Hvad er “barok”, og hvornår var barokperioden?
afledt af den portugisiske barroco, eller “mærkeligt formet perle”, er udtrykket “barok” blevet udbredt siden det nittende århundrede til at beskrive perioden i Vesteuropæisk kunstmusik fra omkring 1600 til 1750. At sammenligne nogle af musikhistoriens største mesterværker med en forkert formet perle kan virke underligt for os i dag, men for kritikere fra det nittende århundrede, der anvendte udtrykket, musikken fra Bach og Helndels æra lød alt for ornamenteret og overdrevet., Har længe siden kaste sine nedsættende konnotationer, “barok” er nu simpelthen en bekvem fangst-alle for en af de rigeste og mest forskelligartede perioder i musikhistorien.ud over at producere den tidligste europæiske musik, som de fleste af os kender, herunder Pachelbel ‘s Canon og Vivaldi’ s The Four Seasons, udvidede barokken også vores horisonter kraftigt. Accept af Copernicus ‘ s 16. århundrede teori om, at planeterne ikke dreje rundt om jorden gjorde universet et meget større sted, mens Galileos arbejde hjalp os med at få bedre kendskab til kosmos., Fremskridt inden for teknologi, såsom opfindelsen af teleskopet, gjorde det, der blev antaget at være begrænset, uendeligt. Store tænkere som Descartes, Hobbes, Spino .a og Locke tacklede de store spørgsmål om eksistens. Genier som Rubens, Rembrandt og Shakespeare tilbød unikke perspektiver gennem deres kunst. Europæiske nationer blev mere og mere involveret i udenrigshandel og kolonisering, hvilket bragte os i direkte kontakt med dele af kloden, der tidligere var ukendte., Og væksten i en ny middelklasse åndede liv i en kunstnerisk kultur, der længe var afhængig af kirkens og Domstolens luner.
Tilbage til toppen
hvem var de store barokkomponister, og hvor kom de fra?
mange af de velkendte personligheder fra den første del af barokken stammer fra Italien, herunder Monteverdi, Corelli og Vivaldi. (I midten af det attende århundrede skifter vores fokus til de tyske komponister Bach og Handel.) Mange af de former, der er identificeret med barokmusik, stammer fra Italien, herunder kantaten, koncerten, sonaten, oratoriet og operaen., Selvom Italien spillede en vigtig rolle i udviklingen af disse genrer, nye begreber om, hvad det betød at være en nation, øgede imperativet om en “national stil.”Forskelle mellem nationer er ofte hørbare i musik fra perioden, ikke kun i den måde, musik blev komponeret på, men også i forestillinger; især tydeligt var kontrasten mellem Italien og Frankrig. Mens visse lande ser ud til at kræve et større stykke af vores oplevelse af barokmusik i dag, imidlertid, hver nation spillede en rolle., Da musikere og komponister rejste over hele Europa og hørte hinandens musik, gjorde de nye konventioner, de mødte, subtile indtryk på dem. Nogle af de bedst kendte komponister fra perioden omfatter følgende:
Italien: Monteverdi, Frescobaldi, Corelli, Vivaldi, Domenico og Alessandro Scarlatti
Frankrig: Couperin, Lully, Charpentier, og Rameau
Tyskland: Praetorius, Schein, Scheidt, Schutz, Telemann, Händel og Bach
England: Purcell
Tilbage til Toppen
Hvad er filosofi af Barok musik?,
selv om en enkelt filosofi ikke kan beskrive 150 års musik fra hele Europa, er flere begreber vigtige i barokken.
