¿qué es «barroco» y cuándo fue el período barroco?
derivado del barroco portugués, o» perla de forma extraña», el término» barroco » se ha utilizado ampliamente desde el siglo XIX para describir el período en la música artística de Europa Occidental desde aproximadamente 1600 hasta 1750. Comparar algunas de las obras maestras más grandes de la historia de la música con una perla deforme puede parecer extraño para nosotros hoy en día, pero para los críticos del siglo XIX que aplicaron el término, la música de la época de Bach y Handel sonaba demasiado ornamentada y exagerada., Después de haber perdido desde hace mucho sus connotaciones despectivas, «barroco» es ahora simplemente una captura conveniente para uno de los períodos más ricos y diversos de la historia de la música.
además de producir la primera música europea familiar para la mayoría de Nosotros, incluido el Canon de Pachelbel y las cuatro estaciones de Vivaldi, la era barroca también expandió enormemente nuestros horizontes. La aceptación de la teoría del siglo 16 de Copérnico de que los planetas no giraban alrededor de la tierra hizo del universo un lugar mucho más grande, mientras que el trabajo de Galileo nos ayudó a conocer mejor el cosmos., Los avances tecnológicos, como la invención del telescopio, hicieron que lo que se creía finito pareciera infinito. Grandes pensadores como Descartes, Hobbes, Spinoza y Locke abordaron las grandes cuestiones de la existencia. Genios como Rubens, Rembrandt y Shakespeare ofrecieron perspectivas únicas a través de su arte. Las naciones europeas se involucraron cada vez más con el comercio exterior y la colonización, poniéndonos en contacto directo con partes del mundo que antes no eran familiares., Y el crecimiento de una nueva clase media dio vida a una cultura artística que durante mucho tiempo dependía de los caprichos de la iglesia y la corte.
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¿quiénes fueron los principales compositores barrocos y de dónde eran?
muchas de las personalidades conocidas de la primera parte del período barroco provienen de Italia, incluyendo Monteverdi, Corelli y Vivaldi. (A mediados del siglo XVIII, nuestro enfoque cambia a los compositores alemanes Bach y Handel. Muchas de las formas identificadas con la música barroca se originaron en Italia, incluyendo la cantata, el concierto, la sonata, el oratorio y la ópera., Aunque Italia jugó un papel vital en el desarrollo de estos géneros, los nuevos conceptos de lo que significaba ser una nación aumentaron el imperativo de un «estilo nacional».»Las diferencias entre las naciones son a menudo audibles en la música de la época, no solo en la forma en que se compuso la música, sino también en las convenciones de interpretación; particularmente obvio era el contraste entre Italia y Francia. Si bien algunos países pueden parecer reclamar una parte más grande de nuestra experiencia de la música barroca hoy en día, sin embargo, cada nación jugó un papel., A medida que los músicos y compositores viajaban por toda Europa y escuchaban la música de los demás, las nuevas convenciones que encontraban les causaban impresiones sutiles. Algunos de los compositores más conocidos de la época incluyen los siguientes:
Italia: Monteverdi, Frescobaldi, Corelli, Vivaldi, Domenico y Alessandro Scarlatti
Francia: Couperin, Lully, Charpentier y Rameau
Alemania: Praetorius, Schein, Scheidt, Schutz, Telemann, Handel y Bach
Inglaterra: Purcell
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¿Cuál es la filosofía de la música barroca?,
aunque una sola filosofía no puede describir 150 años de música de toda Europa, varios conceptos son importantes en el período barroco.
