilla., Tämän instituution musiikilliset tarpeet sanelivat siis säveltäjän tuottaman musiikin. Bach sävelsi useita kantaatteja hän teki, esimerkiksi, ei välttämättä, koska hän löysi muodossa inspiroiva, mutta koska liturginen vaatimuksiin Leipzig kirkko, joka työllisti häntä. Tässä valossa Barokkimusiikki voi tarjota kiehtovan näyteikkunan historiaan.
takaisin huipulle
mitkä ovat barokkimusiikin ominaisuudet?
uusi kiinnostus musiikin dramaattisiin ja retorisiin mahdollisuuksiin synnytti barokkikaudella runsaasti uusia ääni-ihanteita.,
Kontrasti dramaattisena elementtinä
kontrasti on tärkeä osa Barokkisävellyksen draamaa. Erot kovaa ja pehmeää, soolo-ja ensemble (kuten concerto), eri välineitä ja sointivärit kaikki tärkeä rooli monissa Barokin sävellyksiä. Säveltäjät alkoivat myös olla tarkempia siitä, instrumentointi, usein määritellään välineet, joihin pala pitäisi pelata sen sijaan, että esiintyjä valita. Myös loistavat soittimet kuten trumpetti ja viulu kasvattivat suosiotaan.,
Monody ja kynnyksellä basso continuo
aiemmissa musiikin aikakausilta, pala musiikkia yleensä koostuvat yhdestä melodia, ehkä improvisoitu säestys, tai useita melodioita pelataan samanaikaisesti. Vasta Barokkikaudella ”melodian” ja ”harmonian” käsite alkoi toden teolla muotoutua. Osana pyrkimystä jäljitellä antiikin musiikki, säveltäjät alkoivat keskittyen vähemmän monimutkainen polyfonia, joka hallitsi viidestoista ja kuudestoista luvuilla, ja enemmän yhdellä äänellä yksinkertaistettu säestyksellä, tai monody., Jos musiikki oli retoriikan muoto, kuten kreikkalaisten ja roomalaisten kirjoitukset osoittavat, tarvitaan voimakas oraattori-ja kuka olisi tehtävään parempi kuin laulusolisti? Uuden fuusion ilmaus tunne ja solo singer tule läpi kovaa ja selkeä Monteverdi on esipuhe Combattimento di Tancredi e Clorinda hänen Kahdeksas Kirja Madrigaaleja (1638), jossa hän kirjoittaa: ”Se on näyttänyt minulle, että päällikkö intohimoja tai tunteet mielemme ovat kolme numeroa, nimittäin viha, tyyneyttä ja nöyryyttä., Paras filosofit yhtä mieltä, ja luonteeltaan meidän ääni, sen korkea, matala ja lähi-alueet, merkitsisi niin paljon.”Varhaisimmat oopperat ovat erinomainen esimerkki tästä uudesta estetiikasta.
Yhdessä painotetaan yksittäinen melodia ja basso tuli käytäntö basso continuo, menetelmä, nuotinnuksen, jossa melodia-ja bassolinja on kirjoitettu ja harmoninen täyteainetta ilmaisin tyyppi pika., Kuten italialainen muusikko Agostino Agazzari selitti vuonna 1607:
Koska todellinen tyyli ilmaista sanat on vihdoin löytynyt, nimittäin, jäljentävät niiden mielessä parhaalla mahdollisella tavalla, joka onnistuu parhaiten yhdellä äänellä (tai enintään muutama), kuten moderni asioiden eri kykeneviä miehiä, ja koska ei jatkuva käytäntö Roomassa yhteisesti musiikki, En sano, että se ei ole tarpeen tehdä pisteet… Basso, sen merkkejä harmonioita, on tarpeeksi., Mutta jos joku olisi kertonut minulle, että, pelaamiseen vanhoja teoksia, täynnä fuuga ja vastakohtia, Bassoa ei ole tarpeeksi, minun vastaukseni on, että laulu toimii tällaista eivät ole enää käytössä.