en tro på musik som et potent kommunikationsværktøj
En af de største filosofiske strømninger i barokmusik kommer fra renæssancens interesse for ideer fra det antikke Grækenland og Rom. Grækerne og romerne mente, at musik var et kraftfuldt kommunikationsværktøj og kunne vække enhver følelse hos sine lyttere., Som et resultat af genoplivningen af disse ideer blev komponister mere og mere opmærksomme på musikkens potentielle magt og dyrkede troen på, at deres egne kompositioner kunne have lignende virkninger, hvis de korrekt emulerede gammel musik.,ning i slutningen af det sekstende århundrede,
jeg har ofttimes hørt det sagt af Sieur Claudin Le Jeune (der har, uden der ønsker at små nogen, langt overgået de musikere, der i tidligere tider i hans forståelse af disse forhold), at han havde sunget en luft (som han havde komponeret i dele)…og at når denne luft, der var øvede i en privat koncert, det forårsagede en herre, der for at sætte hånd til at gribe til våben og begynde at bande højt, således at det syntes umuligt at forhindre ham fra at angribe en person: hvorefter Claudin begyndte at synge en anden luft…som gjorde den herre så rolig som før., Dette er blevet bekræftet for mig siden af flere, der var der. Sådan er kraften og kraften i melodi, rytme og harmoni over sindet.
I 1605, den italienske komponist Claudio Monteverdi faktisk defineret en “første” og “andet” praksis: i den første, harmoni og kontrapunkt havde forrang over teksten; i det andet behovet for at udtrykke betydningen af de ord, der overgik alle andre spørgsmål. I barokken er det ånden i den anden praksis—ved hjælp af musikens kraft til at kommunikere—der kom til at dominere æraen.,
realiteterne i protektion
enhver diskussion af en barok komponists kunstneriske filosofi bør tempereres, i det mindste lidt, af virkeligheden i deres liv. I moderne tid tjener kunstnere ofte til livets ophold og producerer nøjagtigt den slags kunst, de flyttes til at skabe. Derfor tænker vi ofte på kunstneren – og graden af hans eller hendes kunstneriske inspiration—som udgangspunkt for et kunstværk. Gennem store dele af barokken, imidlertid, komponister tjente kun en levende skrivemusik, hvis de var heldige nok til at være på lønningslisten for en politisk eller religiøs institution., Denne institutions musikalske behov dikterede derfor den musik, komponisten producerede. Bach skrev antallet af kantater, han gjorde, for eksempel, ikke nødvendigvis fordi han fandt formen inspirerende, men på grund af de liturgiske krav fra Leip .ig-kirken, der beskæftigede ham. Når man ser i dette lys, kan barokmusik give et fascinerende vindue ind i historien.
Tilbage til toppen
hvad er kendetegnene ved barokmusik?
den nye interesse for musikkens dramatiske og retoriske muligheder gav anledning til et væld af nye lydidealer i barokken.,
kontrast som et dramatisk element
kontrast er en vigtig ingrediens i dramaet i en barok komposition. Forskellene mellem højt og blødt, solo og ensemble (som i koncerten), forskellige instrumenter og klange spiller alle en vigtig rolle i mange barokke kompositioner. Komponister begyndte også at være mere præcise om instrumentering, ofte med angivelse af de instrumenter, som et stykke skal spilles på i stedet for at lade udøveren vælge. Brilliant instrumenter som trompet og violin voksede også i popularitet.,
Monody og fremkomsten af basso continuo
I tidligere musikalske epoker, et stykke musik, som havde en tendens til at bestå af en enkelt melodi, måske med en improviseret akkompagnement, eller flere melodier spillet på samme tid. Først i barokken begyndte begrebet” melodi” og “harmoni” virkelig at blive artikuleret. Som en del af bestræbelserne på at efterligne gammel musik begyndte komponister at fokusere mindre på den komplicerede polyfoni, der dominerede det femtende og sekstende århundrede og mere på en enkelt stemme med en forenklet akkompagnement eller monodi., Hvis musik var en form for retorik, som grækernes og romernes skrifter antyder, er en magtfuld taler nødvendig—og hvem bedre til jobbet end en vokal solist? Den nye fusion mellem udtryk og solo-sanger komme igennem højt og tydeligt i Monteverdi ‘ s forord til den Combattimento di Tancredi e Clorinda fra sin Ottende Bog af Madrigaler (1638), i hvilket han skriver: “Det forekom mig, at chefen lidenskaber eller følelser af vores sind er tre i antal, nemlig vrede, sindsro og ydmyghed., De bedste filosoffer er enige, og selve karakteren af vores stemme, med dens høje, lave og mellemste intervaller, ville indikere så meget.”De tidligste operaer er en glimrende illustration af denne nye æstetik.