una creencia en la música como una potente herramienta de comunicación
Una de las principales corrientes filosóficas en la música barroca proviene del interés renacentista en las ideas de la antigua Grecia y Roma. Los griegos y romanos creían que la música era una poderosa herramienta de comunicación y podía despertar cualquier emoción en sus oyentes., Como resultado del renacimiento de estas ideas, los compositores se hicieron cada vez más conscientes del poder potencial de la música, y cultivaron la creencia de que sus propias composiciones podrían tener efectos similares si emulaban correctamente la música antigua.,ancia de finales del siglo xvi,
he escuchado muchas veces decir a Sieur Claudina Le Jeune (que, sin querer menospreciar a nadie, superaron ampliamente a los músicos de los siglos en su comprensión de estos asuntos) que había cantado el aire (que había compuesto en partes)…y que cuando este aire se ensayó en un concierto privado que causó un caballero no poner la mano a las armas y comenzar a jurar en voz alta, de manera que parecía imposible que le impide atacar a alguien: después de lo cual Claudina empezó a cantar otro aire…que hicieron que el caballero tan tranquilo como antes., Esto me ha sido confirmado desde entonces por varios que estaban allí. Tal es el poder y la fuerza de la melodía, el ritmo y la armonía sobre la mente.
en 1605, el compositor italiano Claudio Monteverdi definió una práctica «primera» y «segunda»: en la primera, la armonía y el contrapunto prevalecieron sobre el texto; en la segunda, la necesidad de expresar el significado de las palabras superó cualquier otra preocupación. En el barroco, es el espíritu de la segunda práctica—usando el poder de la música para comunicarse—que llegó a dominar la época.,
las realidades del mecenazgo
cualquier discusión sobre la filosofía artística de un compositor barroco debe ser atemperada, al menos ligeramente, por la realidad de sus vidas. En los tiempos modernos, los artistas con frecuencia se ganan la vida produciendo exactamente el tipo de arte que se mueven a crear. En consecuencia, a menudo pensamos en el artista—y el grado de su inspiración artística – como el punto de partida para una obra de arte. A lo largo de gran parte de la era barroca, sin embargo, los compositores solo se ganaban la vida escribiendo música si tenían la suerte de estar en la nómina de una institución política o religiosa., Las necesidades musicales de esa institución, por lo tanto, dictaron la música que el compositor produjo. Bach escribió el número de cantatas que hizo, por ejemplo, no necesariamente porque encontró la forma inspiradora, sino debido a las demandas litúrgicas de la Iglesia de Leipzig que lo empleó. Cuando se ve bajo esta luz, la música barroca puede proporcionar una ventana fascinante a la historia.
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¿Cuáles son las características de la música barroca?
el nuevo interés por las posibilidades dramáticas y retóricas de la música dio lugar a una gran cantidad de nuevos ideales sonoros en el período barroco.,
el contraste como elemento dramático
El contraste es un ingrediente importante en el drama de una composición barroca. Las diferencias entre fuerte y suave, solo y conjunto (como en el concierto), diferentes instrumentos y timbres juegan un papel importante en muchas composiciones barrocas. Los compositores también comenzaron a ser más precisos sobre la instrumentación, a menudo especificando los instrumentos en los que se debe tocar una pieza en lugar de permitir que el intérprete elija. Instrumentos brillantes como la trompeta y el violín también crecieron en popularidad.,
Monodia y el advenimiento del bajo continuo
en épocas musicales anteriores, una pieza musical tendía a consistir en una sola melodía, quizás con un acompañamiento improvisado, o varias melodías tocadas simultáneamente. No fue hasta el período barroco que el concepto de «melodía» y «armonía» realmente comenzó a articularse. Como parte del esfuerzo por imitar la música antigua, los compositores comenzaron a centrarse menos en la complicada polifonía que dominó los siglos XV y XVI y más en una sola voz con un acompañamiento simplificado, o monodia., Si la música era una forma de retórica, como indican los escritos de los griegos y romanos, se necesita un orador poderoso, ¿y quién mejor para el trabajo que un solista vocal? La nueva fusión entre la expresión del sentimiento y el cantante solista se manifiesta fuerte y claramente en el prefacio de Monteverdi al Combattimento di Tancredi e Clorinda de su octavo libro de madrigales (1638), en el que escribe: «me ha parecido que las principales pasiones o afectos de nuestra mente son tres en número, a saber, la ira, la ecuanimidad y la humildad., Los mejores filósofos están de acuerdo, y la naturaleza misma de nuestra voz, con sus rangos altos, bajos y medios, lo indicaría.»Las primeras óperas son una excelente ilustración de esta nueva estética.