Koska basso continuo, tai perusteellinen basso, pysyi normaali käytäntö loppuun asti Barokin ajan, aikakausi on joskus tunnettu nimellä ”ikä perusteellinen basso.”
erilaiset instrumentaaliäänet
kun barokkimusiikki on vuosikymmenten ajan jäänyt huomiotta, siitä on tullut yhä suositumpaa viimeisten viidenkymmenen vuoden aikana., Osana tätä uutta kiinnostusta, tutkijat ja muusikot ovat viettäneet lukemattomia tunteja yrittää selvittää, miten musiikkia voisi on kuulosti 17. ja 18-luvulla yleisöille. Vaikka emme koskaan voi luoda suorituskykyä juuri heidän työnsä on paljastui useita merkittäviä eroja Barokki ja moderni yhdistelmäasut:
pitch: Vuonna 1939, moderni orkesterit sopivat virittää’=440hz (huom ankara 440 sykliä sekunnissa), joka korvasi aiemmin pienempi piki (a=435hz) hyväksyi vuonna 1859. Ennen vuotta 1859 ei kuitenkaan ollut pitch standardia., Huomaa, joihin Barokin yhtyeitä viritetty, siis vaihteli suuresti eri aikoina ja eri paikoissa. Seurauksena, musiikki notated pisteet voisi on kuulosti niin paljon kuin puoli sävy alempi kuin miten se perinteisesti tehdään tänään. Vaivaa, jotta tämä ero, monet barokki yhtyeitä säätää niiden viritys ohjelmisto suoritetaan: a’= 415hz myöhään barokin musiikki, a’=392hz ranskan musiikkia, a’=440hz varhaista italialaista musiikkia ja a’=430hz klassisen ohjelmistoon.,
sointi: Vaikka suurin osa välineistä barokki ensemble on tuttu, on olemassa useita merkkihenkilöitä enää esillä nyky-yhtyeitä. Cembalo oli tärkein näppäimistö väline (ja tärkeä jäsen continuo-ryhmä), ja välineet tärkeää vuonna 16. ja 17-luvuilla, kuten luuttu ja viol, yhä edelleen käytössä. Edelleen suosiossa olevien soittimien vaihtelut antoivat barokkiyhtyeelle myös erilaisen soinnin., Kielisoittimet, kuten viulu, alttoviulu ja sello käytetään gut jouset sijaan jouset kääritty metalli, jonka kanssa he ovat koukussa tänään, esimerkiksi, antaa heille täyteläisen, makeampi sävy.
suorituskyky tekniikka: barokki pisteet sisältää vähän (jos mitään) tietoa elementtejä, kuten artikulaatio, koristeita tai dynamiikkaa, ja niin on moderni yhdistelmäasut täytyy tehdä omia perusteltuja valintoja ennen jokaista suorituskykyä., Mekaanisia eroja barokki ja moderni välineet viittaavat myös siihen, että vanhemmat välineitä olisi voinut muotoilla eri tavalla, joten yhtyeitä, kuten Musiikkia Barokin usein säätää niiden tekniikka mahdollistaa tämän. Koska barokki ja moderni jouset ovat rakenteellisesti erilaisia, esimerkiksi, merkkijono pelaajat käyttämällä nykyaikaisia jouset käyttävät usein pehmeämpi hyökkäys merkkijono ja crescendo ja diminuendos pidempään toteaa., 17. ja 18. vuosisadan suorituskyky tutkielmia myös sitä, että sormi vibrato (tekniikka, jossa merkkijono pelaaja kiviä hänen tai hänen sormenpäänsä string rikastuttaa sävy) käytettiin säästeliäästi ilmeikäs hetkiä, kun keula vibrato (aaltoilevaa liikettä keula) oli yleisesti parempana.
takaisin huipulle
mitkä musiikilliset muodot tulivat määrittelemään barokin aikakautta?