sammen med vægten på en enkelt melodi og baslinje kom udøvelsen af basso continuo, en metode til musikalsk notation, hvor melodien og baslinjen er skrevet ud og det harmoniske fyldstof angivet i en type stenografi., Som den italienske musiker Agostino Agazzari forklaret i 1607:
Da den sande stil til at udtrykke de ord, endelig er blevet fundet, nemlig ved at gengive deres mening på den bedst mulige måde, hvor det lykkes bedst med én stemme (eller ikke mere end et par), som i den moderne udsendes af forskellige dygtige mennesker, og som det er fast praksis i Rom i koncerterende musik, Jeg siger, at det ikke er nødvendigt at lave en score… En Bas, med sin tegn for harmonier, er nok., Men hvis nogen skulle fortælle mig, at for at spille de gamle værker, fulde af fuga og modpunkter, er en Bas ikke nok, er mit svar, at vokale værker af denne art ikke længere er i brug.
fordi basso continuo, eller grundig bas, forblev standardpraksis indtil slutningen af barokken, er æraen undertiden kendt som “den grundige bass alder.”
forskellige instrumentale lyde
Efter at have været ignoreret i årtier, er barokmusik blevet mere og mere populær i løbet af de sidste halvtreds år., Som en del af denne nye interesse, lærde og musikere har brugt utallige timer på at prøve at finde ud af, hvordan musikken måske har lød til publikum fra det 17.og 18. århundrede. Samtidig vil vi aldrig være i stand til at genskabe en performance netop, at deres arbejde har afdækket flere store forskelle mellem Barok og moderne ensembler:
pitch: I 1939, moderne orkestre enige om at tune ind på en’=440hz (note Et opslået på 440 cykler per sekund), som har erstattet en tidligere lavere hældning (a’=435hz), der blev vedtaget i 1859. Før 1859 var der dog ingen pitchstandard., Noten, som barokke ensembler stemte på, varierede derfor meget på forskellige tidspunkter og forskellige steder. Som resultat, musikken noteret på en score kunne have lød så meget som en halv tone lavere end hvordan det traditionelt ville blive udført i dag. I et forsøg på at tage højde for denne uoverensstemmelse tilpasser mange barokke ensembler deres indstilling til det repertoire, der opføres: a’= 415h.for senbarokmusik, a’=392H. for fransk Musik, a’=440h. for tidlig italiensk musik og a’=430h. for klassisk repertoire.,timbre: mens de fleste af instrumenterne i et barokensemble er velkendte, er der flere fremtrædende medlemmer, der ikke længere er med i moderne ensembler. Cembalo var det primære tastaturinstrument (og et vigtigt medlem af continuo-gruppen), og instrumenter, der var vigtige i det 16.og 17. århundrede som lut og viol, blev stadig brugt. Variationer i instrumenter, der stadig er populære i dag, gav også barokensemblet en anden lyd., Strengeinstrumenter som violin, bratsch og cello brugte gut strenge snarere end strengene indpakket i metal, som de er spændt i dag, for eksempel, giver dem en blødere, sødere tone.en barok score indeholder lidt (hvis nogen) information om elementer som artikulation, ornamentik eller dynamik, og så skal moderne ensembler træffe deres egne informerede valg før hver forestilling., Mekaniske forskelle mellem barok og moderne instrumenter antyder også, at de ældre instrumenter ville have lød anderledes, så ensembler som barokmusik justerer ofte deres teknik for at give mulighed for dette. Fordi barokke og moderne buer er strukturelt forskellige, for eksempel, strengspillere, der bruger moderne buer, bruger ofte et blidere angreb på strengen og crescendos og diminuendos på længere toner., 17th og 18th århundrede ydeevne afhandlinger indebærer også, at finger vibrato (en teknik, hvor en streng afspiller klipper hans eller hendes fingerspids på den streng, der skal berige tone) blev brugt sparsomt for at udtryksfulde øjeblikke, mens bue vibrato (en bølgende bevægelse af buen) var at foretrække.