junto con el énfasis en una sola melodía y línea de bajo llegó la práctica del bajo continuo, un método de notación musical en el que la melodía y la línea de bajo se escriben y el relleno armónico se indica en un tipo de taquigrafía., Como explicó el músico italiano Agostino Agazzari en 1607:
dado que por fin se ha encontrado el verdadero estilo de expresión de las palabras, es decir, reproduciendo su sentido de la mejor manera posible, que tiene mejor éxito con una sola voz (o no más de unas pocas), como en los aires modernos de varios hombres capaces, y como es la práctica constante en Roma en la música concertada, digo que no es necesario hacer una partitura A un bajo, con sus signos para las armonías, es suficiente., Pero si alguien me dijera que, para tocar las obras antiguas, llenas de fuga y contrapuntos, un bajo no es suficiente, mi respuesta es que las obras vocales de este tipo ya no están en uso.
debido a que el bajo continuo, o bajo completo, se mantuvo como práctica estándar hasta el final del período barroco, la era a veces se conoce como la «era del bajo completo».»
diferentes sonidos instrumentales
Después de haber sido ignorado durante décadas, la música barroca se ha vuelto cada vez más popular en los últimos cincuenta años., Como parte de este nuevo interés, académicos y músicos han pasado incontables horas tratando de averiguar cómo la música podría haber sonado a las audiencias del siglo 17 y 18. Si bien nunca podremos recrear una actuación con precisión, su trabajo ha desenterrado varias diferencias importantes entre los conjuntos barrocos y modernos:
tono: en 1939, las orquestas modernas acordaron afinar a’=440hz (la nota A A 440 ciclos por segundo), que reemplazó a un tono anteriormente más bajo (la’=435hz) adoptado en 1859. Antes de 1859, sin embargo, no había estándar de tono., La nota a la que los conjuntos barrocos afinaban, por lo tanto, variaba ampliamente en diferentes momentos y en diferentes lugares. Como resultado, la música anotada en una partitura podría haber sonado hasta medio tono más bajo de lo que tradicionalmente se interpretaría hoy en día. En un esfuerzo por permitir esta discrepancia, muchos conjuntos barrocos ajustan su afinación al repertorio que se interpreta: a’= 415hz para la música barroca tardía, a’=392hz para la música francesa, a’=440hz para la música italiana temprana y a’=430hz para el repertorio clásico.,
timbre: mientras que la mayoría de los instrumentos en un conjunto barroco son familiares, hay varios miembros prominentes que ya no aparecen en los conjuntos modernos. El clavicémbalo fue el principal instrumento de teclado (y un miembro importante del grupo continuo), y los instrumentos importantes en los siglos XVI y XVII como el laúd y la viola, todavía se siguieron utilizando. Las variaciones en los instrumentos todavía populares hoy en día también le dieron al conjunto barroco un sonido diferente., Los instrumentos de cuerda como el violín, La viola y el violonchelo usaban cuerdas de tripa en lugar de las cuerdas envueltas en metal con las que se ensartan hoy en día, por ejemplo, dándoles un tono más suave y dulce.
