Seit Mitte des 20. Die Verleihung des Goldenen Löwen an den Amerikaner Rauschenberg auf der Biennale 1964 in Venedig zeugt von der Verschiebung des Primats von der Pariser Schule zur New Yorker Schule., Heute ist der „Big Apple“ neben seinen Museen mit den renommiertesten Sammlungen die Stadt mit den meisten Galerien. Tatsächlich haben dort mehr als 100.000 Künstler ihre Ateliers eingerichtet und nutzen die Gelegenheit, ihr Glück mit mehr als 1.500 Galerien zu versuchen. Jahrhunderts waren die Katalysatoren der modernen und zeitgenössischen Kunst. Artsper präsentiert jetzt 10 der berühmtesten von ihnen!,
Die Mentoren für Moderne Kunst
Edward Hopper (1882-1967): Zwischen Realismus und Symbolik des American Way of Life
Er war der Maler der städtischen Amerika zu Beginn des 20. Edward Hopper gab seinen Darstellungen des Alltags eine mystische Atmosphäre und schaffte es, die harmlosesten Themen zu sublimieren.
Geboren in New York, machte er eine Ausbildung zum Illustrator, bevor er an einer Schule für Malerei studierte., In den frühen 1900er Jahren reiste er mehrmals nach Europa. Dort interessierte er sich mehr für die Impressionisten wie Monet und Degas, dann für die kubistischen Avantgardisten seiner Zeit. Anstelle abstrakter Darstellungen bevorzugte Hopper naturalistische Darstellungen zeitgenössischer Landschaften und Bräuche. Nach seiner Rückkehr in die USA begann der Künstler eine Karriere als kommerzieller Künstler, bevor er sich schließlich entschied, sich ganz der Malerei zu widmen.
Während der Zwischenkriegszeit erlangte er ein gewisses Ansehen., Mit Leidenschaft für Architektur produzierte er zuerst Aquarelle von Dachgeschosshäusern aus dem 19. In der Art der Impressionisten beziehen sich seine Motive auf Gebäude, die zu verschiedenen Tageszeiten gemalt wurden. Er bevorzugte Sonnenaufgänge und Sonnenuntergänge und enthüllte seine Anziehungskraft für die Darstellung von Variationen der Leuchtkraft.
Später porträtierte er die sich verändernde amerikanische Gesellschaft und gilt heute als einer der Hauptvertreter des amerikanischen Realismus. Eine gewisse Melancholie geht immer von seinen Szenen aus., In seiner Arbeit Nighthawks verkörpert es die Einsamkeit der Charaktere, isoliert und still. Es ist auch ein Zeichen der Nostalgie für ein vergangenes Amerika, das so urbanisiert wie individualisiert wird…
Als kostbarer Zeuge seiner Zeit schafft er es, die Zeit auf seiner Leinwand zu verewigen. Die Theatralik seiner Kompositionen, die durch einen starken Kontrast zwischen Schatten und rohem Licht entsteht, wird eine Inspirationsquelle für die fotografische und kinematografische Welt sein.,
Man Ray (1890-1976): Vom dadaismus zum Surrealismus
Maler, Zeichner, Regisseur, designer… Dieser Künstler, deren Werke sind auf Artsper, war am besten bekannt, als der Fotograf der Surrealisten.
Nach dem Studium des Industriedesigns weigerte er sich, eine Architekturschule zu besuchen, um sich ganz der Kunst zu widmen. In den frühen 1910er Jahren siedelte er in New York an und besuchte Alfred Stieglitz ‚ Galerie „291“., Stieglitz führte ihn in die Technik der Fotografie und viele Künstler der europäischen Avantgarde. 1913 nahm er an der Armory Show teil. Dies war die erste internationale Ausstellung moderner Kunst, die Vertreter von Fauvismus, Kubismus und Futurismus zusammenbrachte. Nach einer ersten Einzelausstellung 1915 trat er der Dada-Bewegung bei. Diese intellektuelle, literarische und künstlerische Bewegung wurde als Reaktion auf die Absurdität des Ersten Weltkriegs geboren und war durch eine radikale Ablehnung der politischen, sozialen und ideologischen Werte der Gesellschaft gekennzeichnet., In dieser Zeit begann er mit der Fotografie zu experimentieren.