Kun lomakkeet aiempien aikakausien edelleen käyttää, kuten motetti tai erityisesti tansseja, kiinnostus musiikin muodossa retoriikka herätti kehittämiseen uusia lajityyppejä, erityisesti laulumusiikin., Monet barokin aikakauteen liittyvät muodot tulevat suoraan tästä uudesta dramaattisesta impulssista, erityisesti oopperasta, oratoriosta ja kantaatista. Valtakunnassa instrumentaalimusiikkia, käsite kontrasti ja halu luoda laajamittaiseen synnytti konsertto, sonaatti ja suite.
laulumusiikki
Ooppera: pääasiassa laulettu, säestetty ja lavalla esitetty draama. Oopperat tyypillisesti vuorotellen resitatiivi, puhe -, kuten laulu, joka edistää juonta, ja aarioita, lauluja, jossa hahmot ilmaista tunteita erityisesti kohtia toimintaa., Usein mukana on myös kuoroja ja tansseja. Kynnyksellä genre vaihteessa seitsemästoista luvulla liittyy usein toiminnan joukko runoilijoita, muusikoita ja tutkijat Firenze tunnetaan nykyään Firenzen Camerata. Ensimmäinen säilynyt ooppera oli Jacopo Peri on Dafne, joka perustuu libretto Ottavio Rinuccini ja suorittaa Firenzessä vuonna 1598; aikaisintaan opera vielä suoritettu tänään on Claudio Monteverdi on Orfeo (1607)., Aiheet ensimmäiset oopperat ovat kaikki otettu kreikan myytti, mikä genre on lähellä liittoutumia kanssa, yrittää luoda musiikki ja draama antiikin kulttuureista, ja tehtiin yksinomaan vuonna aristokraattinen piireissä kutsuvieraille.
kun ensimmäiset julkiset oopperatalot avattiin Venetsiassa vuonna 1637, lajityyppiä muutettiin yleisön mieltymysten mukaiseksi. Soololaulajat saivat eräänlaisen julkkisstatuksen, minkä seurauksena aria sai enemmän painoarvoa. Resitatiivin merkitys väheni, ja kertosäkeet ja tanssit katosivat käytännössä italialaisesta oopperasta., Myös toistuvien oopperatuotantojen lavastuksen taloudelliset realiteetit vaikuttivat. Upeat vaiheessa vaikutuksia, jotka liittyvät opera hovissa olivat suuresti vähätelty, ja librettos rakennettiin hyödyntää varastossa luonnonkaunis laitteita. Alussa 18th century (erityisesti Napolissa), kaksi subgenres opera tuli ilmi: opera seria, jossa painopiste oli vakava aihe ja da capo aria ja opera buffa, joka oli kevyempi, jopa koominen sävy, ja joskus käytetään duettoja, trioja ja suurempi yhtyeitä. Italialainen oopperaperinne hallitsi vähitellen useimpia Euroopan maita., Vuonna myöhään 17th century Ranskan, Italian-syntynyt Jean-Baptiste Lully ja libreton Philippe Quinault luonut ainutlaatuisen ranskan versio opera tunnetaan tragédie-lyrique.
Oratorio: laajennettu musiikillinen draama, jossa on teksti perustuu uskonnollinen aihe, joka on tarkoitettu suorituskykyä ilman maisemia, puku tai toimintaa. Oratorio tarkoitti alun perin rukoussalia, kirkon vieressä sijaitsevaa rakennusta, joka suunniteltiin liturgiasta erilliseksi uskonnollisten kokemusten paikaksi., Vaikka on olemassa myöhään kuudennentoista vuosisadan ennakkotapauksia oratorio vuonna motetti ja madrigal ohjelmistoon, oratorio erillisenä musiikkilajin syntyi keskellä erinomainen akustiikka nämä tilat 1600-luvun alussa. Puolivälissä 17th century, oratorioita suoritettiin palatsit ja julkiset teatterit ja oli yhä samanlainen oopperoita, vaikka aihe, jako kahteen osaan (pikemminkin kuin kolme säädökset) ja ilman lavastettu toimia edelleen asettaa sen erilleen., Jotkut säveltäjät liittyvät genre Italiassa ovat Giocomo Carissimi, Alessandro Scarlatti ja Antonio Vivaldi. Oratorion suosio kasvoi myös muualla Euroopassa. Protestanttisessa Saksassa luterilaisessa kirkossa käyttöön sävelletty dramaattinen musiikki sulautui vähitellen oratorion aineksiin, erityisesti ei-raamatullisten tekstien sisällyttämiseen. Oratorio-passio huipentui nimensä mukaisesti J. S. Bachin suuriin teoksiin., Muita tunnettuja esimerkkejä muualla kuin Italiassa ovat englanti oratorioita George Friedrich Händel, joka popularisoi genren Lontoossa seurauksena englanti inhoa italialaisen oopperan. Messiaan, Israelin Egyptissä ja Juudas Makkabeuksen kaltaiset teokset ovat yleisön suosikkeja tähän päivään asti.