técnica de performance: una partitura barroca contiene poca (o ninguna) información sobre elementos como la articulación, la ornamentación o la dinámica, por lo que los conjuntos modernos necesitan tomar sus propias decisiones informadas antes de cada performance., Las diferencias mecánicas entre los instrumentos barrocos y modernos también sugieren que los instrumentos más antiguos habrían sonado de manera diferente, por lo que los conjuntos como la música del Barroco a menudo ajustan su técnica para permitir esto. Debido a que los arcos barrocos y modernos son estructuralmente diferentes, por ejemplo, los instrumentistas de cuerda que usan arcos modernos a menudo usan un ataque más suave en la cuerda y crescendos y diminuendos en notas más largas., Los Tratados de interpretación de los siglos XVII y XVIII también implican que el vibrato de dedo (una técnica en la que un jugador de cuerda mece la yema de su dedo en la cuerda para enriquecer el tono) se usaba con moderación para momentos expresivos, mientras que el vibrato de arco (un movimiento ondulante del arco) era generalmente preferido.
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¿qué formas musicales llegaron a definir la era barroca?
mientras que las formas de épocas anteriores continuaron siendo utilizadas, como el motete o danzas particulares, el interés en la música como una forma de retórica provocó el desarrollo de nuevos géneros, particularmente en el área de la música vocal., Muchas de las formas asociadas con la época barroca provienen directamente de este nuevo impulso dramático, particularmente la ópera, el oratorio y la cantata. En el ámbito de la música instrumental, la noción de contraste y el deseo de crear formas a gran escala dieron lugar al concierto, la sonata y la suite.
música Vocal
ópera: un drama que se canta principalmente, acompañado por instrumentos, y se presenta en el escenario. Las óperas típicamente alternan entre recitativos, canciones de discurso que avanzan la trama, y arias, canciones en las que los personajes expresan sentimientos en puntos particulares de la acción., Coros y bailes también se incluyen con frecuencia. El advenimiento del género a principios del siglo XVII se asocia a menudo con las actividades de un grupo de poetas, músicos y estudiosos en Florencia conocido hoy como la Camerata Florentina. La primera ópera que sobrevivió fue Dafne de Jacopo Peri, basada en un libreto de Ottavio Rinuccini y representada en Florencia en 1598; la primera ópera que aún se representa hoy en día es Orfeo de Claudio Monteverdi (1607)., Los temas de las primeras óperas están tomados del mito griego, reflejando las estrechas alianzas del género con los intentos de recrear la música y el drama de las culturas antiguas, y se interpretaron únicamente en círculos aristocráticos para invitados.
cuando los primeros teatros de ópera públicos abrieron en Venecia en 1637, el género fue alterado para adaptarse a las preferencias del público. Los cantantes en solitario tomaron una especie de estatus de celebridad, y se puso mayor énfasis en el aria como resultado. El recitativo se hizo menos importante, y los coros y las danzas prácticamente desaparecieron de la ópera italiana., Las realidades financieras de la puesta en escena de producciones de ópera frecuentes también tuvieron un efecto. Los espectaculares efectos escénicos asociados con la ópera en la corte se minimizaron en gran medida, y los libretos se construyeron para aprovechar los dispositivos escénicos de stock. A principios del siglo XVIII (particularmente en Nápoles), dos subgéneros de la ópera se hicieron evidentes: opera seria, en la que el enfoque estaba en temas serios y el aria da capo, y opera buffa, que tenía un tono más ligero e incluso cómico y a veces usaba dúos, tríos y conjuntos más grandes. La tradición italiana de la ópera gradualmente dominó la mayoría de los países europeos., Sin embargo, a finales del siglo XVII en Francia, el italiano Jean-Baptiste Lully y el libretista Philippe Quinault crearon una versión francesa única de la ópera conocida como tragédie-lyrique.