1921 verließ er Amerika nach Paris, wo er seine Forschungen fortsetzte und zufällig eine neue fotografische Technik entdeckte: „rayography“. Wenn ein Blatt weißes lichtempfindliches Papier Licht ausgesetzt wird, werden die Teile, die nicht von Objekten bedeckt sind, geschwärzt. Er erhält dann Darstellungen mit spektralen Formen, die traumhafte und mysteriöse Landschaften darstellen, in denen Alltagsgegenstände transzendiert werden. Gleichzeitig engagierte er sich in der surrealistischen Bewegung, an der er ab 1925 an allen Ausstellungen teilnahm., 1929 lernte er Lee Miller kennen, der seine Geliebte und Assistentin wurde. Gemeinsam nutzten sie das ästhetische Potenzial der Solarisation, einem fotografischen Prozess, der darin besteht, ein Foto zu früh freizulegen. Auf diese Weise werden die Zonen der Dunkelheit und Helligkeit umgekehrt.
Unter den wichtigsten amerikanischen Künstlern in der Kunstgeschichte ist er derjenige, der die Kunst der Fotografie revolutioniert hat!,
Norman Rockwell (1894-1978): Der Hyperrealismus des amerikanischen Geschichtenerzählers
Bekannt für seine Zeitschriftenillustrationen, Norman Rockwells Werke.die Geschichte der Vereinigten Staaten von der Zwischenkriegszeit bis zur Nachkriegszeit.
Fasziniert vom Zeichnen seit seiner Kindheit trat er mit 16 Jahren in die American Academy of Design in New York ein., Dann trat er ein zweites Mal der Art Students League bei, einer angesehenen Schule der Schönen Künste. Talentiert, noch bevor er die Volljährigkeit erreichte, beauftragten Jugendmagazine seine ersten Illustrationen.
Das Jahr 1922 markierte einen Wendepunkt in seiner Karriere. Er malte sein erstes Cover für die berühmte Zeitung The Saturday Evening Post. Es folgte eine 47-jährige Zusammenarbeit, in der Rockwell 321 weitere Cover produzierte. In einem realistischen, fotografischen Stil porträtierte er den Alltag der amerikanischen Mittelklasse, immer mit Freundlichkeit und manchmal Humor., Auf diese Weise ist er mit der amerikanischen Regionalismusbewegung verbunden.
Während des Zweiten Weltkriegs bekräftigen seine Illustrationen seine Teilnahme an den Kriegsanstrengungen. Inspiriert von Präsident Roosevelts Rede produzierte er 1943 eine Reihe von vier Gemälden mit dem Titel Die vier Freiheiten. Franklin Roosevelts Rede sollte die amerikanische Moral stärken, indem sie eine bessere Zukunft ankündigte. Dies würde auf Menschenrechten und vier Freiheiten beruhen: Redefreiheit, Religionsfreiheit und Freiheit von Angst und Verlangen. Der Maler entschied sich dann, diese vier Konzepte in Szenen des täglichen Lebens zu transkribieren., Er will den Amerikanern zeigen, dass sie nicht nur abstrakte Ideale sind.
In den folgenden Jahren, als der Erfolg dieser vier Bilder ihn sehr populär machte, gingen seine Aufträge zurück. In der Tat bevorzugten Zeitungen Fotografie gegenüber Karikaturen. Dennoch wird er bis zu seinem Lebensende versuchen, mit seiner Kunst die Ursachen zu verteidigen, die ihm am Herzen liegen: Bürgerrechte, Kampf gegen Segregation, Armut und Krieg. Er war einer der amerikanischen Künstler seiner Zeit, der am meisten politisch involviert war.,
Jackson Pollock (1912-1956): Tropf-Pionier
Ein US-amerikanischer Maler des Abstrakten Expressionismus, besonders berühmt für seine Praxis des action painting, Jackson Pollock war ein großer Einfluss auf die zeitgenössische amerikanische Maler. Sein Tod in voller Weltweihe hat die Legende dieses verfluchten Künstlers gefördert.,
Seine Kindheit verbrachte er in einer prekären Umgebung, zwischen der Abwesenheit seines Vaters und der Autorität seiner Mutter, und wurde schon in jungen Jahren Alkoholiker. Im Alter von 11 Jahren werden sein Besuch in einem indischen Reservat und die Entdeckung abstrakter Motive einer sogenannten „primitiven“ Kunst einen tiefen Eindruck auf ihn hinterlassen. Für Pollock ist Kunst vor allem ein Kunstwerk. Es erlaubt ihm, seine Gefühle auszudrücken und sich von seinen Ängsten, Ressentiments und Wut zu befreien. In seinen Action-Gemälden, die den Performances nahe stehen, ist es die Aktion der Malerei und nicht die Malerei, die wichtig ist.,
Er lebt einen großen Teil seines Lebens in Not während der Weltwirtschaftskrise und profitiert vom Bundeskunstprojekt. Dieses Programm wurde von der Roosevelt-Regierung im Rahmen der New Deal-Politik eingerichtet und unterstützte amerikanische Künstler durch große öffentliche Aufträge. Er trat 1935 der Sektion „Wandmalerei“ bei, wurde aber 1938 wegen Fehlzeiten ausgeschlossen. Zu dieser Zeit begann er ein Entgiftungsprogramm.