Kantaatti: laajennettu pala, joka koostuu peräkkäin resitatiivien ja erikoistilanteita, kuten aarioita, duettoja ja kertosäkeitä., Peräisin alussa 17th century Italia, kantaatti alkoi maallinen työ sävelletty sooloäänelle ja basso continuolle, todennäköisesti tarkoitettu suorituskyvyn yksityisiin illanviettoihin. Monet näistä teoksista julkaistiin, viittaa siihen, että he olivat suoritettu ammatillinen muusikot ja harrastajille. Lähi-luvulla kantaatteja julkaistiin harvemmin, mikä viittaa siihen, että esitykset olivat yhä useammin tehneet ammattilaiset. Loppuun mennessä 17-luvulla, kantaatteja alkoi sisällyttää aria da capo ja usein oli orkesterin lisukkeita., Suurten säveltäjien Italian kantaatti genre kuuluu Luigi Rossi, Antonio Cesti, Alessandro Stradella, ja ensimmäisellä puoliskolla 18. luvulla Alessandro Scarlatti, Handel, Benedetto Marcello ja Johann Adolf Hasse. Ulkopuolella Italiassa, laajentaa genren Luterilaisen motetti alkoi sisältää monia elementtejä Italian kantaatti, varsinkin tekniikoita dramaattinen ilmaus, kuten resitatiivi ja aria. Bachin monissa kantaateissa näkyy italialaisten virkaveljiensä laaja vaikutus.,
Instrumentaalimusiikkia
Sonata: Käytetään kuvaamaan useita erilaisia kappaletta barokin ajan, termi sonata yleisimmin nimetty työskennellä useita liikkeitä yhden tai useampia välineitä (useimmin viulut) ja bassocontinuo; sonaatti kahdelle viululle tai muita diskantti välineitä plus basso oli yleensä soittanut trio sonata., Vuoteen 1650-luvulla, sonaatit olivat usein luokiteltu joko sonata da chiesa, (”kirkon sonaatteja”), yleensä koostuu neljästä liikkeet vuorotellen hidas ja nopea tempo ja suorittaa kirkossa, tai sonata da camera (”chamber sonata”), joka koostui sarjan tansseja sukua suite. Esimerkkejä molemmista löytyy 1600-luvun lopun Corellin teoksista. 18-luvulla, Telemann, Bach andHandel kirjoitti lukuisia sonaatteja mallina corellin sonata da chiesa., Nousu etualalle solo sonatas for kosketinsoittimet alkaa myöhään barokin ajan, mukaan lukien ne, urut (Bach) ja cembalo (Handel, Domenico Scarlatti). Muita tunnettuja esimerkkejä soolosonaateista ovat Bachin teokset ilman huoltajaa kulkevalle viululle ja sellolle.
Concerto: Johdettu Italian concertare (liittyä yhteen, yhdistyä), concerto kesti useita muotoja barokin aikana. Vasta alussa 18th century, konsertto oli yksinkertaisesti koostumus, joka yhdistynyt monipuolinen kokonaisuus, joka koostuu ääniä, välineitä tai molemmat., Pyhä toimii äänet ja instrumentit olivat usein kutsutaan konserttoja, kun taas samanlainen maallinen teokset olivat yleisesti kutsutaan arie (olevinaan), kantaatteja tai musiche. Vaikka suuret sacred konserttoja löytyy teoksia Claudio Monteverdi, intiimimpi sävellyksiä yksi neljä ääniä, continuo ja muita solo välineitä olivat paljon yleisempiä. Saksassa, ihania esimerkkejä pyhä concerto löytyy teoksia Johann Hermann Schein, Michael Praetorius, Samuel Scheidt ja Heinrich Schütz (erityisesti hänen Kleine geistliche Concerte, tai ”Pieni Sacred Konserttoja,” ja 1636-39).,
Myöhemmin seitsemästoista luvulla, concerto alkoi olettaa sen moderni määritelmä: multimovement työskennellä instrumentaali solisti (tai ryhmä solistit) ja orkesteri. Kun sen mallia canzonas ja sonaatit myöhään kuudestoista ja seitsemästoista vuosisatojen, joka käyttää erottuva laiteryhmiä suuri vaikutus, concerto grosso varajäsenet pieni ryhmä solisteja, jossa on suurempi kokonaisuus. Teoksia Corelli, erityisesti hänen Op. 6 keräämistä, antaa ehkä tunnetuin esimerkkejä myöhään 17th century concerto grosso., Kun corellin teoksia olivat emulated 18-luvulla, erityisesti Händelin Op. 6 kokoelma, monet 18th century esimerkkejä concerto grosso ssa kasvava vaikutusvalta soolo konserton (esimerkiksi Brandenburgin Konserttoja J. S. Bach).