Oratorio: un drama musical extendido con un texto basado en temas religiosos, destinado a la actuación sin escenografía, vestuario o acción. Oratorio originalmente significaba sala de oración, un edificio ubicado junto a una iglesia que fue diseñado como un lugar para experiencias religiosas distintas de la liturgia., Aunque no son de finales del siglo xvi precedentes para el oratorio en el motete y madrigal repertorio, el oratorio como un género musical distinto surgido en medio de la excelente acústica de estos espacios en los principios de 1600. Por la mitad del siglo 17, los oratorios se realizaron en los palacios y teatros públicos y fueron creciendo cada vez más similares a las óperas, aunque la materia, la división en dos partes (en lugar de tres actos) y la ausencia de protagonizaron la acción sigue siendo la distinguen., Algunos de los compositores asociados con el género en Italia incluyen a Giocomo Carissimi, Alessandro Scarlatti y Antonio Vivaldi. El oratorio también creció en popularidad en otras partes de Europa. En la Alemania Protestante, la música dramática compuesta para su uso en la Iglesia Luterana se fusionó gradualmente con elementos del oratorio, especialmente en la inclusión de textos no bíblicos. La pasión del oratorio, como llegó a llamarse, culminó en las grandes obras de J. S. Bach., Otros ejemplos conocidos fuera de Italia incluyen los oratorios ingleses de George Frideric Handel, quien popularizó el género en Londres como resultado del disgusto Inglés por la ópera italiana. Obras como el Mesías, Israel en Egipto y Judas Macabeo siguen siendo favoritos de la audiencia hasta el día de hoy.
Cantata: una pieza extendida que consiste en una sucesión de recitativos y piezas de conjunto como arias, dúos y coros., Originada a principios del siglo XVII en Italia, la cantata comenzó como una obra secular compuesta para voz solista y bajo continuo, muy probablemente destinada a ser interpretada en reuniones sociales privadas. Muchas de estas obras fueron publicadas, lo que sugiere que fueron interpretadas por músicos profesionales y aficionados por igual. A mediados del siglo, las cantatas se publicaban con menos frecuencia, lo que sugiere que las actuaciones eran cada vez más realizadas por profesionales. A finales del siglo XVII, las cantatas comenzaron a incorporar el aria da capo y a menudo tenían acompañamientos orquestales., Los principales compositores del género cantata italiano incluyen a Luigi Rossi, Antonio Cesti, Alessandro Stradella, y en la primera mitad del siglo XVIII Alessandro Scarlatti, Handel, Benedetto Marcello y Johann Adolf Hasse. Fuera de Italia, el género en expansión del motete Luterano comenzó a incorporar muchos elementos de la cantata italiana, especialmente técnicas de expresión dramática como recitativo y aria. Las numerosas cantatas de Bach muestran la amplia influencia de sus contrapartes italianas.,
Música Instrumental
Sonata: se utiliza para describir varios tipos de piezas en la era barroca, el término sonata más comúnmente designaba una obra en varios movimientos para uno o más instrumentos (más frecuentemente violines) y bassocontinuo; una sonata para dos violines u otros instrumentos agudos más bajo generalmente se llamaba una sonata de trío., En la década de 1650, las sonatas a menudo se clasificaban como sonatas da chiesa («sonatas de Iglesia»), generalmente compuestas de cuatro movimientos que alternan entre ritmos lentos y rápidos y se realizan en la iglesia, o sonatas da camera («Sonata de cámara»), que consistía en una serie de danzas similares a la suite. Ejemplos de ambos tipos se pueden encontrar en las obras de Corelli de finales del siglo XVII. En el siglo XVIII, Telemann, Bach y Handel escribieron numerosas sonatas inspiradas en las sonatas da chiesa de Corelli., El ascenso a la prominencia de las sonatas solistas para instrumentos de teclado comienza a finales del período barroco, incluidas las para órgano (Bach) y clave (Handel, Domenico Scarlatti). Otros ejemplos famosos de sonatas solistas incluyen las obras de Bach para violín y violonchelo sin acompañamiento.