Tilbage til toppen
hvilke musikalske former kom til at definere barokken?
mens former fra tidligere epoker fortsat blev brugt, såsom motet eller bestemte danser, udløste interessen for musik som en form for retorik udviklingen af nye genrer, især inden for vokalmusik., Mange af de former, der er forbundet med barokken, kommer direkte ud af denne nye dramatiske impuls, især opera, oratoriet og kantaten. Inden for instrumentalmusik gav begrebet kontrast og ønsket om at skabe store former anledning til koncerten, sonaten og suiten.
vokalmusik
Opera: et drama, der primært synges, ledsaget af instrumenter og præsenteres på scenen. Operaer veksler typisk mellem recitativ, talelignende sang, der fremmer plottet, og arier, sange, hvor karakterer udtrykker følelser på bestemte punkter i handlingen., Kor og dans er også ofte inkluderet. Fremkomsten af genren ved begyndelsen af det syttende århundrede er ofte forbundet med aktiviteterne i en gruppe digtere, musikere og lærde i Firen .e, der i dag er kendt som den florentinske Camerata. Den første overlevende opera var Jacopo Peri ‘Dafne, der er baseret på en libretto af Ottavio Rinuccini og udført i Firenze i 1598; de tidligste opera stadig udføres i dag er Claudio Monteverdis l’ Orfeo (1607)., Emnerne for de første operaer er alle taget fra den græske myte, hvilket afspejler genrens nære alliancer med forsøg på at genskabe musik og drama fra gamle kulturer og blev udelukkende udført i aristokratiske kredse for inviterede gæster.
da de første offentlige operahuse åbnede i Venedig i 1637, blev genren ændret for at passe til publikums præferencer. Solo sangere påtog sig en slags berømthedsstatus, og der blev lagt større vægt på arien som et resultat. Recitativ blev mindre vigtig, og kor og danser forsvandt næsten fra italiensk opera., De økonomiske realiteter ved at iscenesætte hyppige operaproduktioner havde også en effekt. De spektakulære sceneeffekter forbundet med opera ved retten blev meget bagatelliseret, og librettos blev konstrueret til at drage fordel af lager naturskønne enheder. I begyndelsen af det 18. århundrede (især i Napoli) blev to undergenrer af opera tydelige: opera seria, hvor fokus var på seriøst emne og da capo-aria, og opera buffa, der havde en lettere, endda komisk tone og undertiden brugte duetter, trioer og større ensembler. Den italienske tradition for opera dominerede gradvist de fleste europæiske lande., I slutningen af det 17. århundrede Frankrig, imidlertid, den italienskfødte Jean-Baptiste Lully og librettist Philippe .uinault skabte en unik fransk version af opera kendt som tragdiedie-lyri .ue.