1943 nahm er an der ersten großen Ausstellung teil, die von einer berühmten amerikanischen Sammlerin moderner Kunst, Peggy Guggenheim, organisiert wurde., Unter den Jurymitgliedern gaben ihm Piet Mondrian und Marcel Duchamp eine positive Meinung, so dass der berühmte Mäzen der Künste ihm ein monatliches Gehalt anbot und ihm eine persönliche Ausstellung widmete. Während er sich allmählich in der Kunstwelt einen Namen machte, begann er 1947, Dribbeln zu üben. Es besteht darin, Farbeimer direkt auf die Leinwand zu gießen. Durch diese neue Technik des horizontalen Arbeitens bricht er mit den traditionellen Codes der Bildpraxis, während er sich der totalsten abstrakten Kunst hingibt.,
Auf dem Höhepunkt seines Erfolgs verfolgten ihn jedoch immer noch seine alten Dämonen. Er ertrank in Alkohol, starb bei einem Autounfall und fuhr betrunken. Einige seiner Ausgaben finden Sie auf der Artsper-Website.,
The Major American Pop Culture Artists
Andy Warhol (1928-1987): The Father of Pop Art
He turned kunst in ein Konsumprodukt, während er gleichzeitig Alltagsgegenständen den Status von Kunstwerken verlieh. Andy Warhol gilt zu Recht als einer der Begründer der Pop Art.,
Warhol, dessen Kreationen auf Artsper verfügbar sind, stammt aus der armen Arbeiterklasse von Pittsburgh und ist der Sohn slowakischer Migranten. Er schaffte es, an die Universität zu gehen, um Bildende Kunst zu studieren. Nach seinem Abschluss zog er 1949 nach New York. Dort begann er eine Karriere als kommerzieller Künstler für Modemagazine und erlangte schnell einen bedeutenden Ruf in der Werbewelt.
Ende der 1950er Jahre widmete er sich der Malerei. Er wurde zuerst von Comic-Grafiken inspiriert., Aber es waren seine Bilder auf Konsumgegenständen, beginnend mit Campbells Suppendosen, die in die Kunstgeschichte eingehen würden. Um eine fast Massennachfrage zu befriedigen, begann er 1962 mit dem Siebdruck. Diese schablonenbasierte Drucktechnik ermöglichte es ihm, seine Werke in industriellen Mengen in einer Vielzahl auffälliger Farben herzustellen. Seine Porträts von Prominenten wie Marilyn Monroe sind heute auf den Bildschienen der größten modernen Kunstinstitutionen der Welt zu sehen.
Später, 1964, eröffnete er seine Fabrik, das Mekka des New Yorker Kunstlebens., Es ist sowohl eine Produktionswerkstatt als auch ein Aufnahmestudio für seine Experimentalfilme.
Zu Lebzeiten gefeiert und als Ikone der Pop Art anerkannt, wurde er Ende der 1980er Jahre zum Patron der Künste. In Zusammenarbeit mit aufstrebenden Künstlern wie Jean-Michel Basquiat und Keith Haring machte er sich zu einer Marke.,
Keith Haring (1958-1990): Aktivismus durch Street Art
Weltweit bekannt für seine Fresken farbenfroher Figuren mit dicken schwarzen Konturen, Keith Haring ist auch als einer der amerikanischen Künstler bekannt, die sich dem Kampf gegen Homophobie und AIDS verschrieben haben.
