desde mediados del siglo XX, Estados Unidos ha sido el líder en el mercado del arte. La concesión del león de oro al Estadounidense Rauschenberg en la Bienal de Venecia de 1964 atestigua el cambio de primacía de la Escuela de París a la Escuela de Nueva York., Hoy en día, además de sus museos con las colecciones más prestigiosas, La «Gran Manzana» es la ciudad con más galerías. De hecho, más de 100.000 artistas han creado sus estudios allí, aprovechando la oportunidad de probar su suerte con más de 1.500 galerías. Los artistas estadounidenses del siglo XX fueron los catalizadores del arte moderno y contemporáneo. Artsper ahora presenta 10 de los más famosos de ellos!,
los mentores del Arte Moderno
Edward Hopper (1882-1967): entre el realismo y el simbolismo del estilo de Vida Americano
fue el pintor de la América urbana a principios del siglo XX. Dando a sus representaciones de la vida cotidiana una atmósfera mística, Edward Hopper logró sublimar los temas más inocuos.nacido en Nueva York, se formó como ilustrador antes de estudiar en una escuela de pintura., Viajó varias veces a Europa a principios de 1900, donde se interesó más por los impresionistas, como Monet y Degas, que por las vanguardias cubistas de su tiempo. En lugar de representaciones abstractas, Hopper prefirió representaciones naturalistas de paisajes y costumbres contemporáneas. A su regreso a los Estados Unidos, el artista comenzó una carrera como artista comercial antes de finalmente decidir dedicarse por completo a la pintura.
fue durante el período de entreguerras que adquirió cierto prestigio., Apasionado por la arquitectura, produjo por primera vez acuarelas de casas abuhardilladas del siglo XIX, que eran muy apreciadas por los coleccionistas. A la manera de los impresionistas, sus temas involucran edificios pintados en diferentes momentos del día. Favoreció los amaneceres y las puestas de sol, revelando su atracción por representar variaciones en la luminosidad.
más tarde retrató la cambiante sociedad estadounidense y ahora es considerado uno de los principales representantes del realismo estadounidense. Una cierta melancolía emana siempre de sus escenas., En su obra Nighthawks, se materializa en la soledad de los personajes, aislados y silenciosos. También es un signo de nostalgia por una América pasada, que se está urbanizando a la vez que se individualiza
como precioso testigo de su tiempo, logra inmortalizar el tiempo suspendido en su lienzo. La teatralidad de sus composiciones, obtenida por un poderoso contraste entre sombras y luz cruda, será una fuente de inspiración para el mundo fotográfico y cinematográfico.,
Man Ray (1890-1976): del Dadaísmo al Surrealismo
pintor, dibujante, director, diseñador this este artista, cuyas obras están disponibles en artsper, fue mejor conocido como el fotógrafo de los surrealistas.
después de estudiar diseño industrial, se negó a entrar en una escuela de arquitectura para dedicarse plenamente al arte. Asentándose en Nueva York a principios de la década de 1910, frecuentó la galería «291» de Alfred Stieglitz., Stieglitz le introdujo a la técnica de la fotografía y a muchos artistas de la vanguardia europea. En 1913, participó en el Armory Show. Esta fue la primera Exposición Internacional de arte moderno, que reunió a representantes del fauvismo, el cubismo y el futurismo. Después de una primera exposición individual en 1915, se unió al movimiento Dadá. Nacido como reacción al absurdo de la Primera Guerra Mundial, este movimiento intelectual, literario y artístico se caracterizó por un rechazo radical de los valores políticos, sociales e ideológicos de la sociedad., Fue durante este período que comenzó a experimentar con la fotografía.
en 1921 salió de América para París, donde continuó su investigación y descubrió por casualidad una nueva técnica fotográfica: la»rayografía». Al exponer a la luz una hoja de papel blanco sensible a la luz, las partes no cubiertas por objetos se ennegrecen. Luego obtiene representaciones con formas espectrales, constituyendo paisajes oníricos y misteriosos en los que se trascienden los objetos cotidianos. Al mismo tiempo, se involucró en el movimiento surrealista, en el que participó en todas las exposiciones a partir de 1925., En 1929, conoció a Lee Miller, quien se convirtió en su amante y asistente. Juntos, explotaron el potencial estético de la solarización, un proceso fotográfico que consiste en exponer una fotografía demasiado pronto. De esta manera, las zonas de oscuridad y brillo se invierten.