kaikkein hallitseva tyyppi concerto in 18-luvulla oli soolo konsertti, joka sisälsi yhden välineen toisin kokonaisuus., Kaikkein tuottelias säveltäjä soolo konsertti oli Antonio Vivaldi, joka kirjoitti noin 350 ja perusti concerto standard-kolmen liikkeen muodossa (kaksi nopeaa ulompi liikkeitä, yksi lähi-liikkeen hitaampi tempo). Vaikka useimmat soolo konserton kirjoitettu viulu, trumpetti konsertot olivat myös suosittuja, ja konsertot olivat myös sävelletty sello, oboe, huilu ja fagotti. 1730, Handel kirjoitti 16 urut konserttoja, ja Bach on myös säveltänyt useita konserttoja cembalo samoihin aikoihin (useimmat näistä ovat järjestelyt lihaan tuloaan toimii).,
Suite: Perustuu perinteiseen pariksi tansseja Renessanssin, suite oli ensimmäinen multi-liikkeen työn välineitä. Sviitti oli pohjimmiltaan sarja tansseja samassa avaimessa, suurin osa tai kaikki kaksiosaisia. Noin puolivälissä 17-luvulla Saksassa sekvenssi antaa ohjeita, courante, sarabande ja gigue tuli suhteellisen vakio, vaikka muut tanssi liikkeitä, kuten tiedostojen allemandes tai courantes,bourreés, gavottes ja menuetti, olivat usein liitetään. Useimmat Sviitit alkoivat myös johdantoliikkeellä, kuten preludilla, ouverturella tai fantasialla., Monille barokkisäveltäjille erilaiset tanssit ilmentivät tiettyjä hahmoja. Hänen Der volkommene Capellmeister (Täydellinen musiikillinen Johtaja), 1739, saksalainen teoreetikko Johann Mattheson antoi listan jokainen tanssi on merkki: menuetti oli ”kohtalainen hilpeyttä,” gavotte ”riemukas ilo” bourreé ”contentedness, että” courante ”toivoa,” sarabande ”kunnianhimo” ja gigue voi merkitä monia tunteita aina vihasta flightiness., Barokki suites pisteytettiin solo välineitä sekä orkesteri; ne kirjoitettu yksi tai kaksi melodian välineitä ja continuo ovat joskus nimeltään sonata da camera. Ranskan suites näppäimistö ovat joskus kutsutaan ordres (kuten toimii François Couperin, jotka liitetään monia ei-tanssin liikkeitä, kuten mielikuvia merkki luonnoksia tuomioistuimen henkilöstöä.
takaisin huipulle
millaista oli osallistua barokin ajan konserttiin?
nykyaikana Konserttiin meneminen on tapahtuma., Kuulemme ilmoituksen radiosta tai näemme listauksen lehdestä, ostamme lippuja, menemme konserttisaliin ja istumme hiljaa, kunnes on aika taputtaa. Barokkiaikana tällainen yleisökonsertti oli harvinainen. Monet kaikkein kuuluisa barokin sävellyksiä tehtiin kirkoissa palvelu, tai osana oma konsertti tai juhla kotona varakas suojelija. Aikana barokki, kuitenkin, julkisia esityksiä tuli yleisempää, erityisesti lajityyppien ooppera-ja oratorio, ja meidän moderni konsertti perinne alkoi hajoamaan monissa Euroopan kaupungeissa., Kuten Roger North kuvattu suorituskykyä yksi varhaisimmista konserttisarja järjestettiin Lontoossa vuonna 1670:
ensimmäinen yritys oli alhainen: hanke vanha Kaide, joka oli hyvä viulu, ja teatteri säveltäjä. Hän avasi hämärä huone public house White friars; täynnä pöydät ja istuimet, ja teki puolella laatikko verhot musiikkia. Joskus puoliso, joskus soolot, viulu, flageolet, basso gamba, luuttu ja laulu kaikki’Italiana, ja tällaisia lajikkeita ohjata yritys, joka maksetaan tulossa., Yksi perinnöttömäksi pala, soita mitä haluat, maksaa tilinteon, ja Tervetuloa jäsenet.