Wie Andy Warhol wurde er in Pittsburgh geboren und begann, Werbegrafik zu studieren. Da er jedoch frei mit seiner eigenen künstlerischen Forschung experimentieren wollte, reiste er nach New York., Dort inspirierten ihn Graffiti. Er war bestrebt, Kunst aus dem Rahmen zu nehmen, um ein breites Publikum zu erreichen, und zeichnete zunächst mit Kreide auf die schwarzen Werbetafeln der U-Bahn. Gleichzeitig besuchte er das künstlerische Milieu der New Yorker U-Bahn und hatte seine ersten Ausstellungen in Galerien. Schließlich wurde er 1985 zur Biennale de Paris eingeladen, während er sich mitten in seinem internationalen Aufstieg befand.,
Hinter dem Erscheinen von Kinderzeichnungen mit synthetischen Formen, von denen einige auf der Artsper-Website zu finden sind, beschäftigt er sich mit ernsten Themen wie Rassismus, Gewalt, Drogen und Umweltzerstörung… Indem er sich auf der Straße ausdrückt, versucht er mehr Sichtbarkeit zu haben, um soziale Vorurteile anzuprangern. Zu diesem Zweck nimmt er an Kunstbildungsprogrammen für junge Menschen teil und reagiert auf mehrere öffentliche Aufträge. Zum Beispiel führte er 1987 ein Fresko an einer der Wände des Necker Hospital aus.,
In dem Wissen, dass er 1988 an AIDS litt, stellte er seine Kunst und seine Bekanntheit in den Dienst der LGBT-Sache und des Kampfes gegen diese Krankheit. Zu diesem Zweck gründete er 1989 die Keith Haring Foundation. Angetrieben von dem Wunsch, die Welt zu verändern, starb er im Alter von nur 31 Jahren. Trotz seines kurzen Lebens war sein künstlerisches und soziales Erbe nicht weniger bedeutend.,
Jean-Michel Basquiat (1960-1988): Die Höhe der Urbanen Kunst in den Rang der schönen Künste
Er ist einer der berühmtesten Afro-amerikanischen Künstler in der Welt. 2017, fast 30 Jahre nach seinem Tod, wurde eines seiner Werke zu einem Rekordpreis von mehr als 110 Millionen Euro versteigert., Dies macht Jean-Michel Basquiat, von dem einige Zeichnungen auf der Artsper-Website zu sehen sind, zu einem der teuersten amerikanischen Künstler der Welt.
Dieses frühreife Zeichnergenie wurde in Brooklyn als Sohn eines haitianischen Vaters und einer hispanischen Mutter geboren und produzierte im Alter von 16 Jahren seine ersten Graffiti. Er beginnt unter dem Pseudonym SAMO zu unterschreiben („Same Old Shit“, wörtlich“Same Old Shit“). Basquiat gibt den Ton an: Von protestantischem Temperament weigert er sich, sich dem Diktat der Gesellschaft anzupassen.,
Ehrgeizig, der erste international bekannte schwarze Künstler zu werden, gelang es ihm, von seinem Idol Andy Warhol entdeckt zu werden. Letzterer stellte ihn den größten New Yorker Galeristen vor.
Seine Werke von großer Einzigartigkeit erschrecken so sehr, wie sie faszinieren. In der Tat sind sie von großer Gewalt. Mit zahlreichen Beschwörungen des Todes sind seine Kompositionen durch die Einführung von Stammeselementen aus seinem kulturellen Erbe gekennzeichnet. Sein Streben nach Identität treibt ihn dazu, die Unterdrückung von Minderheiten anzuprangern, die eine chaotische Welt darstellen und eine starke Symbolik tragen., Schließlich mischt er als Kind der Popkultur verschiedene Techniken in derselben Komposition: Graffiti, Malerei, Collagen. Er missachtet Bildtraditionen und verwischt die Grenzen der bildenden Künste.