entre los artistas americanos más importantes en la historia del arte, es el que ha revolucionado el arte de la fotografía!,
Norman Rockwell (1894-1978): el hiperrealismo del Narrador americano
conocido por sus ilustraciones de revistas, las obras de Norman Rockwell trazan la historia de los Estados Unidos desde el período de entreguerras hasta el período de posguerra.
fascinado por el dibujo desde su infancia, ingresó en la American Academy of Design en Nueva York a la edad de 16 años., Luego, por segunda vez, se unió a la Liga de estudiantes de arte, una prestigiosa escuela de Bellas Artes. Talentoso, incluso antes de alcanzar la mayoría de edad, las revistas juveniles encargaron sus primeras ilustraciones.
el año 1922 marcó un punto de inflexión en su carrera. Pintó su primera portada para el famoso periódico The Saturday Evening Post. Esto fue seguido por una colaboración de 47 años durante los cuales Rockwell produjo 321 portadas más. En un estilo realista, similar a la foto, retrató la vida cotidiana de la clase media Estadounidense, siempre con amabilidad y, a veces, humor., Es de esta manera que está vinculado al movimiento regionalista americano.
durante la Segunda Guerra Mundial, sus ilustraciones afirman su participación en el esfuerzo de guerra. Inspirado por el discurso del Presidente Roosevelt, en 1943 produjo una serie de cuatro pinturas tituladas las cuatro libertades. El discurso de Franklin Roosevelt tenía la intención de aumentar la moral Estadounidense al anunciar un futuro mejor. Esto se basaría en los derechos humanos y cuatro libertades: libertad de expresión, libertad de culto y libertad para vivir sin temor ni miseria. El pintor optó entonces por transcribir estos cuatro conceptos en escenas de la vida cotidiana., Quiere mostrar a los estadounidenses que no son solo ideales abstractos.
En los años siguientes, como el éxito de estas cuatro imágenes le hizo muy popular, sus comisiones disminuido. De hecho, los periódicos comenzaron a preferir la fotografía a los dibujos animados. Sin embargo, hasta el final de su vida, buscará utilizar su arte para defender las causas que están cerca de su corazón: los derechos civiles, la lucha contra la segregación, la pobreza y la guerra. Fue uno de los artistas estadounidenses de su tiempo en ser el más involucrado políticamente.,
Jackson Pollock (1912-1956): dripping Pioneer
pintor estadounidense del expresionismo abstracto, particularmente famoso por su práctica de la pintura de Acción, Jackson Pollock fue una gran influencia en los pintores estadounidenses contemporáneos. Su muerte en plena consagración mundial ha fomentado la leyenda de este artista maldito.,
pasando su infancia en un entorno precario, entre la ausencia de su padre y la Autoridad de su madre, se convirtió en alcohólico a una edad muy temprana. A la edad de 11 años, su visita a una reserva India y el descubrimiento de motivos abstractos de un arte llamado «primitivo» le dejarán una profunda impresión. Para Pollock, el arte es, sobre todo, una obra de arte. Le permite expresar sus emociones y liberarse de sus ansiedades, resentimientos e ira. En sus pinturas de acción, cercanas a las performances, lo importante es la acción de la pintura y no la pintura.,
viviendo una gran parte de su vida en la indigencia durante la Gran Depresión, se beneficia del Federal Art Project. Establecido por el Gobierno de Roosevelt como parte de la política del New Deal, este programa apoyó a los artistas estadounidenses a través de importantes comisiones públicas. Se unió a la sección de» pintura Mural » en 1935, pero fue excluido en 1938 por ausentismo. En este momento, comenzó un programa de desintoxicación.