Oratorio: et udvidet musikalsk drama med en tekst baseret på religiøst emne, beregnet til optræden uden kulisser, kostume eller handling. Oratorio betød oprindeligt bønhallen, en bygning beliggende ved siden af en kirke, der var designet som et sted for religiøse oplevelser adskilt fra liturgien., Selv om der er slutningen af det sekstende århundrede fortilfælde for oratorium i motet og madrigal repertoire, oratoriet som en særlig musikalsk genre opstået midt i den fremragende akustik i disse rum i begyndelsen af 1600-tallet. Ved midten af det 17 århundrede, oratorier blev opført i paladser og offentlige teatre og blev i stigende grad ligner operaer, selv om det emne, opdeling i to dele (snarere end tre akter) og fravær af iscenesat action stadig sætte den ud., Nogle af de komponister, der er forbundet med genren i Italien, inkluderer Giocomo Carissimi, Alessandro Scarlatti og Antonio Vivaldi. Oratoriet voksede også i popularitet i andre dele af Europa. I det protestantiske Tyskland blev dramatisk musik komponeret til brug i Den Lutherske kirke gradvist smeltet sammen med elementer fra oratoriet, især ved inkludering af ikke-bibelske tekster. Oratorio lidenskab, som det kom til at blive kaldt, kulminerede i de store værker af J. S. Bach., Andre velkendte eksempler uden for Italien inkluderer de engelske oratorier af George Frideric Handel, der populariserede genren i London som et resultat af den engelske afsky for italiensk opera. Værker som Messias, Israel i Egypten og Judas Maccabeus forbliver publikumsfavoritter indtil i dag.
Kantate: et udvidet stykke bestående af en række recitativer og sætstykker som arier, duetter og kor., Med oprindelse i det tidlige 17. århundrede Italien, kantaten begyndte som et sekulært værk komponeret til solo voice og basso continuo, sandsynligvis beregnet til optræden på private sociale sammenkomster. Mange af disse værker blev udgivet, hvilket tyder på, at de blev udført af både professionelle musikere og amatører. I midten af århundredet blev kantater offentliggjort mindre hyppigt, hvilket antydede, at forestillinger i stigende grad blev udført af fagfolk. Ved udgangen af det 17.århundrede, cantatas begyndte at inkorporere da capo-aria og havde ofte orkestrale akkompagnementer., Store komponister i den italienske kantate genre omfatter Luigi Rossi, Antonio Cesti, Alessandro Stradella, og i den første halvdel af det 18 århundrede Alessandro Scarlatti, Händel, Benedetto Marcello og Johann Adolf Hasse. Uden for Italien begyndte den ekspanderende genre af Den Lutherske motet at inkorporere mange elementer i den italienske kantate, især teknikker til dramatisk udtryk som recitativ og aria. Bachs mange kantater viser den omfattende indflydelse fra deres italienske kolleger.,
Instrumental musik
Sonata: Bruges til at beskrive forskellige typer af stykker, i barokken, udtrykket sonata mest almindeligt udpeges et værk i flere bevægelser for et eller flere instrumenter (oftest violiner) og bassocontinuo, en sonate for to violiner eller andre diskant instrumenter plus bas var normalt kaldes en trio sonate., Af 1650’erne, sonater blev ofte er klassificeret enten som sonater da chiesa (“kirken sonater”), der normalt består af fire satser, der veksler mellem langsomme og hurtige tempi og udføres i kirken, eller sonater, da kameraet (“afdeling sonaten”), som bestod af en serie af danse beslægtet til suite. Eksempler på begge typer findes i Corelli ‘ s værker fra slutningen af det 17.århundrede. I det 18. århundrede, Telemann, Bach oghandel skrev adskillige sonater modelleret på Corellis sonater da chiesa., Stigningen til prominens af solo sonater for keyboard instrumenter begynder sent i barokken, herunder orgel (Bach) og cembalo (Handel, Domenico Scarlatti). Andre berømte eksempler på solosonater inkluderer Bachs værker for uledsaget violin og cello.concerto: Concerto stammer fra den italienske koncertare (for at slutte sig sammen, forene) og tog flere former i barokken. Indtil begyndelsen af det 18.