Sein Tod nach einer Überdosis beendete seine Karriere im Alter von 28 Jahren. Eine Karriere, zugegebenermaßen kurz, aber besonders produktiv: Er produzierte mehr als 800 Gemälde und 1.500 Zeichnungen. Sein chronisches Unwohlsein, das in den aggressiven Merkmalen seiner Kompositionen spürbar war, löste paradoxerweise sein Ende ebenso aus wie seinen Erfolg.,
Der Aufstrebenden Zeitgenössischen Künstler
Jeff Koons (1955): der Höhepunkt Der Kommerziellen Kunst
Während Sie eine der berühmtesten American artists of the 21st century, Jeff Koons ist auch einer der umstrittensten. Seine Werke werden von einigen als industrielle Kunst verunglimpft oder sind nur nach anderen gefälscht. Dennoch sind sie die teuersten der Welt und werden in den weltweit führenden Kunstinstitutionen ausgestellt., Eine Erfolgsgeschichte!
Jeff Koons, der schon in jungen Jahren von Kunst angezogen wurde, traf nicht auf den erhofften Erfolg mit seinen ersten Kreationen. Gezwungen, als Finanzmakler zu arbeiten, wurden seine monumentalen Skulpturen, die Massenverbrauchsgüter wie seine Ballonhunde und aufblasbaren Kaninchen repräsentierten, erst in den 1980er Jahren bei Sammlern beliebt. Er schuf dann, in der Art von Andy Warhol, ein Studio in New York mit etwa dreißig Assistenten. Heute ist es mehr wie eine Fabrik, mit mehr als 100 Mitarbeiter. So werden die von Jeff Koons gestempelten Werke nicht mehr von seinen Händen gemacht.,
Tatsächlich entsprechen Jeff Koons‘ Edelstahlproduktionen, die auf Artsper erhältlich sind, der Pop-Art und lassen sich von der populären Fantasie inspirieren. Er lenkt sie ab, indem er ihnen einen industriellen Charakter verleiht und bestimmte Affinitäten zu Marcel Duchamps Fertigem offenbart. Wenn Andy Warhol jedoch Kunst in das Industriezeitalter brachte, brachte der Mann der Finanzen sie in das Zeitalter der Globalisierung. Seine Kitsch-Ikonen sind auf der ganzen Welt zu sehen… Und das nicht ohne ein paar Skandale zu verursachen!,
2008 stellte er ein Dutzend seiner Skulpturen im Schloss Versailles aus, wo eine Veranstaltung im Namen der Verteidigung der „französischen künstlerischen Reinheit“stattfand. In jüngerer Zeit war es sein Strauß Tulpen, der große Kontroversen verursachte. In der Tat wurde die Hommage an die Opfer der Pariser Anschläge von 2015 und 2016 als Beitrag zur Hässlichkeit des öffentlichen Raums kritisiert.
Darüber hinaus wurde der Künstler in mehreren Fällen von Plagiaten angeklagt, indem er Themen aus vorhandenen Fotos oder Anzeigen wieder aneignete., Tatsache bleibt, dass Jeff Koons ‚ Herrschaft eine glänzende Zukunft vor sich zu haben scheint! Im Mai 2019, als er den Preis von 91,1 Millionen Euro erreichte, machte ihn die Auktion seines Kaninchenwerks zum teuersten lebenden Künstler der Welt.,
JonOne (1963): Die Weihe von Graffiti in der zeitgenössischen Kunst
JonOne gilt als einer der wichtigsten amerikanischen Künstler des abstrakten Expressionismus in der Welt der Graffiti., auf dem Artsper-Gelände entdeckt zu werden, ist ebenso ein Nachkomme von Jackson Pollock wie von Jean-Michel Basquiat. Kein Zweifel, dass die Nachfolge amerikanischer Künstler gesichert ist!,
Der in New York City, im Arbeiterviertel Harlem, geborene und afroamerikanischer Herkunft wie Jean-Michel Basquiat spielt auch den jungen John Hooky. Als Teenager durchstreifte er die New Yorker U-Bahnlinien, in denen er seine ersten Tags machte. Ihm zufolge“ ist die U-Bahn ein Museum, das die Stadt durchquert “ und Graffiti als eigenständige Kunstform betrachtet.
Entscheidend für den Rest seiner Karriere war sein Treffen mit dem französischen Graffiti-Künstler Bando. Letzterer überzeugte ihn, sich ihm in Paris anzuschließen., Dort verlässt er den Asphalt, ohne seine Farbbomben aufzugeben, und lässt sich in den 1990er Jahren in einer Werkstatt des Ephemeral Hospital nieder. Dort produzierte er seine ersten Bilder. Er wurde schnell entdeckt und in den wichtigsten französischen Galerien für zeitgenössische Kunst ausgestellt.