en 1943, participó en la primera gran exposición organizada por una famosa coleccionista de arte moderno estadounidense, Peggy Guggenheim., Entre los miembros del jurado, Piet Mondrian y Marcel Duchamp le dieron una opinión favorable, tanto que el famoso patrón de las artes le ofreció un salario mensual y le dedicó una exposición personal. Si bien poco a poco se hizo un nombre en el mundo del arte, en 1947 comenzó a practicar el dribling. Consiste en verter cubos de pintura directamente sobre el lienzo. A través de esta nueva técnica de trabajo horizontal, rompe con los códigos tradicionales de la práctica pictórica, abandonándose al arte abstracto más total.,
en el apogeo de su éxito, sin embargo, sus viejos demonios todavía lo perseguían. Ahogado en alcohol, murió en un accidente de coche, conduciendo en estado de ebriedad. Puedes encontrar algunas de sus ediciones en la web de Artsper.,
los principales artistas de la cultura Pop estadounidense
Andy Warhol (1928-1987): el padre del Arte Pop
convirtió el arte en un producto de consumo mientras que al mismo tiempo dio a los objetos cotidianos el estatus de obras de arte. Andy Warhol es legítimamente considerado uno de los fundadores del Arte Pop.,
Warhol, cuyas creaciones están disponibles en Artsper, proviene de la clase trabajadora pobre de Pittsburgh y es hijo de inmigrantes eslovacos. Logró entrar en la universidad para estudiar Bellas Artes. Después de graduarse, se mudó a Nueva York en 1949. Allí comenzó una carrera como artista comercial para revistas de moda y rápidamente ganó una reputación significativa en el mundo de la publicidad.
a finales de la década de 1950, se dedicó a la pintura. Se inspiró por primera vez en los gráficos de cómics., Pero fueron sus pinturas sobre objetos de consumo, comenzando con latas de sopa Campbell, las que pasarían a la historia del arte. Con el fin de satisfacer una demanda casi masiva, comenzó a utilizar la serigrafía en 1962. Esta técnica de impresión basada en plantillas le permitió producir sus obras en cantidades industriales en una multitud de colores llamativos. Sus retratos de celebridades, como Marilyn Monroe, están hoy presentes en los rieles de las mejores instituciones de arte moderno del mundo.
Más tarde, en 1964, abrió su fábrica, La Meca de la vida artística de Nueva York., Es a la vez un taller de producción y un estudio de grabación para sus películas experimentales.
celebrado durante su vida y reconocido como un icono del arte Pop, se convirtió al final de su vida en un mecenas de las artes a finales de la década de 1980. colaborando con artistas emergentes como Jean-Michel Basquiat y Keith Haring, hizo de su nombre una marca.,
Keith Haring (1958-1990): activismo a través del arte callejero
conocido mundialmente por sus frescos de figuras coloridas con gruesos contornos negros, Keith Haring también es conocido como uno de los artistas estadounidenses comprometidos con la lucha contra la homofobia y el SIDA.
Al igual que Andy Warhol, nació en Pittsburgh y comenzó a estudiar gráficos publicitarios. Sin embargo, deseando experimentar libremente con su propia investigación artística, se fue a Nueva York., Allí, el graffiti lo inspiró. Ansioso por sacar el arte de su marco para llegar a un público amplio, comenzó dibujando con tiza en las pizarras publicitarias negras del metro. Al mismo tiempo, frecuentando el ambiente artístico del underground de Nueva York, realizó sus primeras exposiciones en galerías. Finalmente, fue invitado a la Bienal de París de 1985, mientras se encontraba en medio de su ascenso internacional.,
detrás de la aparición de dibujos infantiles, con formas sintéticas, algunos de los cuales se pueden encontrar en la Web de Artsper, aborda temas serios como el racismo, la violencia, las drogas, la destrucción ambiental By al expresarse en la calle, busca tener más visibilidad para denunciar los prejuicios sociales. Con este fin, participa en programas de educación artística para jóvenes y responde a varias comisiones públicas. Por ejemplo, ejecutó un fresco en una de las paredes del Hospital Necker en 1987.,
sabiendo que sufría de SIDA en 1988, puso su arte y su notoriedad al servicio de la causa LGBT y la lucha contra esta enfermedad. Con este fin, creó la Fundación Keith Haring en 1989. Impulsado por el deseo de transformar el mundo, murió a los 31 años de edad. A pesar de su corta vida, su legado, tanto artístico como social, no fue menos considerable.,
Jean-Michel Basquiat (1960-1988): la elevación del Arte Urbano al rango de Bellas Artes
es uno de los artistas afroamericanos más famosos del mundo. En 2017, casi 30 años después de su muerte, una de sus obras fue vendida en subasta por un precio récord de más de 110 millones de euros., Esto hace de Jean-Michel Basquiat, algunos de cuyos dibujos se pueden ver en el Sitio Web de Artsper, uno de los artistas estadounidenses más caros del mundo.