Concierto: derivado del concertare Italiano (unir, unir), el concierto tomó varias formas durante la era barroca. Hasta principios del siglo XVIII, un concierto era simplemente una composición que unía un conjunto diverso formado por voces, instrumentos o ambos., Las obras sagradas para voces e instrumentos a menudo se llamaban conciertos, mientras que las obras seculares similares generalmente se denominaban arie (Aires), cantatas o musiche. Mientras que los conciertos sagrados a gran escala se pueden encontrar en las obras de Claudio Monteverdi, las composiciones más íntimas para una a cuatro voces, continuo e instrumentos solistas adicionales eran mucho más comunes. En Alemania, ejemplos maravillosos del concierto sagrado se pueden encontrar en las obras de Johann Hermann Schein, Michael Praetorius, Samuel Scheidt y Heinrich Schütz (especialmente su Kleine geistliche Concerte, o «pequeños conciertos sagrados», de 1636-39).,
Más tarde, en el siglo XVII, el concierto comenzó a asumir su definición moderna: una obra multimovimiento para solista instrumental (o grupo de solistas) y orquesta. Siguiendo el ejemplo de las canzonas y sonatas de finales de los siglos XVI y XVII, que utilizaron grupos de instrumentos contrastantes con gran efecto, el concierto grosso alterna un pequeño grupo de solistas con un conjunto más grande. Las obras de Corelli, particularmente su colección Op. 6, proporcionan quizás los ejemplos más conocidos del concerto grosso de finales del siglo XVII., Mientras que las obras de Corelli fueron emuladas en el siglo XVIII, sobre todo en la colección Op.6 DE Handel, muchos ejemplos del siglo XVIII del concierto grosso muestran la creciente influencia del concierto solista (por ejemplo, los conciertos de Brandeburgo de J. S. Bach).
el tipo de concierto más dominante en el siglo XVIII era el concierto solista, que presentaba un solo instrumento en contraste con un conjunto., El compositor más prolífico del concierto solista fue Antonio Vivaldi, quien escribió aproximadamente 350 y estableció la forma estándar de tres movimientos del concierto (dos movimientos exteriores rápidos, un Movimiento medio en un tempo más lento). Mientras que la mayoría de los conciertos solistas fueron escritos para violín, los conciertos para trompeta también fueron populares, y los conciertos también fueron compuestos para violonchelo, oboe, flauta y fagot. En la década de 1730, Handel escribió 16 conciertos para órgano, y Bach también compuso varios conciertos para clavicémbalo alrededor del mismo tiempo (la mayoría de estos son arreglos de obras preexistentes).,
Suite: basada en el maridaje tradicional de danzas en el Renacimiento, la suite fue la primera obra multi-movimiento para instrumentos. La suite era esencialmente una serie de bailes en la misma clave, la mayoría o todos en forma de dos partes. Alrededor de mediados del siglo XVII en Alemania la secuencia de allemande, courante, sarabande y Giga se convirtió en relativamente estándar, aunque otros movimientos de danza, como allemandes o courantes adicionales,bourreés, gavottes y minuetes, se insertaron a menudo. La mayoría de las suites también comenzaron con un movimiento introductorio como a prelude, ouverture o fantasia., Para muchos compositores barrocos, las diferentes danzas encarnaban personajes específicos. En su der volkommene Capellmeister (el Director musical completo), 1739, el teórico alemán Johann Mattheson dio una lista del carácter de cada danza: el minueto era «alegría moderada», la gavota «alegría jubilosa», la bourreé «alegría», la courante «esperanza», la Sarabande «ambición» y la giga podrían significar una serie de emociones que van desde la ira hasta la voltereta., Las suites barrocas fueron compuestas tanto para instrumentos solistas como para orquesta; las escritas para uno o dos instrumentos melódicos y continuo a veces se titulan sonata da camera. Las suites francesas para teclado a veces se llaman ordres (como en las obras de François Couperin, quien insertó muchos movimientos no danzantes, incluidos evocadores bocetos de personajes del personal de la corte.