århundrede var en koncert simpelthen en komposition, der forenede et mangfoldigt ensemble bestående af stemmer, instrumenter eller begge dele., Hellige værker for stemmer og instrumenter blev ofte kaldt koncerter, mens lignende sekulære værker generelt blev kaldt arie (airs), cantatas eller musiche. Mens Store Hellige koncerter kan findes i værker af Claudio Monteverdi, mere intime kompositioner for en til fire stemmer, continuo og yderligere soloinstrumenter var langt mere almindelige. I Tyskland, vidunderlige eksempler på den gejstlige koncert kan være fundet i værker af Johann Hermann Schein, Michael Praetorius, Samuel Scheidt og Heinrich Schütz (især hans Kleine geistliche Concerte, eller “Små Hellige Koncerter,” af 1636-39).,
senere i det syttende århundrede begyndte koncerten at antage sin moderne definition: et multimovementværk for instrumental solist (eller gruppe af solister) og orkester. Med udgangspunkt i can .onas og sonater fra det sene sekstende og syttende århundrede, der anvendte kontrasterende grupper af instrumenter med stor effekt, skifter concerto grosso en lille gruppe solister med et større ensemble. Værker af Corelli, især hans Op. 6 samling, giver måske de mest kendte eksempler på slutningen af det 17. århundrede concerto grosso., Mens Corellis værker blev efterlignet i det 18. århundrede, især i Helndels Op. 6-samling, viser mange eksempler fra det 18.århundrede på concerto grosso solokoncertens stigende indflydelse (for eksempel Brandenburg-koncerterne af J. S. Bach).
den mest dominerende type koncert i det 18.århundrede var solokoncerten, der indeholdt et enkelt instrument i modsætning til et ensemble., Den mest produktive komponist af solokoncerten var Antonio Vivaldi, der skrev omkring 350 og etablerede koncertens standard tresatsede form (to hurtige ydersatser, en mellemsats i et langsommere tempo). Mens de fleste solokoncerter var skrevet for violin, var trompetkoncerter også populære, og koncerter blev også komponeret for cello, obo, fløjte og fagot. I 1730 ‘ erne skrev Helndel 16 orgelkoncerter, og Bach komponerede også flere koncerter til cembalo omkring samme tid (de fleste er arrangementer af eksisterende værker).,
Suite: baseret på den traditionelle parring af danse i renæssancen var suiten det første multi-satsning arbejde for instrumenter. Suiten var i det væsentlige en række danser i samme nøgle, de fleste eller alle af dem i todelt form. Omkring midten af det 17 århundrede i Tyskland sekvensen af allemanden, courante, sarabande og gigue blev relativt standard, men andre danse bevægelser, såsom ekstra allemandes eller courantes,bourreés, gavottes og menuetter, blev ofte indsat. De fleste suiter begyndte også med en indledende bevægelse som et forspil, ouverture eller fantasia., For mange barokke komponister udgjorde de forskellige danser specifikke tegn. I hans Der volkommene Capellmeister (Den Komplette Musik Direktør), 1739, tyske teoretiker Johann Mattheson gav en liste af hver dans karakter: en menuet var “moderat munterhed,” den gavotte “jublende glæde,” den bourreé “contentedness,” de courante “håber,” sarabande “ambition” og gigue kunne betyde en række følelser, der spænder fra vrede til flightiness., Barokke suiter blev scoret for soloinstrumenter såvel som orkester; dem, der er skrevet til et eller to melodiinstrumenter og continuo, har undertiden titlen sonata da camera. Franske suiter til tastatur kaldes undertiden ordres (som i værkerne fra Fran .ois Couperin, der indsatte mange ikke-dansbevægelser, herunder stemningsfulde karakterskitser af domstolspersonale.