nacido en Brooklyn de padre haitiano y madre Hispana, este precoz genio del dibujo produjo su primer graffiti a la edad de 16 años. Comienza a firmar bajo el seudónimo de SAMO («Same Old Shit», literalmente «Same Old Shit»). Basquiat marca el tono: de temperamento protestante, se niega a conformarse con los dictados de la sociedad.,
ambicioso por convertirse en el primer artista negro internacionalmente conocido, logró ser descubierto por su ídolo, Andy Warhol. Este último le presentó a los grandes galeristas de Nueva York.
sus obras, de gran singularidad, asustan tanto como fascinan. De hecho, son de gran violencia. Con numerosas evocaciones de la muerte, sus composiciones se caracterizan por la introducción de elementos tribales de su herencia cultural. Su búsqueda de identidad lo empuja a denunciar la opresión de las minorías, representando un mundo caótico, portando un poderoso simbolismo., Finalmente, como hijo de la cultura Pop, mezcla diferentes técnicas en una misma composición: graffiti, pintura, collages. Ignora las tradiciones pictóricas y desdibuja los límites de las Bellas Artes.
Su muerte tras una sobredosis puso fin a su carrera a la edad de 28 años. Una carrera, ciertamente corta, pero particularmente prolífica: produjo más de 800 pinturas y 1.500 dibujos. Su malestar crónico, perceptible en los rasgos agresivos de sus composiciones, precipitó paradójicamente tanto su fin como su éxito.,
El Emergente de Artistas Contemporáneos
Jeff Koons (1955): El Apogeo del Arte Comercial
Mientras que la de ser uno de los más célebres artistas Estadounidenses del siglo 21, Jeff Koons es también uno de los más controvertidos. Sus obras son denigradas por algunos como arte industrial o solo son falsificadas según otros. Sin embargo, son los más caros del mundo y se exhiben en las principales instituciones artísticas del mundo., Una historia de éxito!
atraído por el arte a una edad muy temprana, Jeff Koons no tuvo el éxito que esperaba con sus primeras creaciones. Obligado a trabajar como corredor financiero, no fue hasta la década de 1980 que sus esculturas monumentales, que representan bienes de consumo masivo como sus perros globo y conejos inflables, se hicieron populares entre los coleccionistas. Luego creó, a la manera de Andy Warhol, un estudio en Nueva York con una treintena de asistentes. Hoy en día, es más como una fábrica, con más de 100 empleados. Por lo tanto, las obras estampadas Jeff Koons ya no son hechas por sus manos.,
de hecho, las producciones de acero inoxidable de Jeff Koons, disponibles en Artsper, están en línea con el Pop Art, inspirándose en la imaginación popular. Los desvía dándoles un carácter industrial, revelando ciertas afinidades con el ready-made de Marcel Duchamp. Sin embargo, si Andy Warhol trajo el arte a la era industrial, el hombre de las finanzas lo trajo a la era de la globalización. Sus iconos kitsch se pueden ver en todo el mundo!y eso no es sin causar algunos escándalos!,
en 2008, expuso una docena de sus esculturas en el Palacio de Versalles, donde se celebró un evento en nombre de la defensa de la «pureza artística Francesa». Más recientemente, fue su Ramo de Tulipanes que causó una gran controversia. De hecho, el homenaje a las víctimas de los atentados de París de 2015 y 2016 ha sido criticado por contribuir a la fealdad del espacio público.