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¿cómo era asistir a un concierto en la época barroca?
en los tiempos modernos, ir a un concierto es un evento., Escuchamos un anuncio en la radio o vemos un listado en el periódico; compramos boletos; vamos a una sala de conciertos y nos sentamos en silencio hasta que es hora de aplaudir. En la época barroca, este tipo de concierto público era raro. Muchas de las composiciones barrocas más famosas se interpretaban en iglesias para un servicio, o como parte de un concierto privado o celebración en la casa de un rico patrón. Durante el barroco, sin embargo, las representaciones públicas se hicieron más comunes, particularmente en los géneros de ópera y oratorio, y nuestra tradición de conciertos modernos comenzó a fusionarse en muchas ciudades europeas., Como Roger North describió una actuación en una de las primeras series de conciertos, organizada en Londres en la década de 1670:
el primer intento fue bajo: un proyecto de Old Banister, que era un buen violín, y un compositor teatral. Abrió una habitación oscura en una taberna con Frailes blancos; la llenó de mesas y asientos, e hizo una caja lateral con cortinas para la música. A veces consorte, a veces solos, del violín, flageolet, viola bajo, laúd y canción all’italiana, y tales variedades desviaron la compañía, que pagó al entrar., Un Chelín por pieza, pide lo que quieras, paga el ajuste de cuentas y da la bienvenida a los Caballeros.
el advenimiento del concierto público hizo de la creciente clase media una importante fuente de ingresos para los músicos. A finales del barroco, este subconjunto social se había convertido en un mecenas musical casi tan poderoso como la iglesia o la corte.
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¿qué vino después del período barroco?
a mediados del siglo XVIII, la idea barroca de la música como una forma de retórica estaba bajo ataque., La música tenía un poder maravillosamente potente para expresar incluso los conceptos más difíciles, pero solo en su forma más «natural», que la era barroca aparentemente había confundido. Como Johann Adolph Scheibe dijo de J. S. Bach, en 1737,
Este gran hombre sería la admiración de todas las naciones si hizo más de la amenidad, si no quitas el elemento natural en sus piezas, dándoles un turgente y confundido estilo, y si él no oscurecer su belleza por un exceso de arte., Puesto que juzga de acuerdo a sus propios dedos, sus piezas son extremadamente difíciles de tocar; porque exige que los cantantes e instrumentistas sean capaces de hacer con sus gargantas e instrumentos todo lo que pueda tocar en el clave, pero esto es imposible Tur la turgencia ha llevado de lo natural a lo artificial, y de lo alto a lo sombrío; y ADM uno admira el trabajo oneroso y el esfuerzo inusual, que, sin embargo, se emplean en vano, ya que entran en conflicto con la naturaleza.,
La insistencia de Scheibe en la claridad y facilidad de interpretación insinúa un cambio importante en la estética musical: a lo largo de su diatriba, el árbitro final del gusto no es Platón o Aristóteles, sino en última instancia los propios oyentes e intérpretes. Este nuevo énfasis en la expresión melódica directa y la arquitectura musical clara señala el camino hacia el período clásico, la era de Mozart y Haydn.
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la era barroca en la edad moderna
aunque el período barroco terminó hace más de 250 años, los vestigios de la época se pueden escuchar en todas partes., Algunas de las composiciones más influyentes y queridas se interpretan regularmente en salas de conciertos, y una gran cantidad de grabaciones hacen que el barroco esté disponible bajo demanda. Muchos de los géneros musicales todavía en uso hoy en día, como el oratorio, El concierto y la ópera, se originaron en el período. Compositores del siglo XX como Ralph Vaughn Williams, Igor Stravinsky y Benjamin Britten rindieron homenaje al barroco en sus obras., Su influencia se puede escuchar incluso fuera del ámbito de la música artística: el libre movimiento entre solista y grupo en el jazz a veces se compara con la música barroca, y fragmentos de Bach y Vivaldi aparecen con frecuencia en los solos de guitarristas de heavy metal. Y el espíritu del barroco—una creencia inquebrantable en el poder de la música para tocar la vida de las personas-cambió la historia de la música para siempre.
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