JonOne schafft es, das Publikum mit der Sensibilität und Poesie seiner Bilder zu berühren. Sie lassen seiner Fantasie freien Lauf und erlauben ihm, sich in seinen Worten für sich selbst zu öffnen. Er evakuiert jeden bildlichen Bezug und lässt sich von der Bewegung, den Farben und der Energie der Städte mitreißen., Von da an leitet nur noch der Impuls seiner Gefühle seine Gesten. Streifen von hellen und spontanen Farben entstehen nur aus ihnen.
An der Kreuzung von lyrischer Abstraktion und urbaner Kunst, moderner Kunst und zeitgenössischer Kunst schafft es JonOne, sein amerikanisches künstlerisches Erbe zu nutzen, um uns seine Erneuerung anzubieten. Die Hegemonie amerikanischer Künstler in der Kunstgeschichte geht noch lange nicht zu Ende!,
Shepard Fairey (1970): The Political Commitment of Street Art
Er ist berühmt für die Gestaltung von Barack Obamas Wahlkampfplakat für die Präsidentschaftswahlen 2008. Das Boston Institute of Contemporary Art hat gezeigt, dass Street Art einen Platz in der Politik hat und ihn als den einflussreichsten Street Art Künstler anerkannt.,
T-Shirts und Skateboards entwerfen Als Teenager trat Shepard Fairey, vertreten auf Artsper, 1989 in die Rhode Island School of Design ein. Mit einer Gruppe von Studenten erstellte er Aufkleber und Poster, die den französischen Wrestler André the Giant darstellen. Das Visuelle wurde viral und verbreitete sich auf der ganzen Welt. 1998 verband er das Bild mit dem Wort „Gehorchen“ (was „gehorchen“ bedeutet) und machte diese Propagandaparodie zu seiner Unterschrift.
Aber es ist mehr seiner Hoffnung zu verdanken, dass er internationale Bekanntheit erlangte., Er unterstützte die Kandidatur des zukünftigen Präsidenten Barack Obama und schuf eine Reihe von Plakaten. Das berühmteste ist ein Porträt des Politikers in den Farben Amerikas. Emblem von Obamas Präsidentschaftskampagne, Es stellt einen Kandidaten dar, der entschlossen in die Zukunft gerichtet ist. Auf der ganzen Welt verbreitet, machte es die Titelseite des Time Magazine. Die National Portrait Gallery in Washington schließlich kaufte das original.
Seitdem hatte er eine Reihe von Ausstellungen, während er seine Aktivitäten als Straßenkünstler fortsetzte., Er führte 2012 und 2016 insbesondere mehrere Fresken an den Wänden von Gebäuden im 13. Einer von ihnen repräsentiert eine Marianne, die vom nationalen Motto „Freiheit, Gleichheit, Brüderlichkeit“umgeben ist. Es wurde nach den Anschlägen vom 13 November 2015 erstellt. So zeugt es von ihrem ewigen Engagement für die Verteidigung großer Anliegen wie Demokratie und Freiheiten. 8 Jahre nachdem er sich in den Wahlkampf investiert hatte, wiederholt Shepard Fairey. Mit den gleichen Grafikcodes änderte er den Slogan in „Nein“, um sich der Wahl von Donald Trump zu widersetzen., Shepard Fairey feiert 2019 seine 30-jährige Karriere beim Grenoble Street Art Fest und scheint sich endgültig in der internationalen künstlerischen (und städtischen) Landschaft etabliert zu haben!
So zeigt dieser Überblick über moderne und zeitgenössische amerikanische Künstler die entscheidende Rolle der Vereinigten Staaten als Wiege des künstlerischen Schaffens. Jahrhunderts wurden auf seinem Boden die wichtigsten Künstler der Kunstgeschichte geboren. Ohne Bindung an die europäische Bildtradition konnten sie neue Kunststofflösungen vorschlagen., Ursprünglich vom Nationalismus geprägt, wurde die amerikanische Kunst in der Mitte des 20. Das Ergebnis war seine weltweite Assimilation und die Weihe der Vereinigten Staaten als führende künstlerische Macht.