Además, el artista ha sido acusado en varios casos de plagio, reapropiación de temas de fotografías o anuncios existentes., El hecho es que el reinado de Jeff Koons parece tener un futuro brillante por delante! En mayo de 2019, alcanzando el precio de 91,1 millones de euros, la subasta de su trabajo de conejo lo convirtió en el artista vivo más caro del mundo.,
JonOne (1963): la consagración del Graffiti en el arte 11
considerado como uno de los artistas americanos más importantes del Expresionismo abstracto en el mundo del graffiti, JonOne, descubierto en el sitio de artsper, es tanto descendiente de Jackson Pollock como de Jean-Michel Basquiat. No hay duda de que la sucesión de artistas estadounidenses está asegurada!,
nacido en la ciudad de Nueva York, en el barrio obrero de Harlem, y de origen afroamericano, como Jean-Michel Basquiat, el joven John también hace novillos. Cuando era adolescente, recorrió las líneas del metro de Nueva York donde hizo sus primeras etiquetas. Según él, «el metro es un museo que cruza la ciudad», considerando el graffiti como una forma de arte por derecho propio.
su encuentro con el artista de graffiti francés Bando fue decisivo para el resto de su carrera. Este último lo convenció de reunirse con él en París., Allí, abandonando el asfalto sin abandonar sus bombas de pintura, se instala en la década de 1990 en un taller del Hospital efímero. Allí produjo sus primeras pinturas. Rápidamente fue descubierto y expuesto en las galerías de arte contemporáneo más importantes de Francia.
JonOne logra tocar al público con la sensibilidad y la poesía que emana de sus pinturas. Permitiendo que su imaginación corra libremente, le permiten, en sus palabras, abrirse a sí mismo. Evacuando cualquier referencia figurativa, se deja llevar por el movimiento, los colores y la energía de las ciudades., A partir de entonces, solo el impulso de sus emociones guía sus gestos. Rayas de colores brillantes y espontáneos emergen solo de ellos.
en la encrucijada de la abstracción lírica y el arte urbano, el arte moderno y el arte contemporáneo, JonOne logra aprovechar su herencia artística Americana para ofrecernos su renovación. ¡La hegemonía de los artistas estadounidenses en la historia del arte está lejos de llegar a su fin!,
Shepard Fairey (1970): el compromiso político del Street Art
es famoso por diseñar el cartel de la campaña de Barack Obama para las elecciones presidenciales de 2008. Demostrando que el arte callejero tiene un lugar en la política, el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston lo ha reconocido como el artista callejero más influyente.,
diseñando camisetas y skateboards cuando era adolescente, Shepard Fairey, representado en Artsper, entró en la Escuela de diseño de Rhode Island en 1989. Con un grupo de estudiantes, creó pegatinas y carteles que representaban al luchador francés André El Gigante. El visual se hizo viral y se extendió por todo el mundo. En 1998, asociando la imagen con la palabra «obedecer» (que significa «obedecer»), hizo de esta parodia propagandística su firma.
pero es más gracias a su cartel esperanza que ganó notoriedad internacional., Apoyando la candidatura del futuro presidente Barack Obama, creó una serie de carteles. El más famoso es un retrato del político en los colores de América. Emblema de la campaña presidencial de Obama, representa a un candidato decididamente orientado hacia el futuro. Se extendió por todo el mundo, llegó a la primera plana de la revista Time. La National Portrait Gallery de Washington finalmente compró el original.
desde entonces, ha tenido una serie de exposiciones mientras continúa sus actividades como artista callejero., En particular, ejecutó varios frescos en las paredes de edificios en el distrito 13 de París en 2012 y 2016. Uno de ellos representa a una Marianne rodeada por el lema nacional «Libertad, Igualdad, Fraternidad». Fue creado tras los ataques del 13 de noviembre de 2015. Así, da testimonio de su compromiso perpetuo con la defensa de grandes causas, como la democracia y las libertades. 8 años después de haber invertido en la campaña electoral, Shepard Fairey reitera. Usando los mismos códigos gráficos, cambió el eslogan a » no » para oponerse a la elección de Donald Trump., Celebrando sus 30 años de carrera en el Grenoble Street Art Fest en 2019, Shepard Fairey parece haberse establecido definitivamente en el paisaje artístico (y urbano) internacional.
así, esta visión general de los artistas americanos modernos y contemporáneos revela el papel crucial de los Estados Unidos como cuna de la creación artística. Desde principios del siglo XX, es en su suelo donde nacieron los principales artistas de la historia del arte. Sin vínculos con la tradición pictórica Europea, han sido capaces de proponer nuevas soluciones plásticas., Inicialmente teñida de nacionalismo, el arte estadounidense se hizo más popular y universal a mediados del siglo XX. El resultado fue su asimilación en todo el mundo y la consagración de los Estados Unidos como el principal poder artístico.