julkisen konsertin tulo teki kasvavasta keskiluokasta merkittävän tulonlähteen muusikoille. Barokin loppuvaiheessa tästä yhteiskunnallisesta osajoukosta oli tullut musiikillinen mesenaatti lähes yhtä voimakas kuin kirkosta tai hovista.
takaisin huipulle
mitä barokkikauden jälkeen tuli?
kahdeksastoista-luvun puoliväliin mennessä barokkiajatus musiikista retoriikan muotona oli hyökkäyksen kohteena., Musiikilla oli hämmästyttävän voimakas voima ilmaista vaikeitakin käsitteitä – mutta vain” luonnollisimmassa ” muodossaan, jota barokin aikakausi oli näennäisesti sotkenut. Kuten Johann Adolph Scheibe sanoi J. S. Bach vuonna 1737,
Tämä suuri mies olisi ihailua koko kansakuntien jos hän teki enemmän viihtyisyyden, jos hän ei ota pois luonnollinen osa hänen kappaletta antamalla heille pitkäveteistä ja sekava tyyli, ja jos hän ei tummentaa niiden kauneutta liikaa taidetta., Koska hän tuomitsee mukaan hänen sormensa, hänen palaset ovat erittäin vaikea pelata, sillä hän vaatii, että laulajat ja instrumentalisteja, olisi voitava tehdä heidän kurkkunsa ja välineitä, mitä hän voi pelata clavier, mutta tämä on mahdotonta… nestejännityksen vähenemistä on johtanut luonnon keinotekoinen, ja ylevä, että synkkä, ja yksi ihailee raskas työ ja harvinaista työtä—joka kuitenkin on turhaan työssä, koska ne ovat ristiriidassa Luonnon kanssa.,
Scheibe: n vaatimuksesta, selkeys ja helppous suorituskykyä vihjeitä merkittävä muutos musiikillinen estetiikka: koko hänen saarnan, lopullinen makutuomari ei ole Platon tai Aristoteles, mutta lopulta kuuntelijat ja esiintyjät itse. Tämä suoranaisen melodisen ilmaisun ja selkeän musiikillisen arkkitehtuurin Uusi korostaminen osoittaa tietä klassiselle kaudelle, Mozartin ja Haydnin aikakaudelle.
Takaisin Alkuun
barokin aikakaudella nykyaikana
Vaikka barokin aikana päättyi yli 250 vuotta sitten, jäänteitä aikakauden voidaan kuulla kaikkialla., Joitakin kaikkein vaikutusvaltaisin ja rakastettu sävellyksiä on säännöllisesti esiintynyt konserttisaleissa, ja runsaasti tallenteet tehdä barokki saatavilla pyynnöstä. Monet vielä nykyäänkin käytössä olevista musiikkigenreistä, kuten oratorio, konsertto ja ooppera, ovat peräisin aikakaudelta. Vuosisadan säveltäjien, kuten Ralph Vaughn Williams, Igor Stravinsky ja Benjamin Britten maksetaan kunnianosoitus barokki teoksissaan., Sen vaikutus voi olla jopa kuullut maailman ulkopuolella, taide musiikki: vapaa liikkuvuus välillä yksin ja ryhmän jazz on joskus verrattuna barokin musiikkia ja katkelmia Bach ja Vivaldi ilmestyvät usein soolot heavy metal-kitaristeja. Barokin henki—horjumaton usko musiikin voimaan koskettaa ihmisten elämää-muutti musiikkihistorian lopullisesti.
takaisin huipulle