Tilbage til toppen
hvordan var det at deltage i en koncert i barokken?
i moderne tid er en koncert en begivenhed., Vi hører en annonce i radioen eller ser en fortegnelse i avisen; vi køber billetter; vi går til en koncertsal og sidder stille, indtil det er tid til at klappe. I baroktiden var denne slags offentlige koncert sjælden. Mange af de mest berømte barokke kompositioner blev udført i kirker til en tjeneste eller som en del af en privat koncert eller fest i hjemmet til en velhavende protektor. I løbet af barokken, imidlertid, offentlige forestillinger blev mere almindelige, især inden for genrer af opera og oratorio, og vores moderne koncerttradition begyndte at samle sig i mange europæiske byer., Som Roger Nord beskrevet en forestilling i en af de tidligste koncert serie, der er organiseret i London i 1670s:
Det første forsøg var at lave et projekt af gamle Gelænder, som var en god violin, og en teatralsk komponist. Han åbnede et uklart rum i et offentligt hus i hvide friars; fyldte det med borde og sæder og lavede en sidekasse med gardiner til musikken. Nogle gange consort, undertiden soloer, af violin, flageolet, bas viol, lut og song all ‘ Italiana, og sådanne sorter omdirigerede virksomheden, der betalte ved at komme ind., En shilling et stykke, Ring for hvad du vil, betale regningen, og velkommen herrer.
fremkomsten af den offentlige koncert gjorde den voksende middelklasse til en vigtig indtægtskilde for musikere. I slutningen af barokken var denne sociale delmængde blevet en musikalsk protektor næsten lige så magtfuld som kirken eller domstolen.
Tilbage til toppen
Hvad kom efter barokken?
i midten af det attende århundrede var den barokke ID.om musik som en form for retorik under angreb., Musikken havde en fantastisk potent kraft til at udtrykke selv de vanskeligste begreber—men kun i sin mest “naturlige” form, som barokken tilsyneladende havde forvirret. Som Johann Adolph Scheibe sagt af J. S. Bach i 1737,
Denne store mand ville være beundring af hele nationer, hvis han har gjort flere herlighedsværdi, hvis han ikke tage væk naturligt element i hans stykker, ved at give dem en bombastisk og forvirret stil, og hvis han ikke mørkere deres skønhed ved et overskud af kunst., Da han dommere i forhold til hans egne fingre, hans stykker er yderst vanskeligt at spille, for han forlanger, at sangere og instrumentalister bør være i stand til at gøre med deres struber og instrumenter, hvad han kan spille på klaver, men dette er umuligt… Turgidity har led fra naturlige til den kunstige, og fra den høje til den dystre; og…en beundrer den dyre arbejdskraft og usædvanlig indsats—som, dog, er forgæves ansat, da de er i konflikt med Naturen.,
Scheibes insistering på klarhed og lethed i performance antyder en større ændring i musikalsk æstetik: gennem hans diatribe er den endelige smagsdommer ikke Platon eller Aristoteles, men i sidste ende lytterne og kunstnerne selv. Denne nye vægt på direkte melodisk udtryk og klar musikalsk arkitektur peger vejen til den klassiske periode, Mo .arts og Haydns alder.
Tilbage til toppen
barokken i den moderne tidsalder
selvom barokken sluttede for over 250 år siden, kan rester af æraen høres overalt., Nogle af de mest indflydelsesrige og elskede kompositioner udføres regelmæssigt i koncertsale, og et væld af optagelser gør barokken tilgængelig efter behov. Mange af de musikalske genrer, der stadig er i brug i dag, som oratoriet, koncerten og operaen, stammer fra perioden. Komponister fra det tyvende århundrede som Ralph Vaughn .illiams, Igor Stravinsky og Benjamin Britten hyldede barokken i deres værker., Dens indflydelse kan endda høres uden for kunstmusikens rige: den frie bevægelse mellem solo og gruppe i ja.. sammenlignes undertiden med barokmusik, og uddrag af Bach og Vivaldi vises ofte i soli fra heavy metal-guitarister. Og barokkens ånd—en urokkelig tro på musikkens kraft til at røre folks liv-ændrede musikhistorien for evigt.
Tilbage til toppen